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NOTE DI REGIA

L’Archivio delle Anime. Amleto

Ho affidato le mie ceneri
al rondone dal petto bianco,
e porta nel becco… come enigmi.

Chi si burla di tutta questa angoscia?

Ferocemente mi sono stretto alle pietre sepolcrali
Cercando un epitaffio,
Cercando un po’ di dignità, un poco di decenza.
L’ho cercata sul promontorio,
Quella roccia che si sporge dalla sua base sulla distesa vasta del mare
Dove l’aria odora come se spirasse da prati appena falciati.
Ho cercato di stanarla frugando con tatto sensibile, sprecando ordini
Con la calma e la pazienza e poi con la pazzia, il delirio,

il sangue in fiamme e la fronte bollente,

Cacciando con furia schiumosa, da demonio più che da uomo.

Sarcastico fino alla fine non sono mai stato di me stesso l’amante.
Come un becchino sdegnoso ho calpestato le ossa bianche dei cadaveri
che scricchiolavano e si spezzavano come conchiglie,
ho menato gomitate contro i miei affetti,
malvagiamente sputacchiando intorno a me,
quella malvagità che sta al principio delle cose.
Dove vanno gli assassini, amore mio più caro?

Arrugginiremo tra l’erba come falci dimenticate

Mentre il rondone che si è precipitato nei burroni più oscuri

è tornato a librarsi in alto e a scomparire nel sole.

IL BECCHINO

La tragedia si sta per compiere e Amleto dedica al pubblico la sua morte, di lì a poco il suo corpo verrà portato sul palco e i cannoni annunceranno al cielo che un nobile uomo è caduto. A Orazio il compito di non lasciarne il nome ferito, di raccontarne le gesta: che se solo ne avesse avuto l’occasione avrebbe dimostrato al mondo tutto il suo valore, peccato… peccato che la morte lo abbia privato del suo nobile destino e gli abbia riservato un posto tra i miti. Il suo dolore, come quello di Jim Morrison o Kurt Cobain rimarrà eternamente giovane: diventerà leggenda e i suoi affezionati ammiratori, nei più diversi adattamenti, potranno riascoltare i suoi pensieri che come una creatura gli divorano il cuore, per sempre.
Ma quando della morte rimane solo il silenzio e l’odore, quando i personaggi hanno compiuto il loro tragico destino, quando il pubblico ha consumato il suo pasto e sazio dell’eroe che pensa ha lasciato il teatro per rientrare nella sua quotidianità lasciandosi alle spalle l’artificiosa morte, chi si occupa di seppellire i sogni perché il giorno dopo rifioriscano?
E’ davanti ad una platea vuota che prende forma la figura della nostra riscrittura scenica, quella del becchino. Una figura dal trucco marcato, pallido di cipria, l’ombretto che marca le occhiaie, con una barba finta di vecchio in un cappotto nero… ohibò il becchino del teatro non può essere che pieno di finzioni. A lui il compito di cancellare le tracce della tragedia, di raccogliere i feticci dei personaggi, di seppellire i loro desideri, i loro pensieri, i loro sogni, di cancellare i segni del loro passare perché la sera dopo li lascino come se non avessero mai percorso quella strada.
Sfortunatamente per il becchino, non può esserci teatro senza pubblico dunque per quanto abbia deciso di conoscersi nel silenzio e nella solitudine di un teatro vuoto, di servire un cimitero che accoglie e custodisce enigmi, questa sera l’Amleto lo celebra lui. Lui da solo, come burattini nelle mani di un demiurgo compassionevole e ironico, animerà i personaggi, ricordandone le battute. Potrebbero essere quelle o altre, poco importa, bastano a se stesse.
Celebrerà lui questo dramma intessuto di domande e di dubbi, di risposte contraddittorie, di lacune che ha un’unica certezza: la morte. Quella dei personaggi ma forse anche quella degli uomini condannati a rivivere sempre uguale il loro destino, presentandoci quel pensiero sincero e crudo che cerca il senso dell’esistenza… ma pensare è un’audacia, un privilegio riservato a Dio soltanto, i cuori degli uomini sussultano s’agghiacciano e spaccano.
A questa tragedia del disincanto non c’è cura o soluzione se non quella per il becchino di vivere in un cimitero fatto di trucchi e artifici in cui forse è ancora possibile lasciarsi incantare. Forse.

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SCHEDA TECNICA

L’Archivio delle Anime. Amleto

Durata: 80 minuti.
Spazio disponibile per il montaggio preferibilmente dal giorno prima.

Responsabile organizzativo: Massimiliano Donato Tel. 075 925 80 72 / 338 97 88 533
info@centroteatraleumbro.it

Responsabile tecnico: Alessandro Scarpa Tel. 335 84 56 869
pep.alex@infinito.it

Luci:
24 canali dimmer.
1 mixer luci.
18 pc 1000w con telai e bandiere.
2 etc o sagomatori 1000w.
4 par cp62
4 domino

Disponibile in allegato la pianta luci e circuiti dimmer.

Audio:
2 casse da 400w.
1 mixer audio.
1 CD player.
In caso di spettacolo all’aperto: 1 radiomicrofono.

Scena:
Spazio scenico ideale: Larghezza 8 mt. x Profondità 8,5 mt.
Spazio scenico minimo: Larghezza 6 mt. x Profondità 6 mt.
Altezza minima all’impianto luci (cioè alla fine della bandiera più bassa) 4 mt.
Perfettamente oscurabile.
Pavimento di qualsiasi materiale ma regolare e in piano.
Spettatori: frontali.
Inquadratura nera composta da quinte, cieli e fondale.

nota: saranno presenti in scena dei mini fuochi d’artificio e una fiamma libera dentro un libro. Il tutto nel massimo controllo e sicurezza. Consigliamo comunque la presenza di un estintore nelle vicinanza del palco.

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RASSEGNA STAMPA

Prime del Teatro
Valeria Ottolenghi
«SCONNESSO» E RICOMPOSTO:
UN «AMLETO» PER UN ARCHIVIO D’ANIME TEATRALI

Che meraviglia! Gli applausi sembravano non volere finire mai.
Uno di quei rari spettacoli di suprema bellezza e intelligenza a tutti i livelli, per la drammaturgia, lo straordinario talento dell’attore, l’estrema cura in ogni passaggio, che pare riescano a dare nuova intensità, brillantezza, alla vita: nell’entusiasmo una carica speciale d’energia. Così è accaduto meravigliosamente per «L’archivio delle anime. Amleto» da Shakespeare, di/ con Massimiliano Donato, che ha aperto la stagione serale del Teatro del Cerchio, uno spettacolo che, sciolto, vertiginoso, pieno di ritmo, meriterebbe profonde analisi per la definizione dei personaggi, le relazioni tra loro, la scomposizione del testo, il gioco degli incastri e dei ritorni, l’uso dei materiali scenici (anche marionette, fantocci, burattini), il raffinato meccanismo metateatrale, i continui, misurati, mutamenti di stile, comico e tragico, di alta commozione drammatica e scoppiettante ironia, scorrendo rapido dai toni buffi, grotteschi, a un’intensa malinconia vicina al pianto, tra strabilianti piroette espressive, formali, e ammiccamenti al pubblico, lasciando emergere qua e là, con gioia beffarda, riflessioni universali (su dio, la famiglia, la morte), facendo nascere risate improvvise e silenzi d’ascolto commosso. Massimiliano Donato è attore completo, con multiformi competenze al grado più elevato, capace di affrontare le più complesse sfumature emotive. Grande era stata l’ammirazione all’incontro con «Il Principe Mezzanotte», lì solo interprete in scena, agile, leggero, acrobatico. Ma qui, «L’archivio delle anime. Amleto» da William Shakespeare in quest’«Amleto» demolito e ricomposto, smontato e ricostruito a frammenti, ripensato genialmente, si riconosce anche una formidabile inventiva registica sorretta da un lavoro millimetrico di estrema fatica e bellezza. In una terra desolata dove il tempo ha corroso ogni cosa, assi logore, consunte, un vecchio baule e molte ossa, il becchino – figura nera, il volto fortemente truccato – gioca con quei resti umani e, in varie forme, a brandelli, lascia affiorare l’opera shakespeariana. L’attore assume più ruoli – anche la nonna di Amleto! – ma è insieme animatore di una molteplicità di figure, di grande tenerezza Ofelia, gli occhi brillanti, avvolta in piccolo mantello di pelliccia. Struggente la scena del più famoso dei monologhi, con Massimiliano Donato che sorregge teneramente la mano di un malinconico, romantico Amleto in miniatura, che intanto tiene a sua volta un minuscolo teschio… Ma è questo solo uno degli innumerevoli passaggi indimenticabili di uno spettacolo denso, colto, straripante, travolgente:
«L’archivio delle anime. Amleto» di e con Massimiliano Donato.!

GIUDIZIO: *****

NonSoloCinema anno VII n. 20 – © 2011
web site: http://www.nonsolocinema.com

“L’ARCHIVIO DELL ANIME. AMLETO” DI MASSIMILIANO DONATO
L’insostenibile leggerezza dell’essere Amleto
Articolo di Micol Lorenzato – Pubblicato mercoledì 13 luglio 2011

A teatro fuori dai teatri: che piacere. Con “Scene di Paglia, Festival dei Casoni e delle acque”, si può. La cornice agreste di Villa Roberti è splendida. L’atmosfera calda e intima. In scena: “L’ archivio delle anime. Amleto”. L’originale proposta di Massimiliano Donato, uno dei fondatori del Centro Teatrale Umbro, che rilegge e riscrive, oserei dire, la celebre tragedia shakespeariana.
Tutto ha inizio dalla fine, quando il destino dei nobili di Danimarca è già compiuto. Di loro restano solo le poche ossa che un vecchio becchino, figura chiave nella partitura scenica, custodisce gelosamente.
Reliquie di un passato doloroso, attraversate da segreti immortali a cui il gotico protagonista, davanti a un pubblico immaginario, restituisce la parola.
Tra calici di vino, burattini e piccoli effetti spettacolari l’eccentrico interprete, conduce lo spettatore in un viaggio per sommi capi alla ricerca dell’essenza stessa dell’ Amleto. La trama classica è completamente stravolta sia nella scansione temporale degli avvenimenti che nel loro rapporto di causa effetto.
Un Amleto che non è un Amleto eppure lo è. Una ricerca innovativa e sperimentale per un dramma che riesce ancora a stupire e incantare. Quasi novanta minuti sul filo dell’emozione, ipnotizzati dall’interpretazione frenetica e lisergica di un grande artista che solo sul palcoscenico da vita a uno spettacolo imprevedibile e in continua metamorfosi.Unico neo di un allestimento capace di rimanere nella mente e soprattutto nel cuore, nella parte finale quando la rappresentazione si fa troppo frammentata perdendo intensità e spezzando quel ritmo perfetto che si era sviluppato. Sciocchezza da poco comunque davanti a un teatro altro, che è rumori, colori e odori. Che è vita.

Amleto. L’archivio d’anime di Massimiliano Donato
Giovedì 14 Luglio 2011 15:00 Rita Borga

Bello e inquietante l’arrivo in scena di Massimiliano Donato. Lo vediamo avvicinarsi tra il verdeggiante contorno di Villa Roberti a Brugine, uno dei comuni della Saccisica, nella provincia di Padova, dove si è svolto in questi giorni Scene di paglia, festival dei casoni e delle acque, curato da Fernando Marchiori.

Elegantemente spettrale, in un nero gotico che sottolinea la spigolosità di tutta la sua magrezza, occhi segnati a matita nera su fondo bianco, barbetta candida; alle spalle la luce del crepuscolo in declino. Un vecchio un po’ dinoccolato, dalle profonde e veloci falcate, ai piedi stivaletti con claquettes in punta e tacco che crocchiano meravigliosamente sulla pavimentazione, come ossa un po’ piene un po’ vuote.
Ci troviamo nel suo “archivio d’anime”, che è il suo cimitero, che è il suo teatro, che è il suo spettacolo: lui è il becchino, in scena c’è Amleto.

Gli archivi d’anime o stati d’anime erano degli elenchi anagrafici della popolazione tenuti dai parroci – alcuni risalgono al Cinquecento – in cui venivano registrati solitamente i capifamiglia; in altri, più generosi e meno patriarcali, anche la consorte e i figli. Un documento importante a livello statistico e una preziosa fonte per gli appassionati di genealogia, ma anche un affascinante viaggio nel tempo, un racconto d’avventure tra luoghi, eventi e personaggi inseriti in un tempo storico ma anche fantastico.

Massimiliano Donato scopre uno di questi archivi durante il restauro della pieve di S. Giovanni Battista di Goregge, una casa sacra edificata in mezzo alle silenziose colline di Gubbio, a cui lavora con le proprie mani, lasciando per alcuni anni a riposo la professione d’attore, per dare vita nel 2000, assieme a Naira Gonzalez, a un luogo permanente di formazione dell’attore (si veda la nuova edizione “Di umanità si tratta”): il Centro Teatrale Umbro.

E’ una scoperta affascinante, che rimane inizialmente latente, e sulla quale poi l’attore costruisce con la pazienza e la cura dell’artigiano uno spettacolo complesso e vivace, che per quattro anni fa e disfa.

“E’ nel lavoro, qualsiasi esso sia, che l’uomo incontra e conosce se stesso, il suo essere profondo e segreto” racconta Massimiliano nel dopo spettacolo. E’ attraverso questa operosità, la fatica quotidiana, la ricerca di un linguaggio umano semplice e struggente che ogni frammento viene costruito, poi stravolto e infine ri-creato fino ad arrivare alla prima assoluta a Padova.

“L’archivio delle anime. Amleto” è sicuramente una originale messinscena della tragedia shakespeariana, ma più che l’interpretazione della stessa, non sempre facile da sostenere anche per un bravo attore come Donato, ciò che è geniale, curioso, coinvolgente e struggente nel quadro registico e nella prova d’attore è il personaggio istrionico, inarrestabile del becchino; quel suo affannarsi a essere custode, poi cerimoniere, attore, regista, burattinaio, presentatore, mago, ballerino di tip tap, in un continuo gioco di doppio.

Protagonista e antagonista dentro e fuori la trama, il becchino è al servizio delle sue anime, ma se ne serve anche per essere quello che vuole nel suo teatro, il suo cimitero senza tempo. Prima con calma e pazienza e poi con pazzia e delirio, scardina qualsiasi qualificazione macabra e tetra del luogo, della sua figura, della tragedia che diventa un carrozzone di re e regine, di principi, fantasmi, amanti, attori, puttane e buffoni in un continuo gioco meta teatrale.

C’è la tragedia compassionevole dell’intera famiglia reale e l’umorismo grottesco di chi è solo spettatore di dolori, malinconie, sogni e inquietudini. C’è il personaggio inventato della nonna di Amleto, che riporta a una dimensione intima e familiare, ma ci sono anche i burattini e le carnevalate, perché la tragedia non sia troppo tragica e la commedia troppo comica, e infine i trucchi e le magie per chi ha voglia di crederci.

Dopo quasi due ore di spettacolo (e qui si avverte la necessità di un piccolo ridimensionamento), la figura del becchino non c’è più, come il tip tap dei suoi passi che riecheggiava nelle Barchessa, assorbito da quel viaggio fantastico nel tempo, dalla finzione teatrale, smaterializzato dalle tante sembianze della tragedia e della commedia. Rimane la frantumaglia, tantissima, sparpagliata ovunque, che fa rabbrividire, ma ogni singolo pezzo verrà ripreso in mano, pulito, aggiustato e riposto con cura dentro un baule, archiviato senza lasciare traccia alcuna in quello spazio che sarà ancora qualcosa d’altro o quello di sempre.

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RASSEGNA STAMPA

FIGLI SENZA PADRI

da “La Nuova” • venerdì 20 giugno 1997

Attori d’avanguardia ”nati” a Marghera

UNA nuova avventura teatrale che comincia merita sempre attenzione, specie in un momento in cui fare teatro senza avere alle spalle finanziamenti pubblici è quasi impossibile. Il nuovo gruppo, nato a Marghera, ma internazionale nella composizione e nella destinazione progettuale si chiama «Il cervo disertore» ed ha esordito ieri sera al teatro di Villa dei Leoni a Mira con «Figli senza padre», presentato in prima nazionale. A guidare il progetto di «Il cervo disertore» è Naira Gonzarez argentina, attrice per alcuni anni dell’Odin theatret di Eugenio Barba. Ed in questo progetto di suggestioni dell’Odin ce ne sono molte, a cominciare dalla voglia di internazionalità con l’intento di superare le tradizionali barriere linguistiche per gli attori. Nella compagnia ci sono infatti un attore argentino, Dario Levin, una spagnola, Cristina Prez Leal oltre agli italiani, Luigi Marangoni, Emiliano De Po, Massimiliano Donato, Antonil Shackelford, Donatella Sacco, Roberta Raineri, Michela Mocchiutti, Marilisa Capuano, Giulia Leonardi. Ed oltre a questo il vivere l’attorialità in profondità, in un coinvolgimento totale che fa paragonare a Naira Gonzalez il recitare «ad una preghiera, ad una rivoluzione». Dunque un intero anno di lavoro per attori provenienti da scuole molto diverse, chi dal Piccolo di Milano, chi dal Bottegone di Gassman, chi dall’Avogaria per impadronirsi delle tecniche dell’Odin e realizzare questo spettacolo «Padri senza figli» che è il vero punto di partenza per il gruppo. «E’ uno spettacolo sulla droga e sulla terra» spiega Naira Gonzalez, ovvero sulla ricerca della droga, ma anche sulla necessità di ritornare alla terra, alle radici, quelle radici che nello spettacolo sono rappresentate dalla presenza quasi ossessiva degli elementi primigeni della tradizione antica: il fuoco, la terra, l’acqua, l’aria. Una ricerca parallela condotta da tre giovani disperati, urlanti, rabbiosi che si imbattono in una figura, quella dell’ebreo che rappresenta tutto insieme il passato, il ricordo, la tradizione, il potere.

(n.m.i)

da “La Tribuna di Treviso” • 5 febbraio 1998

Ariston, domani « Figli senza padri». Se le generazioni non comunicano.

METTERE in scena l’incomunicabilità fra le generazioni. E in particolare quella tra padri e figli. E’ la scommessa del Cervo Disertore, la compagnia di Naira Gonzalez, che domani sera propone al teatro Ariston di via Garbizza «figli senza padre» (ore 21, ingresso 15-8 mila). Lo hanno scritto a quattro mani la stessa Naira e Donatella Sacco, dedicandolo ai loro padri e a Fraocesco, Ilaria, Antonella, Leonardo, Alessio, Nicola, Chiara. Tre giovani, senza punti di riferimento, cercado la droga per fuggire dalle radici, dal pragmatismo, dalla mancanza, dall’estraneità rispetto ai valori e alle scelte dei Padri. Tre ragazze sono prigioniere della memoria: tra loro aleggia il fantasma del padre che cercava la terra. Uomini in cerca di terra, giovani in cerca di droga: generazioni diverse, lontane, con in comune la sabbia, il deserto, la memoria che ritorna e che poi nuovamente vacilla.
Il linguaggio è evocativo, rigorosamente non didascalico. I flash portano in altre dimensioni, mentre predominano straniamento e linguaggio metaforico. La trama dell’opera muove da un funerale di un ragazzo morto per overdose: tre amici, dopo le esequie, si mettono subito a cercare la droga… Fra i temi dell’opera, la violenza «ereditata» dai giovani. Negli artefici della guerra i giovani non riconoscono nessun Padre. E le colpe, al contrario di quanto dice la massima, non ricadono sui figli: anzi, “Figli senza padri” sembra dire che si può vivere senza senso di colpa. E anche senza padre?

da “La Tribuna di Treviso” • martedì 17 febbraio 1998

Nessuno ha meritato il premio”Opera Prima”
La giuria, con questo spietato verdetto, sembra aver visto il nulla. Ma la differenza, nei lavori presentati, si è vista, eccome!

E non c’ è niente da capire” cantava De Gregori qualche anno fa. La quinta edizione del “Festiva Opera prima” è iniziata giovedì 18 giugno e si è conclusa domenica 21. La novità di quest’ anno è stata la presenza di una giuria col compito di assegnare il premio “Opera Prima” a uno dei sette gruppi teatrali selezionati per il Festival. Una seconda sezione di messinscene fuori concorso, chiamata “Il Mito e la Favola”, ha visto la partecipazione di alcuni gruppi storici del teatro di ricerca italiano. La giuria era così composta: Franco Quadri, Fabrizio Arcuri, Gerardo Guccini, Renata Molinari, Cristina Ventrucci. Noi scriviamo, fortunatamente, col senno di poi, a Festival finito, con l’anima in pace. In queste condizioni vi diciamo che il premio “Opera Prima” la giuria non ha ritenuto di conferirlo. “L’attuale stagione non ha evidentemente offerto opere prime che presentassero quella completezza e concordanza di elementi richiesta dalle attese e dal rigore che il Premio si propone. Pertanto la giuria non ritiene di potere conferire il Premio e suggerisce di suddividere la somma prevista fra i gruppi partecipanti”. Questa è l’ultima parte del verbale redatto e letto dalla giuria, domenica alle ore 12,00 nella sala d’Onore del Municipio. Il sindaco “povero” Fabio Baratella ha introdotto, con gaie parole sul giovane teatro italiano, la ghigliottina del giudizio dei quattro (più uno) cavalieri dell’apocalisse: non si è avuta neanche la cortesia di avvisare in anticipo il “Primo Cittadino”. Cosi ogni lavoro dei sette gruppi è stato preso a pedate nel sedere dai critici giurati, tutto si è risolto nella lettura di 17 righe di verbale… nemmeno sufficienti per riempire un foglio A4. Abbiamo l’impressione che nessuno dei giurati (dobbiamo generalizzare obbligatoriamente, in quanto il giudizio era dato all’unanimita’) si sia reso conto delle differenze tecniche e poetiche dei lavori presentati. Nessun vincitore ma tutti vinti, tutti perdenti, non è così! Possiamo assicurarvi che le differenze qualitative si sono fin troppo viste. La delusione è ancora presente, ma su tutto è presente la voglia di fare giustizia, di ricevere spiegazioni da Quadri (presidente della giuria) sul risultato ottenuto. C’è da chiedersi da quali forze il verdetto è stato spinto, se le decisioni sono state strettamente collegate all’evento teatrale o se hanno ricevuto un’importante influenza esterna. Non si vuole vedere tutto con occhi maliziosi, certo è che la giuria sembra avere visto li nulla. Allora, come Allora, come avrebbe fatto la montagna con Maometto (o viceversa ), conferiamo noi il premio ”Opera Prima” (naturalmente pagherà la giuria)… anzi stiliamo la nostra classifica dell’intero Festival, dal primo all’ultimo posto rendendoci conto dell’ impossibilità di classificare la poesia: Vincitore assoluto del Festival “Opera Prima” (tataaa): FIGLI SENZA PADRE della compagnia “Il Cervo Disertore” di Venezia. Motivazione: la messinscena proposta dalla suddetta compagnia ha saputo evidenziare una drammaturgia forte ed elegante, unita alle notevoli doti tecniche di ogni singolo attore. Entrambi gli elementi sono stati coordinati nel migliore dei modi, da una accurata regia. Bravi! alla faccia di chi se ne frega. Pasolini e una canzone dei Beatles ( Help, n.d.r.) siamo stati per un’ora seduti a guardare le stelle immobili nel ciclo, mentre le parole di Pasolini veniva no rapite e torturate dai tre attori bresciani, impacciatì nei movimenti e nella recitazione… al limite del ridicolo. Un commento a parte spetta al “Mito e la Favola”, misteriosa e criptica sezione di Opera Prima. Quattro gruppi di lavoro (Accademia degli Artefatti, Teatro del Lemming, Societas Rilffaello Salizio, Fanny & Alexander) hanno dato vita (e morte) un teatro di ricerca che continua a sbattere la testa sul muro dell’ incompren-sibilità. A dire il vero due solo dei quattro hanno sfiorato il brutto ermetismo di maniera, copia intellettualoide di una poesia (quella ermetica) che si è sviluppata come conseguenza/reazione ad alcuni fatti storici (il fascismo su tutti). I due impraticabili testi, Natura morta. Variazioni per una metamorfosi degli Artefatti e La felicità di tutti di Fanny & Alexander, contribuiscono ad allontanare il pubblico da un tipo di teatro che porta in sé, si dalla sua formazione, una poca popolarità. Sembra, che i due abbiano fatto di tutto per accattivarsi le antipatie del pubblico. A dar prova di questo allontanamento (voluto?) proponiamo qui due piccoli saggi di… niente: “Si parla di partecipazione e di collaborazione alla costruzione dell’identità del personaggio, perché l’impossibilità latente di un interpretazione razionale di ciò che accade è lo spazio che fa nascere il desiderio.” parola degli Artefatti. Secondo contribute alle parole vuote: “La felicità di tutti è la storia di una lunga preparazione alla morte, anzi alla tomba, intesa come luogo di estrema e non superabile mondanità. “Cari Fanny Alexander lavostra performance è stata una lunga preparazione alla noia, avremo preferitomorire.

MATTEO ZERBINATI

da “La Tribuna di Treviso” • martedì 17 febbraio 1998

E «Figli senza padre» non lascia indifferenti

Il pubblico si è alzato lentamente, dopo aver applaudito con energia. Tutti a complimentarsi con i protagonisti. Entusiasmo, qualche faccia all’uscita è ancora pensierosa: è stato fatto centro. «Figli senza padre», opera della compagnIa «Il Cervo Disertore», diretto dalla regista Naira Gonzales; scritto da Donatella Sacco, interpretato da Massimiliano Donato, Emiliano De Poi, Luigi Marangoni, Cristina Perez Leal, Antonia H. Shackeltord, è piaciuto. Ma lo spettacolo doveva soprattutto «entrare». Le tematiche non erano facili, dovevano essere delicati, ma allo stesso tempo non perdere la loro incisività, a tratti persino la loro durezza. Così è stato. La trama muove dal funerale di un ragazzo morto per overdose, e racconta. di tre giovani che non trova, no né punti di riferimento, né maestri. Con la droga cercano di fuggire, ma su di loro pesa l’estraneità rispetto ai valori dei padri. La mancanza di radici…serve gridare per farsi sentire, e per far sentire che la perdita di un amico può far cogliere il senso della vita; e quando Max il ribelle muore, Emi il poeta scopre la sua vocazione artistica e Luigi Il Folle ha il suo grande momento di lucidità. Così i «figli senza padri» si muovono sul palcoscenico sfiorando una tematica dopo l’altra. Non era facile rappresentare e comunicare la presa di coscienza che fra padri e figli c’è un distacco generazionale che degenera in incomunicabilità. Ma il gruppo c’e riuscito.

Giovanna Donini

da “Il Piccolo di Trieste” • martedì 14 luglio 1998

Figli della droga, senza padri
Dal conflitto generazionale alla memoria delle radici ebraiche

TRIESTE. È un po’ «straniero», nel calendario volutamente stuzzicante del «TsFestival,>, l’apparizione dello spettacolo di Naira Gonzalez e Donatella Sacco intitolato «Figli senza padre» (al posto del mancato «Making Porn» di Ronnie Larsen). Naira Gonzalez che capitana il gruppo del «Cervo disertore», proviene infatti dall’esperienza forte del teatro di Eugenio Barba e del più autorevole portavoce del suo linguaggio oggi in Italia, Cèsar Brie, fondatore del Teatro de los Andes. Su questa poetica si modella dunque il lavoro della regista, argentina di nascita, ma fedele all’internazionalismo dell’attore che governa la scuola di Barba. Tratto evidente anche in questo spettacolo – che per temperatura e sonorità, ricorda l’intensità di certi spettacoli molto amati dell’Odin Teatre, e si indirizza su una via drammaturgica più volte percorsa da Barba – il legame contraddittorio tra padri e figli, ma proiettato qui su molto attuali storie di droga. Dopo la morte per overdose di un loro compagno, tre amici si ritrovano ad affrontare lo spartiacque che li porterebbe fuori dalla dipendenza e dallo stordimento. Ma non è facile il viaggio verso la superficie della coscienza, tanto più se lo complica il conflitto delle generazioni e la memoria rifiutata della radice ebraica. L’ebraismo e la sua carica di ritualità tradizionale, sono temi che nello spettacolo si intrecciano a quello dell’affrancamento dai padri e dalla loro cultura, una rete. di pensieri che Naira Gonzalez e Donatella Sacco sviluppano per situazioni e per immagini dando valore simbolico ad alcuni oggetti (una ruota d’auto rappresenta la ruota di fuoco) o utilizzandone la forza suggestiva. E’ molto bello, ad esempio, l’uso che si fa della sabbia: è terra, e quindi radice e attaccamento, ma al tempo stesso è droga, e quindi fuga, dispersione. La presenza corporea è intensa (Barba parla di uno «stato» diverso per il corpo dell’attore mentre recita) come lo è anche la selezione dei gesti, mai realistica, mai banale. Anche se poi non si sfugge alle trappole dei luoghi comuni, come quando all’invocazione dell’overdose fa seguito la voce di Jim Morrison che nella più classica delle ballate generazionali e lisergiche «This is the end, my only friend, the end…». Ma è comunque un lavoro da apprezzare questo «Figli senza padre» tanto più se si pensa che il gruppo del «Cervo disertore» è nato da poco e opera senza alcun finanziamento, sorretto dalla volontà dei suoi interpreti che vanno citati anche per la sincerità e l’immediatezza che mostrano nel darsi ai personaggi: Massimiliano Donato (Max, il ribelle), Emiliano De Poi (Emi, il poeta dell’acqua), Luigi Marangoni (il folle) e come figlia dell’ebreo la stessa Naira Gonzelez.

Roberto Canziani

da “Il Resto del Carlino” • martedì 23 giugno 1998

Opera Prima: il premio a uno, nessuno, centomila…

Servizio di Alessandra Chini

Colpo di scena. La giuria del Premio Opera Prima, formata da Franco Quadri, presidente, Fabrizio Arcuri, Gerardo Guccini, Renata Molinari e Cristina Ventrucci ha deciso di non assegnare la vittoria a nessuna delle’ sette compagnie in concorso. Secondo la giuria, infatti, nonostante quasi tutti i lavori manifestino qualche caratteristica interessante, dalla recitazione all’idea registica o altro, nessuno possiede tutte le qualità di “completezza e concordanza di elementi richiesta dalle attese e dal rigore che il Premio si propone”, come recita il verbale. Una decisione clamorosa, che scontenta un po’ tutti. In primo luogo le compagnie che, avendo accettato di partecipare, si aspettavano, a buon diritto, di essere giudicate. Una decisione di questo tipo, invece, le appiattisce tutte allo stesso livello e non è certo un incentivo a migliorare, come qualcuno della giuria cerca invece di dare a intendere. Tutto questo, tra l’altro, con il contentino finale della suddivisione del premio tra tutti i partecipanti. Suggerimento, per altro, incongruente, dato che la giuria non ha motivato la sua decisione dicendo che tutte le compagnie erano parimenti a un buon livello. ma che nessuna, in realtà, meritava il premio. E comunque, appare chiaro come il pubblico, al contrario della giuria, il premio lo abbia decisamente assegnato, anche se chiaramente può, essere fuorviante basarsi solo su questo canone, che peraltro ha una sua importanza. Fatto sta che spettacoli come’ Jago’ della compagnia CLESSIDRA TEATRO, esoprattutto ‘Figli senza padri’ della veneziana ‘Il cervo disertore’ hanno ricevuto, a ragione, una vera ovazione. Se si considera, poi, il fatto che queste sette compagnie vengono da una selezione operata dal gruppo del Lemming fra, cento trenta proposte, questa scelta penalizza anche la compagnia rodigina. Infatti, nonostante la giuria sottolinei reiteratamente nel proprio verbale, l’innegabile importanza dello sforzo di questo gruppo per “…dissodare attraverso un lavoro di scavo e messa in relazione, le ragioni e i modi della pratica teatrale nel panorama delle nuove realtà”, in fondo finisce per mettere in discussione i criteri di scelta. Non una critica al Festival in sé, comunque, ma forse al fatto che, come ‘vetrina’, può funzionare un canone di selezione’ che valorizzi, ad esempio, la varietà dei lavori presentati, ma nel momento in cui si passa da questa formula a quella di ‘gara’ forse sarebbe necessario rivedere i criteri di scelta delle compagnie.

da “La Nuova” • martedì 17 giugno 1997

Ci salveranno i sogni
Un ebreo, i lager, il muro della droga

TRE giovani si ritrovano al funerale di un amico morto per overdose. Dopo la cerimonia si mettono a loro volta a cercare la droga, l’unico che sa dove trovarla è un ebreo. Prima di indicare dove i tre ragazzi possono cercarla, l’ebreo vuole raccontare la storia dei lager, ma i tre amici non vogliono ascoltarlo. Sempre nascosto ai loro sguardi, il pozzo del1a droga, sabbioso e candido, assomiglia al lager, un lager scelto da loro. I ragazzi conoscono le figlie dell’ ebreo, che vivono segregate in casa. Durante una crisi di astinenza i tre giovani irrompono. nella casa del1’ebreo, che li costringe ad ascoltare il suo racconto senza parole, attraverso i sogni. Sogni biblici. Come miraggi svelano la violenza che i giovani hanno ereditato. Attraverso i sogni si salvano. La libertà è accettare di non avere più nessuno, di riuscire a vivere senza padri: «Per dissotterrare la memoria mi devo spogliare della terra». Così la fuga porta alla costruzione di un altro muro dove si può pensare senza essere sentiti, recitare senza essere insultati, ma anche urlare, e forse qualcuno ci sentirà. Dei tre ragazzi, uno non regge alla storia e si uccide; un altro da folle diventa lucido; l’ultimo continua a vivere, per scrivere e testimoniare la storia. L’ebreo parte, lascia le figlie; i giovani si ritrovano, quelli vivi e quelli morti, per costruire un grande ideale, che forse un giorno come il fuoco si spegnerà.
E’ la trama, dì «Figli senza padre», lo spettacolo della compagni ll Cervo Disertore di Mestre in scena in prima nazionale giovedì 19 giugno alle 21.30 al teatro di villa dei Leoni di Mira, diretto dalla regista argentina Naira Gonzalez con Donatella Sacco. In scena Emiliano De PoI, Massimiliano Donato, Dario Levin, Luigi Marangoni, Michela Mocchiutti, Cristina Perez Leal. Esempio di teatro post-be ckettiano e post-grotowskiano, oltre l’avanguardia, lo spettacolo è tutto costruito sul corpo, la voce, il movimento. «Figli senza padre» è molto bello dal punto di vista visivo e coreografico. Evocativo, intenso: una mimica di spettri nello spazio del silenzio, al1a ricerca dell’emozione che ci fa ancora vivere. (r.l.)

da “Il Gazzettino” • domenica 14 giugno 1998

Overdose di sentimenti tra poesia, ribellione e follia

«La follia sarà la strada con cui mi racconterò» dice il pazzo interpretato da Luigi Marangoni, nello spettacolo “Figli senza padri” della compagnia teatrale “Il cervo disertore” andato in scena al liceo “Marco Polo”. Una storia che irrompe nel pubblico con la stessa violenza con cui si appropriano degli spazi della palestra della scuola, trasformata dalle loro parole nell’abisso in cui si aggirano senza pace i giovani incompresi, drogati. Sognatori senza speranze, giovani dimenticati. La Poesia, la Ribellione e la Follia, sono tre ragazzi che si ritrovano al funerale di un loro amico morto per overdose. Comincia un viaggio per trovare la droga, ma anche quei sogni «che pungono l’aria come fiamme del fuoco». Si imbattono in due sorelle ebree e presto la ricerca della droga si confonde con quella stessa brama per la terra che aveva il padre delle ragazze. «La terra e il potere portano alla distruzione, ma i Profeti non servono a niente se non riescono a impedire la morte». Vita e morte si confondono, libertà e schiavitù si intrecciano, terra e droga si mescolano, sui volti espressivi di questi attori. Un testo toccante di Donatella Sacco, con frasi brevi, profonde, ricercate, per evocare immagini che si fissano come piccole stilettate nelle menti di chi ascolta. Una regia fresca quella Naira Gonzales, che impregna di simboli il suo teatro fatto da giovani e sui giovani, ma per tutti. Emiliano De PoI, Massimiliano Donato, Cristina Perez Leal e Antonia Shackelford sono gli altri attori, professionisti, che riescono a riempire con le voci prorompenti e le smorfie dei loro visi la scenografia essenziale che li accompagna. Alla fine dello spettacolo, quando si capirà che senza padri in fondo si può vivere, il poeta trovera’ la sua vocazione, il folle la lucidità, il ribella si ucciderà. «Tutte le volte che vorrai vedermi chiudi gli occhi e allora sarò sempre io».

B.S.

da “Il Resto del Carlino” • martedì 23 giugno 1998

Tra padri e figli finisce in overdose

Servizio di Alessandra Chini

Un pubblico molto numeroso e a dir poco entusiasta ha accolto il ritorno a Rovigo del bravissimo Luigi Marangoni, ex attore del Teatro del Lemming, che con la sua nuova compagnia veneziana “Il cervo disertore” ha portato in scena sabato sera al ‘Teatro Verde al Castello’, nell’ambito dell’Opera Prima, ‘Figli senza padri’. Un quadrato di polvere bianca a delimitare il ‘sacro’ spazio dell’azione teatrale e un ampio telo nero come parete posteriore. E’ questa la scarna scenografia del coinvolgente spettacolo che vede come pro1agonisti tre ragazzi, simboli rispettivamente della Ribellione (Massimiliano Donato), della Poesia (Emiliano De Poi) e della Follia (Luigi Marangoni), accanto a loro altri due personaggisimbolo: le figlie dell’ ebreo, la Memoria (Antonia H. Shackelford) e l’Infanzia (Cristina Perez Leal). E poi, ancora altri simboli evocativi a costellare il procedere dell’ azione, la ruota di fuoco, ovvero il viaggio, un percorso lontano dalle radici paterne, ben piantate nella terra. E la terra come elemento importantissimo per il padre, specie se ebreo e dunque abituato, da sempre, a errare, essendone stato privato. Infine l’acqua, come elemento catartico, salvo poi sottolineare che: “Sotto l’acqua c’è una distesa di sabbia…” che altro non è che la famigerata terra. E di catarsi si può parlare anche riguardo alla morte per overdose del ragazzo ribelle, momento in cui il poeta trova l’ispirazione e il folle ha un attimo di lucidità nell’ affermare : “Ho visto mio padre abbracciare il feretro di mio fratello”. Bravissimi i cinque attori, e interessanti alcune scelte registiche riguardanti soprattutto le composizioni corporali e i movimenti in scena. A completare la serata di sabato, poi, la compagnia ‘3ATR02’ ha presentato, ‘I mieI colori amati’ basato su alcune raccolte di poesie di Pier Paolo Pasolini. Buona l’idea, ma non altrettanto il risultato. Lo spettacolo, infatti, formato unicamente da un collage di queste liriche ha finito per risultare estremamente pesante. La serata di domenica, l’ultima della rassegna, ha visto invece, portati in scena due spettacoli della sezione ‘Il Mito e la Favola’, ovvero, ‘Buchettino’ della famosa ‘Socìetas Raffaello Sanzio’ e ‘La felicità di tutti’ di ‘Fanny e Alexander’. ‘Buchettino’ è il nome di una favola, meglio nota come ‘Pollicino’ che racconta le vicende di un piccolissimo bimbetto e dei suoi sei fratelli abbandonati, secondo un classico topos, nel mezzo del bosco a causa della spaventosa indigenza dei genitori. Ma non è tanto la favola in sé a costituire l’elemento fondamentale del lavoro della’ Socìetas’ , quanto tutto il contorno. Gli spettatori, infatti, vengono fatti accomodare all’interno di una struttura di legno con cinquanta lettini appositamente preparati per loro e un attrice (Silvia Pasello) racconta la favola. All’esterno della struttura, intanto Carmen Castellucci e Flavio Urbinati si occupano dei rumori di sottofondo che rimbombano all’interno. E,’ completamente intento nell’ ascolto, if pubblico si trova assolutamente coinvolto e avvolto nella magica atmosfera della fiaba. E di una fiaba tratta anche ‘La felicità di tutti’, una fiaba strana, dal sentore cimiteriale e ossianico.

da “Il Gazzettino” • sabato 21 giugno 1997

Incomunicabilità tra generazioni
Il testo ”Figli senza padre”

Il teatro di “Villa dei Leoni” non ha fatto in tempo a chiudere i battenti per la sospirata pausa estiva che già ha dovuto riaprirli per uno spettacolo messo in scena dal gruppo “Il cervo disertore”. Un lavoro scritto a quattro mani da Naira Gonzales e Donatella Sacco (operanti entrambe in quel di Mestre), intitolato «Figli senza padre», sul tema dell’incomunicabilità generazionale. O meglio, fra padri e figli, in una società che non sa più cosa siano i valori. L’azione inizia forse in termini gesticolati più del necessario con tre amici affranti che si trovano ai funerali di un loro compagno d’avventure morto per overdose. E la droga cattura subito le loro fantasie inducendoli a cercarne qualche dose per ingannare l’angoscia. L’unico a conoscere il luogo dove trovarla è un ebreo, che prima di metterli sulla traccia della sostanza invocata, vorrebbe evocare la storia drammatica dei lager. Nei quali è sparito il meglio della società ebraica, solita a fare le sue scelte in obbedienza alla tradizione biblica. Il dialogo fra l’ebreo e i tre visitatori conosce una sorta di pausa all’irrompere delle sue figlie, che ricordano alla lontana due fiori spuntati in una terra arida, ma poi riprende sul filo del viaggio onirico. Ed è giusto facendo leva sulla lezione impartita dalla musica alquanto sui generis del sogno che gli amici riescono a trovare salvazione. Liberandosi dal mito di avere sempre alle spalle chi li protegge dalle onde burrascose dell’esistenza, cadenzata da violenze senza scampo. Per non dire di altre esperienze traumatiche che finiscono per spalancare la porta al dilagare, della solitudine contro la quale nemmeno più le parole valgono. Soltanto dopo aver buttato giù il muro che sta loro davanti, i giovani riescono a essere, finalmente se stessi, pur avendo il preciso sospetto che dalle proprie radici non ci si libera mai totalmente. Salvo che uno non riesca a costruire una nuova realtà, rappresentata, come avverte la breve nota distribuita al pubblico, dalla «costruzione di un altro muro dove si può pensare. senza essere sentiti, recitare senza essere insultati, ma anche urlare, e forse qualcuno ci sentirà». La conclusione della “quasi parabola” a firma Gonzales-Sacco, sulla scoperta che la conoscenza non salva, è che la combriccola di amici alquanto traumatizzati si rivolge di nuovo al soccorso della droga. Il risultato della scelta è che tornano alla famosa polvere bianca che ricorda la neve, finché dopo la partenza dell’ebreo scortato dalle figlie, non troveranno la forza di «costruire un grande ideale, che forse un giorno come il fuoco si spegnerà e assisteranno nuovamente al funerale dello stesso amico morto per overdose». Una volta spiegata sia pur succintamente la vicenda, c’è da aggiungere che NairaGonzaIes ha saputo metterla in scena con grande bravura, avvalendosi di un gruppo di attori molti affiatati, che meritano un caldo elogio: Emiliano de Poi, Massimiliano Donato, Dario Levin, Luigi Marangoni/ Michela Macchiutti e Cnstina Perez Leal. Il risultato della sua operazione, viziata forse da un sospetto di estetismo e da alcune ripetizioni, è stata una metafora inquietante! che ha avuto momenti di alta qualità.

G.A. Cibotto

da “Il Gazzettino di Rovigo” • martedì 23 giugno 1998

Nè retorica nè luoghi comuni

Sogno e realtà, volontà di perdere le proprie radici e necessità di una memoria: un viaggio fatto spesso anche di scelte contraddittorie, un continuo oscillare alla ricerca di un equilibrio che forse non ci è più dato avere. “Figli senza padre”, presentato sabato sera dalla compagnia “Il cervo disertore” di Venezia, nell’ambito del Festival “Opera Prima” (nella sezione-concorso), ha affrontato il tema della comunicazione fra generazioni, evitando retorica e luoghi comuni e riuscendo a produrre un forte impatto sul pubblico presente al Teatro Verde al Castello. Due figlie (Cristina Perez Leal, Antonia H.Shàckelford) custodiscono la memoria del padre ebreo, che per tutta la vita ha cercato la terra promessa; il figlio (MasSlmiliano Donato, la ribellione) invece ha rinnegato le proprie origini, rifiutando di riconoscersi in chi da vittima (lo stato di Israele, i Padri) è diventato portatore di guerra; i due suoi amici (Luigi Marangoni, pazzia, e Emiliano De PoI, poesia), lo seguono nella disperata rincorsa di una libertà assoluta, che porta anche attraverso le strade della droga. Lo spettacolo (regia di Naira Gonzalez) ha offerto momenti davvero intensi, utilizzando una sapiente commistione di parole e immagini, un linguaggio evocativo, e figure di teatro-danza. Acrobatica, accesa, a tratti violenta, la recitazione; suggestivo il testo, denso di intuizioni penetranti. Alla fine il pubblico, molto più numeroso del solito (complice forse la presenza del rodigino Marangoni), ha salutato con un lunghissimo applauso la performance di un gruppo di attori straordinariamente affiatato e preparato, protagonista di uno degli spettacoli migliori di questo Festival.

Marcello Garbato

da “La Provincia di Cremona” • venerdì 17 luglio 1998 Storie di Generazione X
‘Figli senza padri’, droga e rabbia per tre ragazzi

POZZAGLIO – Fare teatro non tanto per fare quanto per provare e provarsi alle nuove forme della scena. La partenza scenica della rassegna estiva di Pozzaglio è coraggiosamente tutta in salita. Ha
ìl sapore del rischio e della forza di non legarsi a forme abusate dello spettacolo dal vivo. Tutto questo per dire che Figli senza padri (domani sera ore 21 al Centro sportivo) della giovane compagnia veneziana ‘II cervo disertore’ è uno spettacolo da non perdere. Le motivazioni che rendono interessante l’allestimento sono molteplici: il tentativo di leggere la realtà, la voglia di fare della giovane regista Naira Gonzales, boliviana di nascita e con alle spalle una collaborazione con Eugenio Barba, il cast multietnico della compagnia, ma soprattutto il desiderio di affrontare di petto la realtà e il disagio della società contemporanea. Figli senza padri è la storia di tre giovani che si ritrovano al funerale di un amico morto per overdose. Dopo la cerimonia si mettono a loro volta alla ricerca di droga, l’unico che sa dove trovarla è un ebreo. L’incontro con chi sa procurar loro la ‘roba’ non è immediato: l’ebreo vuole raccontare ai tre tossici la sua storia, fatta di sogni biblici. Quell’incontro affidato al corpo e ai suoni, più che alle parola, procurerà una strana e inaspettata catarsi, recupererà alla generazioni senza padri le origini di una violenza a cui sono inconsapevolmente vittime. ma al tempo stesso li renderà liberi. Quei sogni che sanno di miraggi aiuteranno a vivere i tre, li renderanno consapevoli che è possibile esistere malgrado l’assenza di maestri, di padri. Figli senza padri proporrà una tipologia di teatro che, mutuata dalla lezione antropologica di Barba, affida al corpo, al movimento ai suoni della voce le potenzialità espressive di un racconto che finisce con lo sconfinare nel rito. Per apprezzare la proposta inaugurale dell’estate In Scena di Pozzaglio bisogna dimenticarsi in parte, gli schemi classici della tradizione scenica all’italiana e farsi ‘disponibili’. Lo spettacolo di domani sera è il primo di un trittico, affidato alla Gonzales e ai suoi attori. Le tematiche affrontate sono quelle di un disagio o una rabbia sociale che trova sfogo proprio nello spazio libero e separato del teatro. Dopo Figli senza padri, i prossimi appuntamenti sono sabato 25 luglio con Il flore dell’Orgia e il l’agosto con Rituale Fasullo. (N. arr.j)

da “Il Mattino” • venerdì 20 giugno 1997

Giovani, con rabbia ma in cerca di radici
L’esordio di una compagnia internazionale

UNA NUOVA avventura teatrale che comincia merita sempre attenzione, specie in un momento in cui fare teatro senza avere alle spalle finanziamenti pubblici è quasi impossibile. Il nuovo gruppo, nato a Marghera, ma internazionale nella composizione e nella destinazione progettuale si chiama «Il cervo disertore» ed ha esordito ieri sera al teatro di Villa dei Leoni a Mira con «Figli senza padri», presentato in prima nazionale. A guidare il progetto di «Il cervo disertore» è Naira Gonzales, argentina, attrice per alcuni anni dell’Odin Teatret di Eugenio Barba, con cui ha fatto tournée anche in Italia. Ed in questo progetto di suggestioni dell’Odin ce ne sono molte, a cominciare dalla voglia di internazionalità con l’intento di superare le tradizionali barriere linguistiche per gli attori. Nella compagnia ci sono infatti un attore argentino, Dario Levin, una spagnola, Cristina Prez Leal, oltre agli italiani, Luigi Marangoni, Emiliano De Po, Massimiliano Donato, Antonia Shackelford, Donatella Sacco, Roberta Raineri, Michela Mocchiutti, Marilisa Capuano, Giulia Leonardi. Ed oltre a questo, il vivere l’ attorialità in profondità, in un coinvolgimento totale che fa paragonare a Naira Gonzales il recitare «ad una preghiera, ad una rivoluzione». Dunque un intero anno di lavoro per attori provenienti da scuole molto diverse, chi dal Piccolo di Milano, chi dal Bottegone di Gassman, chi dall’ Avogaria per impadronirsi delle tecniche di recitazione dell’Odin e per realizzare questo spettacolo «Padri senza figli» che è il vero punto di partenza per il gruppo. «E’ uno spettacolo sulla droga e sulla terra» spiega Naira Gonzales, ovvero sulla ricerca della droga, ma anche sulla necessità di ritornare alla terra, alle radici, quelle radici che nello spettacolo sono rappresentate dalla presenza quasi ossessiva degli elementi primigeni della tradizione antica: il fuoco, la terra, l’acqua, l’aria. E questa ricerca parallela è condotta da tre giovani disperati, urlanti, rabbiosi che si imbattono in una figura, quella dell’ebreo, che rappresenta tutto insieme la paternità, il passato, il ricordo, la tradizione, il potere. II lavoro teatrale nasce dunque da questo incontro-scontro: da questo, aver bisogno dei padri e insieme rinnegarli, rivoltarsi contro, ripudiarli per conquistare alla fine se stessi, liberarsi delle colpe degli adulti che ricadono sui giovani. Quello di Naira Gonzales è un raccontare sincretico, fatto di suggestioni ed energie piu’ che di linearità narrativa, tutto incentrato sulla potenzialità espressiva del corpo ed in questo senso è indubbiamente efficace. Meno convincente è invece l’uso della parola; che volendo sfuggire ad ogni dimensione del teatro naturalistico non sembra però trovare una compiuta collocazione. Ma è comunque un esordio all’insegna del rigore, della grande passione per un teatro non superficiale ne’ approssimativo, che evidenzia tra l’altro interessanti individualità, ed è quindi da seguire con interesse.

Nicolò Menniti-Ippolito

da “il Resto del Carlino” • martedì 23 giugno 1998

Opera prima e’ legittimata
L’iniziativa ambisce ora a diventare ricerca. «Figli senza padri» testo migliore
Articolo di Sergio Garbato

E’ piuttosto lungo l’elenco degli enti e delle associazioni che hanno patrocinato e sostenuto economicamente la quinta edizione del festival “Opera Prima”, intitolato a Martino Ferrari e organizzato dal rodigino Teatro del Lemming: la Regione Veneto, la Provincia e il Comune di Rovigo, la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, l’ApI, il circuito teatrale regionale Arteven e i fogli locali Viavai e la Rotonda, mentre le Ferrovie dello Stato, non abbiamo capito bene perché, figurano su11a copertina del programma della manifestazione, ma non nelle pagine interne. Si tratta, dunque, di una iniziativa che non soltanto si è consolidata in cinque anni di vita, ma che viene ulteriormente legittimata da un fitto ed eterogeneo concorso di sponsor e fautori. E’ proprio questa paradossale istituzionalità la novità della odierna rassegna: un teatro “negato” e soffocato dall’ ufficialità e dalla tradizione, che non soltanto vuole rompere il muro di silenzio che gli e stato creato intorno, ma ambisce a diventare “ricerca” garantita e protetta proprio da quella alterità borghese che lo irrideva o lo ignorava. Nella rivolta dei figli contro i padri, sempre questi ultimi vogliono sostituirsi ai primi. Era perciò lecito nutrire non modeste aspettative riguardo a questa edizione, che ha aggiornato la sua formula e ha presentato un programma particolarmente denso di appuntamenti e occasioni, che coinvolgevano alcuni luoghi deputati e istituzionali della città, dal Teatro Sociale al salone del Municipio, dai giardini alla piazza e al cortile dell’ex Vescovado, dal Monastero degli Eremitani alla Pescheria Nuova. Articolati in due sezioni, sette spettacoli concorrevano al premio opera prima e altri quattro ridefinivano “Il Mito e la Favola”, puntando specialmente sul coinvolgimento sensoriale dello spettatore. Festival come vetrina vivente di formazioni teatrali che rivendicano il nuovissimo e contestano il silenzio, ma anche come legittimazione istituzionale: un grido, insomma, per farci sentire che, sì, esistono, operano e riempiono prepotentemente una presunta “tabula rasa”, ma, al tempo stesso, sono in attesa di una ratifica che comporta il rischio dell’omologazione. Ecco, allora, una giuria autorevole, presieduta da Franco Quadri e composta da Gerardo Guccini, Renata Molinari, Cristina Ventrucci e Fabrizio Arcuri per assegnare un premio consistente in due milioni di lire e nella partecipazione all’imminente Festival internazionale di Polverigi. Nella assiduità un poco disperante e ripetitiva delle proposte ci siamo attardati su tre spettacoli, che ci sono parsi in vario modo significativi anche se non sempre risolti. “L’attenzione alla morte non è frutto di una speranza di vita, ha scritto una volta Michel Vovelle, ma di felicità, ciò che è assai più complesso, ma anche più carico di significato” e pareva questo, o qualcosa di simile, il percorso che si erano assegnati gli otto attori del Teatro Magro di Mantova con “Eternit’. Solo che, come già suggeriva la irridente ambiguita’ del titolo, il rapporto uomo-morte diventava pretesto per una ironica ricognizione nei luoghi comuni dell’immaginario quotidiano, tra brandelli di vita, figurazioni, luci inquietanti, spaesamenti, poesiole a rima baciata, per smascherare l’inautenticità dei nostri giorni. La morte finiva, però, per essere esorcizzata dalla ripetizione dei giochi verbali e da certa inconsistenza drammatica. Roberto Latini e La Clessidra Teatro di Roma hanno invece presentato una dissezione dell’Otello shalcespeariano, trapiantando nel cuore dell’ azione nientemeno che Iago, assimilato a un ragno che tesse la sua tela. Un’ operazione che ormai più di venti anni fa aveva sollecitato anche Giorgio Manganelli, che aveva ribaltato le consolidate. strutture della tragedia. Cosi’ Iago monòloga senza interruzione, evocando e ricostrue do l’azione, nello scintillio della la voce e nelle inesauste deambulazioni, nei sapienti avvolgimenti della tela che restituiscono la verità di un lucido delirio. Qui, la ricerca non è sul linguaggio, ma sul rapporto tra personaggio e interprete un travolgente e mutuo scambio di intenzioni e battute. “Figli senza padre”, proposto dal veneziano II Cervo Disertore infine, ci è parso lavoro interessante e coerente, non proprio per le tematiche un poco abusate già adombrate nel titolo e in tanto cinema e letteratura che si rifanno agli anni Settanta, quanto piuttosto per la ricerca di un linguaggio efficace e di indubbia suggestione che si riallaccia alle esperienze dell’Odin Teatret di Eugenio Barba. Ecco la recitazione eterogenea (connotata da forte realismo nei personaggi maschili e da gusto evocativo in quelli femminili), nei movimenti alternati e improvvisi che animano lo spazio scenico, nei costumi e nell’uso delle luci. Non si è trattato pero’ di epigonismo, quanto di un autentico tentativo di superare, attraverso nuove figurazioni e fortissima intensità, punti di partenza prefissati e orizzonti appena e solo individuati. Fosse stato per noi, avremmo assegnato il premio proprio a questo lavoro. La giuria autorevole, invece, con un “escamotage”, non ha assegnato il premio “Opera Prima’ evitando, appunto, di avallare quella ricerca di istituzionalita’ che resta appannaggio soltanto delle compagnia promotrice, la quale daI canto suo, proprio per questo motivo, dovra’ pur rendere noti bilanci, promozioni e linee programmatiche e operative.

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RASSEGNA STAMPA

PEDILUVIO

da “C.G.I.L. Notizie” • luglio – agosto 1998

“ll cervo disertore’ presenta “Pediluvio” e “Rituale fasullo”

di ANTONIETTA MARIOTTI

Il 21 marzo scorso, primo giorno di una, primavera dal volto ‘ freddo e imbronciato, l’AUSER di ‘ Treviso ha proposto una iniziativa provinciale in collaborazione con il Circolo “La Villa” ed il Comune di Carbonera per inaugurare l’apertura del parco di Villa Maria: due atti unici di una, compagnia di teatro di strada dal nome intrigante ed inconsueto ‘Il cervo disertore”. Si tratta di ragazze e ragazzi, tutti sotto i trent’anni, provenienti da varie città italiane e straniere, che a Marghera hanno trovato il proprio centro operativo ed hanno dato vita ad alcuni lavori di particolare interesse, malto forti per le emoziani ed i cancetti che trasmettono, avvincenti per le capacità drammatiche e vocali che tutto il gruppo ha acquisito. L’AUSER ha voluto raccogliere la loro proposta coraggiosa e la ha offerta ad un pubblico piuttosto èterogeneo e spesso digiuno nei confronti di generi teatrali così nuovi ed avanzati, pubblico che avrebbe potuto non farsi coinvolgere nel modo adeguato. Non è stato casi’. I due atti unici “Pediluvio” e “Rituale fasullo”, superato il primo disorientamento, sono stati apprezzati ed applauditi calorasamente, La comparsa sulla scena, di giovani in abito da suore e preti ,ha sortito immediatamente l’effetto di captare l’attenzione e.. di incuriosire, tanto decontestualizzati risultavano l’abbigliamentò ed il rapporto tra, questo ed temi proposti. La potenza di una gestualità straordinariamente efficace, l’espressività mimica, l’enfasi dei versi e successivamente il canto, nella prima rappresentazione, hanno creato un’atmosfera da tragedia greca, suggerendo però agli spettatori immagini di dittature, di sofferenze, di oppressioni, di situazioni di portata universale, é sollecitando nel contempo un sentimento di ribellione, sottolineato oppartunamente dalla mu sica di Bob Dylan. Ancora la musica ha costituito il filo conduttore della seconda parte, questa realizzata non piu’ nella sala interna della villa, ma all’aperto. In una scenografia di notevole suggestione, fra i maestosi alberi del parco e le acque del fiume alle spalle, i giovani, in mano grandi fiaccole accese, hanno eseguito accompagnandosi con la chitarra canzoni di diversi paesi del mondo. Le loro voci prorompenti, nonostante la varietà delle lingue, sono riuscite ad esprimere in maniera inequivocabile una voglia profonda di libertà e di uguaglianza, un rifiuto categorico della guerra e della sopraffazione, il desiderio universale di un mondo migliore, in una parola l’utopia che non ha confini, non ha età, non ha tempo. Al Cervo Disertore, dunque, il merito di aver saputo trasmettere, in una giornata di festa, un messaggio così netto e così chiaro. Perché una cosa è certa: forse non tutti ne hanno colto i passaggi, ma il senso profondo del discorso, quello si, e’ stato recepito da tutti. E non e’ poco.

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RASSEGNA STAMPA

IL FIORE DELL’ORGIA

da “La Nuova” • venerdì 12 dicembre 1997

Le voci della solitudine

Pasolini e Jarman, figure simbolo

UN’ ANIMA gridata, dove il dolore diventaluce, la ferita coscienza. Derek Jarman, grande regista inglese omosessuale morto di Aids; Pier Paolo Pasolini, poeta friulano omosessuale ammazzato a Roma: due figure simbolo della differenza. Alla solitudine di Pasolini e Jarman è dedicato il monologo «Il fiore dell’ orgia» (Orgia è un testo di Pasolini), scritto e interpretato da Massimiliano Donato e diretto da Naira Gonzalez, la regista e animatrice italo-argentina della compagnia Il Cervo Disertore di Mestre, in scena domani alle 21 al teatro di villa dei Leoni di Mira, secondo appuntamento di «Per contrasto. Frequentare il futuro». In scena i pensieri di Pasolini e Jarman s’alternano a quelli d’un giovane androgino in un’Italia di macerie. Esempio di teatro estremo, oltre l’avanguardia (Naira Gonzalez è allieva dell’Odin Teatret di Eugenio Barba, Iben N. Rassmugen, César Brié), «Il fiore dell’orgia» è una prova d’attore intensa, dove le parole e la voce sono lanciate contro il cielo, spazio e confine della solitudine. Massimiliano Donato interpreta l’atto unico da lui stesso scritto con dedizione, in un lucido delirio di gesti, voci e silenzi. Un lavoro molto impegnativo anche sul piano fisico per un gruppo di attori, Il Cervo Disertore, tra le nuove compagnie interessanti della scena veneziana. L’anno scorso Naira aveva portato, sempre a Mira «Figli senza padri». Nata nel’71 a Buenos Aires, Naira Gonzalez ha fatto teatro nelle miniere della Bolivia giovanissima, con suo padre; con Brié fonda nel ’91 in Bolivia il Teatro de Los Andes. La compagnia Il Cervo Disertore s’è formata nel ’96. (r.l.)

da “Il Mattino” • martedì 16 dicembre 1997

Pasolini rivive nel «Fiore dell’ orgia»

Articolo di Roberto Lamantea

Un cuore-ghirlanda di fiori rossi; l’attore è disteso su una branda, indossa un abito da sposa; il palco è spoglio, lo sfondo è un nero muro scrostato. La voce nasale di Pier Paolo Pasolini è quella di un’intervista del ’66, l’anno di Uccellacci e uccellini con un inedito Totò e Ninetto Davoli: «Ho un profondo odio contro lo Stato, il capitalismo piccolo-borghese». Lo scrittore-regista friulano ricorda il processo a La ricotta per vilipendio alla religione. Il ricordo, fisico attraverso la voce, al poeta ucciso sullo sterrato di Ostia la notte tra il primo e il 2 novembre 1975 richiama le inquiete metafore di Pasolini sul potere, allora non comprese, la sua voce alta contro la solitudine della diversità, non solo quella omosessuale, ma l’identità negata, la civiltà contadina dell’infanzia, valori cancellati dall’ «omologazione culturale»: saranno le invettive degli Scritti corsari e delle Lettere luterane. «Le campane suonavano come cori di serpenti sottoterra» grida Massimiliano Donato, autore e interprete del Fiore dell’orgia, lo spettacollo della compagnia Il Cervo Disertore di Mestre andato in scena in prima nazionale al teatro di villa dei Leoni di Mira per la rassegna di teatro contemporaneo «Per contrasto. Frequentare il futuro». Uno spettacolo aspro, duro, diretto dalla regista argentina Naira Gonzalez, allieva, giovanissima, dell’Odin, di Eugenio Barba e César Brié (ma nel Fiore dell’orgia ci sono richiami stilistici anche al teatro fisico di Jerzy Grotowski). Il testo è costruito su due figure simbolo, Pasolini e Derek Jarman, il visionario regista inglese morto di Aids, autore del bellissimo Edoardo II e di Wittgenstein. Lo spettacolo è tutto costruito su simbologie visive e foniche Massimiliano Donato è molto bravo a modulare la tensione della voce, la gestualità che arriva ai confini del teatro-danza. Il dolore diventa luce, la ferita coscienza. Il teatro di Naira Gonzalez è oltre l’avanguardia ma va al di là anche del teatro di idee, evita la facile trappola del teatro sociale con un estremo rigore formale. Il tema della diversità «negro, ebreo, frocio» – non diventa manifesto, ma dilaniato grido contro una società di macerie. Massimiliano Donato è un angelo nero con un’ala sola, sotto il peso di una croce di ferro arrugginito. «i poeti mi hanno insegnato a vivere la mia solitudine»: i personaggi che il monologo evoca sono incubi di violenza sessuale, un muro sociale dincomprensione e ostilita’. Esempio di teatro estremo, Il fiore dell’orgia è il lavoro più intenso della compagnia mestrina fondata nel ’96 (gli altri spettacoli in repertorio sono Figli senza padri, andato in scena a Mira la primavera scorsa, e Pediluvio, dove tre attrici-cantanti vestite da suore intonano canti rivoluzionari sudamericani). Ma è breve per i normali tempi del circuito teatrale (una cinquantina di minuti). Così l’altra sera a Mira per diluirlo le attrici della compagnia hanno aggiunto in coda alcuni canti di Pediluvio: molto belli e suggestivi, ma estranei allo spettacolo, con l’effetto di spezzarne la tensione. Il pubblico ha comunque applaudito a lungo, con calore sincero.

da “La Provincia di Cremona” • venerdì 28 luglio 1998

Il fiore dell’ orgia di Gonzales per i ‘martiri’ del XX secolo

Articolo di Nicola Arrigoni

POZZAGLIO – Ci sono spettacoli che traducono in immagini i miti di una generazione, recuperano i simboli di una cultura di ‘protesta’, come fu quella incarnata dalla militanza di Pier Paolo Pasolini, e la trasportano nelle inquietudini di una generazione accentuandone il lato umano, piuttosto che quello politico. E’ questo che è accaduto ne ll fiore dell’orgia, monologo intenso, carnale di Massimiliano Donato, diretto da Naira Gonzales, in scena sabato sera a Pozzaglio. Sullo sfondo le vicende umane di Pier Paolo Pasolini e di Derek Jarman, due maledetti, due registi ‘impegnati’ nel combattere le barriere della diversità e nell’esaltare la condanna elettiva dell’ emarginazione. Ma questi sono solo i riferimenti, le auctoritates che danno corpo ad un monologo che si affida all’invenzione visiva e all’interpretazione carnale dell’attore-acrobata. Steso su un lettino vestito da bianca sposa e poi fasciato in un abito scuro da divina, Massimiliano Donato racconta drammi e solitudini di una diversità sessuale che scorre con la regolarità di una via crucis raccontando di un viaggio destinato al sacrificio. Oltre alle citazioni pasoliniane, sembra di potervi individuare anche citazioni testoriane. A questi e al suo teatro degli ultimi, va il riferimento spontaneo dello spettatore in quell’inno alla sessualità combattuta e seguita passo passo dalla morte, con la croce che emerge come un simulacro a cui tendere e su cui ‘sputare’. Ne II fiore dell’orgia trasuda l’omaggio ai martiri del XX secolo, trasfuso di una religiosità combattuta, quasi di matrice calvinista.Il prossimo appuntamento con il teatro di Naira Gonzales è per sabato prossimo con Rituale fasullo. (n.arr.)

Quella poesia della violenza Pasolini, rilettura a tinte forti

Articolo di Nicola Arrigoni
POZZAGLIO – L’elogio della diversità e la disperazione della marginalità sociale passano attraverso l’opera e la vita di Pier Paolo Pasolini e Derek Jarman, regista di Eduardo II eCaravaggio. A questi due personaggi si rifà il monologo Il fiore dell’orgia di Massimiliano Donato, diretto da Naira Gonzales, in scena sabato sera alle 21 al centro sportivo di Pozzaglio. Dopo il felice debutto cremonese dello spettacolo Figlisenza Padri, la compagnia Il Cervo Disertore propone un intenso monologo scitto e interpretato da Massimiliano Donato. Disteso su una branda, con indosso un abito da sposa, Massimiliano Donato è un angelo nero con un’ala sola, una sorta di arcangelo deceduto negli anfratti della socialità, negli angoli di quel ghetto sessuale, umano che la poesia di Pasolini e la poetica di Jarman fanno esplodere con violenza e straziante poesia. I personaggi che il monologo evoca sono incubi di violenza sessuale, un muro sociale dell’incomprensione e d’ostilità. Ebreo, negro, frocio, i capri espiatori di una civiltà di cui rimangono solo le macerie e attorno a queste costruisce la sua ostinata e violenta leadership volta a annullare tutto ciò che esce dai suoi schemi, dalla normalità governabile. L’utilizzo di immagini forti, di una partitura vocale di grande impatto insieme alla gestione espressiva del corpo e della fisicità Il fiore dell’Orgia si preannuncia uno spettacolo choc, affidato ad un giovane attore che, autore del testo, non si sottrae dal l’esplorare i recessi più bui dell’anima e del cuore, rendendo omaggio a Pasolini e a Jarman, martiri di un’ostinazione a vivere nella libertà delle proprie scelte etiche e sessuali. La regia de Il fiore dell’Orgia è di Naira Gonzales, giovane teatrante da tenere d’occhio non solo per il suo prestigioso curriculum vitae, ma soprattutto per la capacità di costruire spettacoli di grande impatto teatrale e capace di ‘allenare’ i suoi attori secondo i dettami di Eugenio Barba.

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RASSEGNA STAMPA

RITUALE FASULLO

da “La Provincia di Cremona” • Giovedi 30 luglio 1998

Riti di fine millennio
Ultimo capitolo della trilogia di Naira Gonzalez

POZZAGLIO – Dieci attori travestiti da suore e da preti, sulla scia del celebre film Sister Act, sabato sera la compagnia del Cervo Disertore, ormai di casa al circolo Astra di Pozzaglio, daranno vita ad una vera e propria festa teatrale. Rituale fasullo è il titolo dello spettacolo di piazza che Naira Gonzales offrirà ai soci dell’Astra per una serata all’insegna di celebri canzoni di vago sapore holliwoodiano.
L’idea di scegliere come personaggi suore e preti dipende dal fatto che essi sono sia figure che forniscono spunti per lavorare nella direzione del grottesco e dell’ironia, sia figure decontestualizzate, che al loro apparire. Attesa per il dramma della Gonzales di Nicola Arrigoni in pubs, discoteche, strade fanno sorgere un dubbio, una domanda, tanto semplice guanto interessante, sulla loro veridicità. Detto questo in Rituale fasullo non c’è alcun sapore sacrilego, ma solo il desiderio dI divertire e divertirsi insieme alla gente. I dieci attori balleranno, canteranno portando i sapori e le melodie di varie parti del mondo, utilizzeranno il linguaggio del teatro per coinvolgere la gente, per far gruppo e stare insieme. Abolite le distanze fra palco e platea, la divisione fra chi recita e chi assiste, Rituale fasullo giocherà la carta della contaminazione, della festa teatrale, dello spazio comunitario del palcoscenico luogo non per pochi ma per tutti, luogo del contatto fisico, della possibilità di far parte di un unico corpo in movimento. Dopo Figli senza padri e il fiore dell’Orgia, due spettacoli a loro modo sconvolgenti ed intensi, l’ultimo appuntamento con il Cervo Disertore intende gettare un po’ di allegria, proporre un’idea di teatro che collima con la festa, intesa come spazio comunitario, luogo fatto e partecipato dall’intera comunità. Non resta dunque che partecipare e provare sulla propria pelle il gioco della scena. Rituale fasullo chiuderà a ritmo di musica il trittico della rassegna Figli senza padri. I tre appuntamenti in un luogo non usuale per il teatro come un circolo sportivo, hanno portato nella profonda provincia cremonese una compagnia di attori di tutto rispetto che ha fornito, fra le mille proposte dell’estate 1998, uno scorcio della voglia di fare di un gruppo di ragazzi che sembra avere i numeri per imporsi nel panorama nazionale.

di Nicola Arrigoni

da “Il Gazzettino” • venerdì 11 luglio 1997

Interrotto il “concerto” di falsi preti e suore

(G.R.) Ricordate il film made in Hollywood “Sister Act”? C’era una Woopi Goldberg scatenata che, travestita da suora risvegliava dal sopore francescano un convento di monache tanto pie quanto spente trasformando la confraternita in una allegra compagnia di danza e ballo. Il film ebbe un successo insperato,ne fecero anche un numero due. Da un po’ a Venezia gira un gruppo che pare faccia il verso al film. Ma ieri, malgrado la bravura, sono stati denunciati per intrattenimento abusivo.Pare indubbio, i cinque allietavano veramente i passanti, con il loro show. Devono aver pensato che il sacro abbinato al profano poteva far cassetta anche fuori dalle sale cinematografiche, ad esempio per strada. E avevano ragione. Sul selciato era di scena un giovane con capello lungo sulle spalle e saio (reminiscenze da Jesus Christ Superstar?), affiancato da dei preti e una monaca di clausura. E poi c’era la musica e danza, in pieno stile Broadway. Esecuzione perfetta e coinvolgente, tanto coinvolgente che di passanti se ne fermavano sempre molti. Alla fine il cappello in mano per raccogliere le offerte.Tutto bene fino a ieri.In Ruga Rialto tra il pubblico anche gli agenti della polizia. Ad esibirsi erano in cinque, tutti italiani piu’ un venezuelano. Si sono beccati una denuncia per intrattenimento abusivo. Peccato per loro, ma anche per il pubblico.

da “C.G.I.L. Notizie” • luglio – agosto 1998

“ll cervo disertore” presenta “Pediluvio” e “Rituale fasullo”

di ANTONIETTA MARIOTTI

Il 21 marzo scorso, primo giorno di una, primavera dal volto ‘ freddo e imbronciato, l’AUSER di ‘ Treviso ha proposto una iniziativa provinciale in collaborazione con il Circolo “La Villa” ed il Comune di Carbonera per inaugurare l’apertura del parco di Villa Maria: due atti unici di una, compagnia di teatro di strada dal nome intrigante ed inconsueto ‘Il cervo disertore”. Si tratta di ragazze e ragazzi, tutti sotto i trent’anni, provenienti da varie città italiane e straniere, che a Marghera hanno trovato il proprio centro operativo ed hanno dato vita ad alcuni lavori di particolare interesse, malto forti per le emoziani ed i cancetti che trasmettono, avvincenti per le capacità drammatiche e vocali che tutto il gruppo ha acquisito. L’AUSER ha voluto raccogliere la loro proposta coraggiosa e la ha offerta ad un pubblico piuttosto èterogeneo e spesso digiuno nei confronti di generi teatrali così nuovi ed avanzati, pubblico che avrebbe potuto non farsi coinvolgere nel modo adeguato. Non è stato casi’. I due atti unici “Pediluvio” e “Rituale fasullo”, superato il primo disorientamento, sono stati apprezzati ed applauditi calorasamente, La comparsa sulla scena, di giovani in abito da suore e preti ,ha sortito immediatamente l’effetto di captare l’attenzione e.. di incuriosire, tanto decontestualizzati risultavano l’abbigliamentò ed il rapporto tra, questo ed temi proposti. La potenza di una gestualità straordinariamente efficace, l’espressività mimica, l’enfasi dei versi e successivamente il canto, nella prima rappresentazione, hanno creato un’atmosfera da tragedia greca, suggerendo però agli spettatori immagini di dittature, di sofferenze, di oppressioni, di situazioni di portata universale, é sollecitando nel contempo un sentimento di ribellione, sottolineato oppartunamente dalla mu sica di Bob Dylan. Ancora la musica ha costituito il filo conduttore della seconda parte, questa realizzata non piu’ nella sala interna della villa, ma all’aperto. In una scenografia di notevole suggestione, fra i maestosi alberi del parco e le acque del fiume alle spalle, i giovani, in mano grandi fiaccole accese, hanno eseguito accompagnandosi con la chitarra canzoni di diversi paesi del mondo. Le loro voci prorompenti, nonostante la varietà delle lingue, sono riuscite ad esprimere in maniera inequivocabile una voglia profonda di libertà e di uguaglianza, un rifiuto categorico della guerra e della sopraffazione, il desiderio universale di un mondo migliore, in una parola l’utopia che non ha confini, non ha età, non ha tempo. Al Cervo Disertore, dunque, il merito di aver saputo trasmettere, in una giornata di festa, un messaggio così netto e così chiaro. Perché una cosa è certa: forse non tutti ne hanno colto i passaggi, ma il senso profondo del discorso, quello si, e’ stato recepito da tutti. E non e’ poco.

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LULLABY

da “Il Nuovo Giornale di Bergamo” • Martedì 30 Novembre 1999

“Lullaby” debutta e convince Urgnano

Uno dei due monologhi della regista Naira Gonzales presentato in prima nazionale (…) diretto dalla Gonzales, con l’interpretazione di Roberta Raineri: “Lullaby” è una poesia, ma al tempo stesso un canto di rabbia: la storia di Jeremy Cronin e di Phoola Devi, una storia fatta di ingiustizie, di ribellioni, di prigionie. Una storia che riesce a penetrare le persone, anche perché la Raineri fa un uso delicato, impersonale della voce, che quindi diventa la voce di tutto il pubblico presente, non dell’ attore, da solo sulla scena. Lullaby viene raccontato in una specie di circo improvvisato, fatto di palloncini che cercano di volare verso l’alto, ma sono lì, trattenuti a terra, viene raccolta, e più volte, l’attenzione del pubblico, attraverso semplici passaggi, qualche volta anche adeguatamente paradossali. Ecco così che dalla rabbia si passa alla dolcezza e viceversa, per entrare, finalmente a pieno, nell’insieme dello spettacolo.

Damiano Grasselli.

da “L’Eco di Bergamo” • Lunedì 29 Novembre 1999

URGNANO: RIBELLIONI DA TERZO TEATRO

Con Nayra Gonzales nelle vesti di regista, in due monologhi, e di docente (. ..) Lullaby ha invece una costruzione testuale più articolata: parte dalle poesie composte da Jeremy Cronin nei sette anni trascorsi in un carcere del Sudafrica, per poi incrociare nella memoria allucinata e offesa del prigioniero, la storia di Phoola Devi, la ribelle fuori-casta indiana accusata di aver ucciso 22 uomini in una rappresaglia. Il rischio qui è della saturazione anche se la concitazione della recitazione rende bene un contesto ed è adatta a un registro più visionario. Al di là di tutti i rilievi che si possono muovere, c’è un dato da tenere presente e che è, purtroppo, raro tra i giovani gruppi: il livello tecnico degli attori è alto, il progetto artistico chiaro, la volontà di creare un gruppo tenace.

Pier Giorgio Nosari

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CANI DA CACCIA

da “Venezia tutto città” • venerdì 29 maggio 1998

Il teatro entra in carcere, un modo per evadere

Servizio di Barbara Schiavulli

Vernice spruzzata sulle vele, farina sparsa sul lago, macedonia offerta agli spettatori, canti, versi poetici e sorrisi in un ritmo sempre più incalzante e coinvolgente: “Siamo creature trafitte da un mondo dimenticato”, recita uno dei protagonisti della rappresentazione teatrale “Cani da Caccia”. Una scenografia insolita se ci si guarda intorno: i muri alti del chiostro e le finestre sbarrate da pesanti griglie di ferro giallo. Anche i protagonisti dello spettacolo sono attori d’eccezioni. Alcuni professionisti, altri, il risultato di un laboratorio sperimentale condotto dalla compagnia teatrale “Il Cervo Disertore”, che per tre mesi ha coinvolto l’Istituto penitenziario maschile di Venezia. Bravi, questi ragazzi che si sono impegnati, e hanno dato vita ad uno spettacolo che va oltre le mura della prigione, come i personaggi del testo affrontano le acque di un lago su una canoa con le vele. “Uscirono incontro alla notte, l’immensa, dolce, spaventosa notte, tutte le successive notti della terra non facevano che replicare questa notte”. Il laboratorio teatrale è parte di un programma di attività di formazione di tipo socioculturale per i detenuti, un progetto coordinato dal Servizio Interventi area Penitenziaria dell’Assessorato alle politiche Sociali di Venezia. “Dovrebbero fare spettacoli una volta al mese”, ha suggerito una guardia che ha assistito sorridente alla recita. Un modo, insomma, per rendere finalmente il carcere un posto dove si possa recuperare, maturare e crescere. Un modo per prendere conoscenza di altre realtà, possibilità, sapere che esistono alternative e per avere la forza di cercarle. E il teatro è il mezzo più bello attraverso il quale evadere, non essere più se stessi, dimenticare per andare avanti, forse per trovare una strada diversa. “A questo punto, chiedo al grande padre che illumini la mia strada, se mai esisterà un grande padre, che qualcuno indichi la mia strada” .

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TUTTE LE EDIZIONI

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” VII edizione 2014

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” VIo edizione 2013

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” Voo edizione 2012

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” IVo edizione 2011

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” III edizione 2010

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” IIo edizione 2009

“DI UMANITÀ, SI TRATTA” Ioo edizione 2008

EDIZIONI DAL 2004

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Dal 20 al 29 giugno 2014

CRAVE da Sarah Kane

Laboratorio residenziale e intensivo per attori professionisti a cura di

PIERPAOLO SEPE

Un incontro ravvicinato di dieci giorni con un regista che ha fatto della sperimentazione il suo tratto distintivo.

Per partecipare è necessario inviare, entro il 19 maggio, curriculum aggiornato e n° 2 foto a: info@centroteatraleumbro.it

CRAVE è la tappa finale di uno studio che Pierpaolo Sepe conduce da alcuni anni sulla drammaturgia dell’autrice britannica Sarah Kane e su quest’opera in particolare.

“Sarah Kane ha ingerito una dose eccessiva di pillole. In ospedale, le hanno praticato una lavanda gastrica. È tornata a casa, ma poco dopo è stata riportata in ospedale. È lì che ha preso i lacci delle sue scarpe e si è impiccata al lavandino. Di drammi ne aveva scritti quattro o cinque, più o meno in altrettanti anni. Esistono due generi di drammaturghi. Il primo si diverte con la realtà utilizzando qualche giochetto teatrale. Alcuni lo fanno senza curarsi di niente e di nessuno, altri lo fanno bene e i loro drammi, nonostante tutto, sono di un certo interesse. Il secondo genere di drammaturghi cambia la realtà. Il secondo genere di teatro affronta l’assoluto all’interno dell’esperienza umana, mettendoci nella condizione di capire la natura degli esseri umani e in che modo questi danno origine all’umanità. Il teatro moderno del secondo genere affronta l’inesorabile. È l’assoluto, e non può essere identificato né in Dio né tantomeno in uno spirito New Age. Non è nulla di trascendentale. Non significa nulla. La sua logica è assoluta. Affrontandola, ci ritroviamo completamente definiti. Neghiamo oppure confermiamo il nostro significato. Veniamo, allora, corrotti dal nichilismo e dalle sue banalità, oppure diamo origine al nostro essere umani. Il fine del teatro è quello di affrontare l’Assoluto. È in grado il nostro teatro di compiere questo passo o la sua natura è ormai corrotta? Sarah Kane apparteneva al secondo genere. Il confronto con l’inesorabile dava origine ai suoi drammi.”

Sarah Kane e il teatro, Edward Bond, 1999
(da Love me or kill me, Graham Saunders)

Pierpaolo Sepe inizia la sua attività di regista teatrale nel 1991, e da allora ha firmato oltre cinquanta regie. Nel 1997 inizia una collaborazione artistica con il centro di produzione teatrale Nuovo Teatro Nuovo di Napoli, in atto ancora oggi. Nel 2005 vince il Premio Flaiano come miglior regista teatrale; nel 2012 l’Associazione Nazionali dei Critici di Teatro gli assegna il Premio della Critica 2012 per la regia de “Le Cinque Rose di Jennifer”; vincitore, sempre nel 2012, del MArteAwards, premio italiano all’innovazione artistica, per la regia di Anna Cappelli con Maria Paiato. Nella stagione 2013/2014 i teatri italiani ospitano le sue ultime due regie: SIK SIK di Eduardo de Filippo, con Benedetto Casillo – presentato al Festival Benevento Città Spettacolo – e MEDEA di Seneca, con Maria Paiato, che apre in prima assoluta la stagione del Piccolo Teatro di Milano il 17 ottobre 2013 e in scena al Teatro Eliseo di Roma dal 1 aprile 2014. Amante ed esploratore della drammaturgia contemporanea, propone un teatro con evidenti finalità politiche e sociali, alla continua ricerca di nuovi linguaggi espressivi. Convinto sostenitore della centralità dell’attore, auspica un teatro figlio di una reale collaborazione tra i ruoli.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
info@centroteatraleumbro.it

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Dal 3 al 12 luglio
PENSARE LA SCENA
Dire di sé per dire degli altri. Riconoscere, rivedere, l’io e il noi.

Laboratorio residenziale e intensivo diretto da

CESAR BRIE

Per partecipare è necessario inviare CV e 2 foto entro il 31 maggio a:

info@centroteatraleumbro.it

Nel seminario si affronteranno, in diverse fasi, tutti i temi principali alla base della poetica di César Brie, con l’obiettivo di applicare un metodo che si propone di formare un attore-poeta nel senso etimologico del termine: colui che crea e fa.

Pensare la scena.
Cerco di far riflettere attraverso esercizi, sugli elementi che formano la scena e la presenza di uomini, oggetti e tempo sulla stessa. Insegno a improvvisare, cioè, a stare in scena in modo sereno, calmo. A osservare e dialogare con gli altri. A raccontare, trovare le proprie parole per dire quello che si vuole dire. A dialogare con l’altro.

Il laboratorio sarà articolato in diverse fasi:
· lavoro fisico (l’impulso e la forma, percezione, azione e composizione)
· l’improvvisazione (lo spazio e le relazioni)
· il coro (l’intimo e il plurale)
· l’immagine (la creazione di metafore e immagini sceniche)
· il montaggio (rapporto immagine e testo)

César Brie nasce a Buenos Aires, Argentina. Arriva in Italia a 18 anni con la Comuna Baires, gruppo teatrale di cui è cofondatore, recitando in più produzioni, dirette da Renzo Casali e Liliana Duca. Con questo gruppo ha cominciato a sviluppare un’arte apolide, a stretto contatto con le molte realtà incontrate in una vita passata per scelta in esilio. Dopo il 1975 crea a Milano il Collettivo teatrale Tupac Amaru, tra gli spettacoli prodotti A Rincorrere il Sole, Ehi, in collaborazione con Danio Manfredini e E tentavano infine di scappare. Dal 1981 al 1990 lavora insieme a Iben Nagel Rasmussen nel Gruppo Farfa e poi nel Odin Teatret nelle vesti di autore, regista e attore. Tre, tra i titoli di questi anni: Matrimonio con Dio e Talabot con la regia di Eugenio Barba e Il Paese di nod, regia e drammaturgia di César Brie. Poi da solo Il Mare in Tasca, Torneranno i miei figlie e con Naira Gonzalez Romeo e Giulietta. A seguito di queste esperienze nel 1991, fonda in Bolivia il Teatro de Los Andes col quale crea spettacoli che partono dalla storia o dai classici, ma calati profondamente nell’attualità: una serie di lavori esemplari destinati a girare il mondo (Ubu in Bolivia, Solo gli ingenui muoiono d’amore, I Sandali del Tempo, Dentro un sole giallo, Fagile, Otra vez Marcelo… l’Iliade, L Odisea). Su L’Iliade hanno scritto “Ci sono spettacoli – pochi, imprevedibili – che incantano e s’imprimono nella memoria come un’esperienza irripetibile. Gli spettatori se li raccontano a distanza di anni alimentandone il mito. L’Iliade del Teatro de Los Andes è uno di questi (….). Presentato in mezzo mondo, ha ovunque trascinato pubblico e critica in un consenso unanime, facendo gridare al capolavoro. Quasi duecento repliche in due anni. Tutti i temi del teatro di Brie sembrano fondersi qui in una profonda riflessione sulla violenza e sul tempo, nel tentativo di rivedere la tragedia antica alla luce della propria storia”. (Fernando Marchiori).
César Brie partecipa anche ad altre produzioni, come autore o regista: Il cielo degli altri, realizzato in Italia con gli attori del Teatro Setaccio; Zio Vanja di Anton Cechov, di cui cura la regia insieme a Isadora Angelini; Todos los ausentes, realizzato a Santiago del Cile con l’attore Hector Noguera del Teatro Camino; scrive I clienti, con la regia di Giancarlo Gentilucci per Arti e Spettacolo.
Dal 2010 in Italia crea Albero senza Ombra e 120 chili di jazz, Karamazov, Indolore, Il Vecchio Principe, La Mite, Viva l’Italia testo di R. Scarpetti di cui cura la regia.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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Dal 16 al 20 luglio
Epifania I – Manifestazione della divinità.

Laboratorio residenziale e intensivo diretto da

CESARE RONCONI / Teatro Valdoca

Il laboratorio costituirà un momento di incontro per la costituzione di un gruppo di lavoro in vista di un nuovo progetto di Teatro Valdoca.

Rivolto ad attori e danzatori.

direzione Cesare Ronconi
parole Mariangela Gualtieri
movimento Lucia Palladino

Contemporaneo è colui che tiene fisso lo sguardo nel suo tempo per percepirne non le luci, ma il buio.

(G. Agamben)

Programma:
1. Esercitarsi a non scivolare in se stessi
2. Esercitare il corpo all’abbraccio e all’ascolto
3. Perfezionare la fluidità delle sequenze fisiche di movimento
4. Percepire il suono nello spazio in cui si agisce
5. Sentire l’assenza
6. Ascoltare ciò che vive tra le cose e le persone

Modalità d’iscrizione
Gli interessati dovranno inviare via email:
• due foto, una in primo piano e una a figura intera in formato jpg o tif dal peso complessivo massimo di 800 KB
• un CV sintetico (in formato word) in cui siano indicate le esperienze artistiche e teatrali
• una breve lettera motivazionale indirizzata a Cesare Ronconi

La mail dovrà pervenire all’indirizzo info@centroteatraleumbro.it entro e non oltre il 13 giugno. In base ai CV ricevuti Cesare Ronconi selezionerà i 16 partecipanti. Saranno privilegiati i candidati che stanno iniziando il proprio percorso e sono desiderosi di una forte esperienza formativa. L’esito della selezione sarà comunicato ai candidati entro il 18 giugno 2014.

Cesare Ronconi / Teatro Valdoca
Nasce nel 1983 a Cesena dal sodalizio fra il regista Cesare Ronconi e la drammaturga e poeta Mariangela Gualtieri e da allora persegue con rigore e raffinatezza una ricerca a ridosso della parola poetica e del lavoro d’attore, creando grandi produzioni corali, o concentrandosi sul lavoro di pochi interpreti, in una scrittura scenica che fonde danza, arti visive e musica dal vivo. La scrittura registica di Cesare Ronconi ha due elementi fondanti: l’attore, inteso come corpo glorioso e fonte prima di ispirazione, e il verso poetico affidato a Mariangela Gualtieri. Il ruolo centrale dell’attore porta in primo piano il magistero pedagogico di Ronconi, che per ogni spettacolo forma gli interpreti, portando così a maturità professionale molti giovani esordienti.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533

www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 26 luglio al 15 agosto

IIIª Edizione
Laboratorio internazionale e permanente di alta formazione

IL CLOWN-ATTORE _ ALLA SCOPERTA DELLA FORZA DELLA CREATIVITÀ

Laboratorio intensivo e residenziale diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY _ dal Cirque du Soleil

In questi 21 giorni di laboratorio intensivo e residenziale, a numero chiuso, gli allievi apprenderanno e svilupperanno i principi e i metodi delle tecniche del clown-attore, formeranno il carattere del proprio clown e creeranno un repertorio individuale.

Per partecipare è necessario inviare la propria candidatura entro il 31 marzo 2014 allegando il curriculum vitae e due foto. Successivamente è previsto un colloquio con Vladimir Olshansky.

L’arte della clownerie si basa su un elemento fondamentale: il clown-attore.
Figura eccentrica, spesso grottesca, il clown spazia dalla pantomima al teatro di parola, fondendo tecniche e stili diversi. Il nostro laboratorio ha lo scopo di far avvicinare gli attori a questa affascinante disciplina, di far scoprire e comprendere, attraverso una metodologia originale e di alto spessore tecnico le proprie risorse e il proprio talento comico. Si articolerà in tre settimane e terminerà con la presentazione dei lavori migliori emersi durante il percorso sotto forma di classe aperta, uno spettacolo-clown.
Spesso mi chiedono : a cosa serva l’arte del clown e come è possibile approfondirla?
La clownerie ci permette di stimolare la nostra creatività, di “trovare” inusuali soluzioni drammaturgiche, di ampliare il nostro repertorio e di arricchirlo di nuove idee e materiali originali.

Una master class intensiva e prolungata nel tempo è un’occasione unica per poter assaporare e comprendere profondamente quest’arte antica, sorprendente e dinamica.

“Alla fine degli anni Settanta, quando vinsi un premio a Mosca per le Arti dello Spettacolo, il mio sogno era quello di fondare un Teatro di Clown. Mi sono laureato alla Scuola del Circo di Mosca. Le mie idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov. Mentre studiavo arti circensi ho avuto modo di incontrare lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, dal cui talento sono stato completamente sedotto. E’ stato il primo clown a combinare insieme l’Arte del Circo e il teatro. Me ne tornai, allora, a Pietroburgo con l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista. Insieme a un clown ora conosciutissimo e molto dotato, Slava Polunin, fondammo il Gruppo Clown “Lizidei”. Nel frattempo io misi in piedi il mio primo “one man show”, uno spettacolo con me unico attore clown, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson. Nel 1997 sono stato invitato da Slava a recitare la parte del principale “clown giallo” nel suo “Snow show” al teatro Old Vic di Londra. I nostri rapporti non si sono mai interrotti. Alla fine degli anni 1990 con mio fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, abbiamo fondato “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit per attività artistiche e sociali. Abbiamo fatto esperienza come “hospital-clown” e lanciato questa nuova professione in Italia. Ho cominciato a lavorare al Cirque du Soleil come “guest -actor” in “Allegria” nel 2000. Ho lavorato con loro nelle tournées in Australia e Nuova Zelanda. Dopo una pausa la collaborazione è ripresa nel 2004 a New York, Philadelphia e Toronto. Il lavoro insieme al Cirque du Soleil mi ha indotto a inventarmi un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”, in cui ho potuto in parte mettere in pratica alcune mie idee sulla clownérie. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.”

Vladimir Olshansky

STRUTTURA DEL LABORATORIO

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’essere comico.
Slapstic, Buffonata, Excentrica, ecc…
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego.
I Tre centri del corpo umano.
Le Cinque fasi del lavoro.
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo.
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale.
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni.
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: lavoro sull’impulso.
I principi del lavoro con un oggetto.
Lavoro solo.
“Offerta”(comunicazione con il partner).

Vladimir Olshansky
Ha ricevuto vari riconoscimenti per la sua attività tra i quali il Raul Wallemberg Humanitarian Award, New York ,USA; il Michelangelo Award, Firenze, Italia; l’Award come miglior show ed artista dall’Entratainment Festival di Mosca, Russia.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
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Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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Dal 20 al 24 agosto

BIOMECCANICA DELLA COMMEDIA DELL’ARTE:

LA MIRTILLA

Stage residenziale e intensivo condotto da

MICHELE MONETTA

Esiste una tecnica della Commedia dell’Arte? Cosa è rimasto di una trasmissione di saperi a partire dalla famiglia degli Andreini, sino a Scaramouche, per arrivare poi a Biancolelli, Molière, Marivaux, Sacchi, Deburau, Petito, Scarpetta, Petrolini, de Curtis, Govi, Baseggio, Viviani, i Maggio, i De Filippo, Strehler, De Simone, Mnouchkine e, a sorpresa, persino Kantor? Chi oggi dice di insegnare la Commedia dell’Arte ha veramente un bel coraggio ad affermarlo. C’è di sicuro una tradizione “tradita”! E’ questo tradimento che la rende ancora vitale (e non come sta da tempo accadendo in Italia e che ha un sapore turistico-folcloristico), ma occorre individuarne gli strumenti certi, o comunque non aleatori. Quali? Il corpo, l’iconografia teatrale, le partiture musicali, la Danza Rinascimentale e Barocca, i trattati di recitazione tra ‘600 e ‘700, i canovacci e, soprattutto, le commedie distese. Quest’anno si andrà a lavorare su La Mirtilla di Isabella Andreini, edita per la prima volta nel 1588 e prima favola pastorale composta da una donna, che senza alcun dubbio è stata la più nota attrice di teatro dell’epoca e primadonna della compagnia dei comici dell’Arte “I Gelosi”.

Il lavoro del mattino si baserà su training, tecnica, maschera e improvvisazione relativi alla Commedia dell’Arte; il pomeriggio sarà tutto dedicato al gioco, allo studio e all’interpretazione di alcune scene tratte dall’opera LA MIRTILLA.

Programma:

Esercizi di biomeccanica
Corpo e maschera
Passi, marce e andature
Combattimento con bastoni
Corpo grottesco e focus della maschera
I 12 ruoli e le 4 maschere
Iconografia teatrale e les attitudes
Corpo-Maschera e fissità (o fissazione)
Raccolta Fossard (comici, musici, acrobati e cantatrici);

I Balli di Sfessania (danzatori pantomimi) e il Tuba catubba dello Sgruttendio
Le maschere e la Luna
Partitura del movimento
Improvvisazione
Elementi di letteratura, regia e storiografia:

Sgruttendio di Scafati, Hoffmann, Mejerchol’d, Duchartre…

Il corso è rivolto ad attori, mimi, danzatori, registi, pedagogisti, drammaturghi, studenti di università ed accademie.

Ogni partecipante dovrà munirsi di: abbigliamento comodo e neutro per il movimento, bastone in legno o manico di scopa, scarpetta da ritmica o danza jazz.

Michele Monetta Regista, Attore e Insegnante di Mimo Corporeo tecnica Decroux, Maschera e Commedia dell’Arte, Specializzato in Pedagogia Teatrale. Allievo del M° Etienne Decroux. Docente di Maschera e Mimo Corporeo all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico e all’Ecole Atelier Rudra di Maurice Béjart.

ICRA Project raccoglie, coordina e sviluppa attività nel campo del teatro, della musica, della pedagogia nell’arte drammatica e dei linguaggi multimediali. Fonda nel 1985 e dirige tutt’ora la scuola biennale di Mimo Corporeo a Napoli e l’Atelier di Commedia dell’Arte a Roma.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 27 al 31 Agosto

IL CLOWN_ATTORE

stage diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY, guest star artist del CIRQUE du SOLEIL

Durante lo stage gli allievi apprenderanno i principi e i metodi delle tecniche di un clown-attore, formeranno il carattere del proprio clown e creeranno un repertorio individuale.

STRUTTURA DELLO STAGE

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini. e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’ essere comico.
Slapstic,Buffonata, Excentrica ecc
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego
I Tre centri del corpo umano
Le Cinque fasi del lavoro
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: Lavoro sul Impulso
I principi del lavoro con un oggetto
Lavoro solo
“Offerta”(comunicazione con il partner)

Vladimir Olshansky
Laureato alla Scuola del Circo di Mosca, le sue idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov. Dall’incontro con lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, si sviluppa l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista. Insieme a Slava Polunin fonda il Gruppo Clown “Lizidei” e allestisce il suo primo “one man show”, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson. Nel 1997 sotto la regia di Slava Polunin interpreta la parte principale del “clown giallo” nel “Snow Show” tenuto al teatro Old Vic di Londra. Alla fine degli anni 1990 con suo fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, fonda “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit di “hospital-clown”che lavora con i bambini e le loro famiglie e di cui oggi è direttore artistico. Nel 2000 inizia la sua collaborazione al Cirque du Soleil nello spettacolo “Allegria” (con tournées in Australia, Nuova Zelanda, Stati Uniti e Canada). La collaborazione con il Cirque du Soleil lo ha portato ad ideare ed interpretare un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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5 | 6 | 7 settembre

CORPO ENERGETICO | MIMO CORPOREO

Stage residenziale e intensivo diretto da

YVES LEBRETON

“Non si tratta di acquisire ma di scoprire, di risvegliare la realtà espressiva dell’uomo nella sua ambivalenza fisica e mentale, carnale ed emozionale, di unire il movimento corporeo e vocale alla necessità interiore che lo anima, di bruciare il proprio sapere per accedere alla trasparenza dell’atto. La maggiore difficoltà sarà sempre la semplicità.”

Yves Lebreton

MIMO CORPOREO
Etienne Decroux è il creatore del ” Mimo Corporeo “. Sotto l’influsso dei grandi riformatori del teatro contemporaneo E.G. Craig, A. Appia e J. Copeau, Etienne Decroux ha operato per la creazione di un nuovo linguaggio teatrale centrato sull’arte dell’attore e la supremazia del corpo. La sua tecnica pone il corpo sotto il controllo della concentrazione mentale affinché il movimento fisico sia l’esatta formalizzazione della volontà attiva dell’attore. Programma: la ” statuaria mobile ” o l’analisi tridimensionale della possibilità articolatoria del corpo nello spazio/tempo. – il ” dinamo-ritmo o lo studio delle cariche dinamiche e ritmiche del movimento.

CORPO ENERGETICO
La tecnica del “Corpo energetico “, creata da Yves Lebreton, sviluppa la vitalità delle quattro energie fondamentali dell’essere in seno al processo espressivo dell’attore.

Programma:

energia minerale: la terra/la presenza

energia vegetale: l’acqua/la pre-azione

energia animale: il fuoco/l’azione

energia mentale: l’aria/la coscienza

Yves Lebreton

Dal 1969, Yves Lebreton si dedica alla creazione di un teatro corporeo centrato sulla presenza fisica dell’attore. In totale rottura con la tradizione del teatro letterario, rivendica un teatro d’azione, di movimento e d’immagine dove l’attore è allo stesso tempo l’autore e l’interprete. Dopo la sua formazione presso la scuola di Mimo Corporeo di Etienne Decroux tra il 1964 e il 1969, Yves Lebreton ha sempre mentenuto un’attività didattica con la direzione di laboratori teatrali durante le sue tournées internazionali. Ha insegnato in particolare nelle Accademie d’Arte Drammatiche Nazionale di Copenhagen, d’Helsinki, di Reykjavik, di Strasbourgo, di Ginevra, per il Dramatisches Zentrum di Vienna, il Max Reinhardt Seminar di Berlino, la Bottega Teatrale di Vittorio Gassman e nel quadro di diverse manifestazioni sullla danza contemporanea: Rencontres de Danse Contemporaine di Paris, Sommer Tanzwerkstatt di Bonn, Rencontres Internationales de Danse di Berne, l’Été de la Danse di Montpellier.

“Nessun testo, nessuna regia, nessuna scenografia può sostituire la presenza fisica dell’attore senza di conseguenza annientare i fondamenti dell’arte teatrale. Il teatro non è un’appendice della letteratura, ne un collage o una sintesi delle arti nella prospettiva di una opera totale ma l’istante unico di un incontro tra un pubblico venuto a vedere e attori che si offrono alla vista. Offrire alla vista non la rappresentazione, il ri-presentato, ma il vivente, il pensiero attraverso il pensare. Offrire alla vista ciò che non si può ascoltare: la presenza interiore che vitalizza l’agire come il parlare nel crogiolo del corpo. Il vissuto del corpo crea la verità della parola. Il corpo è l’essenza del teatro”.

Yves Lebreton

Info e Iscrizioni:

CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it • info@centroteatraleumbro.it

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Dal 10 al 14 settembre
Epifania II – Manifestazione della divinità.

Laboratorio residenziale e intensivo diretto da

CESARE RONCONI / Teatro Valdoca

Il laboratorio costituirà un momento di incontro per la costituzione di un gruppo di lavoro in vista di un nuovo progetto di Teatro Valdoca.

Rivolto ad attori e danzatori.

direzione Cesare Ronconi
parole Mariangela Gualtieri
movimento Lucia Palladino

Contemporaneo è colui che tiene fisso lo sguardo nel suo tempo per percepirne non le luci, ma il buio.

(G. Agamben)

Programma:
1. Esercitarsi a non scivolare in se stessi
2. Esercitare il corpo all’abbraccio e all’ascolto
3. Perfezionare la fluidità delle sequenze fisiche di movimento
4. Percepire il suono nello spazio in cui si agisce
5. Sentire l’assenza
6. Ascoltare ciò che vive tra le cose e le persone

Modalità d’iscrizione
Gli interessati dovranno inviare via email:
• due foto, una in primo piano e una a figura intera in formato jpg o tif dal peso complessivo massimo di 800 KB
• un CV sintetico (in formato word) in cui siano indicate le esperienze artistiche e teatrali
• una breve lettera motivazionale indirizzata a Cesare Ronconi

La mail dovrà pervenire all’indirizzo info@centroteatraleumbro.it entro e non oltre il 4 agosto. In base ai CV ricevuti Cesare Ronconi selezionerà i 16 partecipanti. Saranno privilegiati i candidati che stanno iniziando il proprio percorso e sono desiderosi di una forte esperienza formativa. L’esito della selezione sarà comunicato ai candidati entro il 11 agosto 2014.

Cesare Ronconi / Teatro Valdoca
Nasce nel 1983 a Cesena dal sodalizio fra il regista Cesare Ronconi e la drammaturga e poeta Mariangela Gualtieri e da allora persegue con rigore e raffinatezza una ricerca a ridosso della parola poetica e del lavoro d’attore, creando grandi produzioni corali, o concentrandosi sul lavoro di pochi interpreti, in una scrittura scenica che fonde danza, arti visive e musica dal vivo. La scrittura registica di Cesare Ronconi ha due elementi fondanti: l’attore, inteso come corpo glorioso e fonte prima di ispirazione, e il verso poetico affidato a Mariangela Gualtieri. Il ruolo centrale dell’attore porta in primo piano il magistero pedagogico di Ronconi, che per ogni spettacolo forma gli interpreti, portando così a maturità professionale molti giovani esordienti.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533

www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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19 | 20 | 21 settembre

IL MOVIMENTO DELLA VOCE IN UNA FORESTA DI IMMAGINI INVISIBILI

Stage residenziale e intensivo condotto da

CHIARA GUIDI _ Socìetas Raffaello Sanzio

“Da alcuni anni sto mettendo a punto una tecnica detta Tecnica molecolare della voce, che indaga sulla relazione tra il suono della voce e quello delle parole che vengono pronunciate. L’attore è chiamato a fabbricare le parole e a metterle in risonanza con quanto lo circonda, affinché lo stesso spazio circostante possa rispondere alla sua voce, e cantare. Perché questo avvenga la tecnica molecolare traccia sulle parole una partitura fatta di segni che rimandano a immagini vive che solo l’attore vede e sulle quali le parole si mettono in cammino. Queste immagini invisibili diventano le note di un pentagramma che la voce legge per chi desidera ascoltare. Il laboratorio attraverso esercizi, ascolti guidati e immagini cercherà di provare l’orientamento della tecnica che sto raffinando.”

Chiara Guidi

Chiara Guidi, fondatrice con Romeo e Claudia Castellucci della Socìetas Raffaello Sanzio, sviluppa una personale ricerca sulla voce come chiave drammaturgica nel dischiudere suono e senso di un testo, ma anche come corpo, azione, disegno, rivolgendo la propria tecnica vocale sia a produzioni per un pubblico adulto, sia elaborando una specifica concezione di teatro per l’infanzia. La Socìetas in un percorso ormai trentennale ha realizzato spettacoli presentati nei principali festival e teatri internazionali di tutti i continenti, nei quali Chiara Guidi ha esplorato la dimensione sonora della scena, in collaborazione con Scott Gibbons in opere come Il Combattimento, su musiche di Claudio Monteverdi, fino al ciclo della Tragedia Endogonidia (2002-2004) nelle maggiori capitali europee. Accanto alle produzioni, Chiara Guidi nel 2009 ha diretto il festival Santarcangelo dei Teatri, e dal 2008 assumendo la musica come paradigma dirige Màntica. Esercizi di voce umana, un programma di teatro e musica al Teatro Comandini di Cesena. Nel 2011 inaugura Puerilia, festival di puericultura teatrale. Fra le opere recenti lo spettacolo Poco lontano da qui con Ermanna Montanari, e La Bambina dei Fiammiferi per un pubblico di adulti e bambini con il pianista Fabrizio Ottaviucci, con il quale debutta nell’Ottobre 2013 nel monologo Tifone da Joseph Conrad. Nel 2013 ottiene il Premio al Maestro, Premio Nico Garrone, e il Premio Speciale UBU per i festival Màntica e Puerilia.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 24 al 28 settembre

LA DANZA DEL VECCHIO

Atelier di creazione teatrale condotto da

Alessandro Serra / Compagnia Teatropersona

Poiché la sostanza consiste nella serenità perfetta,

l’esecuzione di questo genere di divertimento

è simile a quello che potrebbe essere
lo sbocciare di un fiore su un vecchio albero

Zeami

Non vedevo l’ora di diventare vecchio: così, pensavo,
non avrò più bisogno di truccarmi.
E poi, se faccio il vecchio da adesso, lo posso portare avanti.
Se invece mi metto a fare il giovane, presto diranno: “È invecchiato”

Eduardo de Filippo

PREMESSA

Fare il vecchio, come bambini che giocano a fare i grandi, con una finzione priva di implicazioni psicologiche ma tutta votata alla creazione di una forma vuota. Una finzione che non è inganno ma divertimento, si gioca non si recita. Si costruiscono figure da inserire in paesaggi immaginari per poi lasciarle vivere liberamente in circostanze e situazioni varie.

La danza del vecchio è uno degli stili del teatro Nō, uno dei più importanti secondo Zeami. Si tratta anzitutto di assumere l’aspetto della vecchiaia, costruire l’involucro esterno di una condizione dell’anima: tracciare la figura del vecchio.

È un divertimento serio che spinge l’attore a farsi forma formante.

Creare il vecchio senza fare il vecchio.

Resistere alla tentazione di infarcire quella figura dei presunti stati emotivi del suo autore.

Possedere il coraggio e l’arte di fingersi vecchio, eroe, fantasma, santo o prostituta senza cedere alla tentazione di mostrarsi in pubblico.

Creare e sostenere una forma vuota attraverso il gioco antico della finzione scenica che, diceva Eduardo, è stata e sarà sempre la suprema verità.

FASE PREPARATIVA

Ogni attore dovrà portare con sé:

Indumenti comodi per il training
L’occorrente per truccarsi e invecchiare il proprio viso
Un abito da vecchio
Un oggetto che evochi la vecchiaia
Un breve monologo attinente al tema trattato
Una fonte luminosa

L’ATELIER

Riscaldamento fisico
Relazione tra il bacino e la colonna vertebrale: gestione e direzione dell’energia
Utilità e forma – posa e postura
Gesto – azione – atto
Faccia – volto – maschera
Creare e sostenere il vuoto
Costruzione e composizione: rapporto fra attore, personaggio e figura
La voce: canto e polifonia
L’ascolto di se stessi e del coro
Gli oggetti: rapporto tra attore, oggetto e spazio scenico
Drammaturgia dell’immagine: comporre e costruire la scena
La luce: relazione carnale tra attore e fonti luminose

ALESSANDRO SERRA si avvicina giovanissimo al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman e la pratica delle arti marziali. Studia come attore inizialmente avvicinandosi alle azioni fisiche e ai canti vibratori di Grotowski, per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejercho’ld e Decroux. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena i propri spettacoli che scrive e dirige, creandone le scene, i costumi, le luci e i suoni. Negli ultimi anni il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si è concretizzato nella creazione di una “trilogia del silenzio”, in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di Samuel Beckett, Bruno Schulz e Marcel Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l’infanzia, “Il Principe Mezzanotte”, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all’estero. Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Russia, Polonia.

Creazioni: 2000 Nella città di K | 2003 Cechov non ha dimenticato | 2005 Theresienstadt | 2006 Beckett Box (Premio europeo Beckett & Puppet) | 2008 Il Principe Mezzanotte (Premio dell’Osservatorio critico degli studenti al Premio Scenario Infanzia) | 2009 Trattato dei manichini (Premio ETI Nuove Creatività; Premio Lia Lapini di scrittura di scena) | 2011 Aure | 2013 Il Grande Viaggio.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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Pubblicazione di Centro Teatrale Umbro.

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IN TRENO
Linea Ancona – Roma.
Fermata Fossato di Vico / Gubbio (PG).

Dalla Stazione a Gubbio:
Bus linea E052 (Gualdo Tadino – Fossato di Vico – Gubbio).

Da Gubbio alla Stazione:
Bus linea E052 (Gubbio – Fossato di Vico – Gualdo Tadino).

Da Gubbio al Centro Teatrale Umbro con mezzi privati, il Centro si trova nel cuore della campagna.

IN AUTO
Se si arriva dall’autstrada A14 (l’adriatica) uscire a Fano, seguire le indicazioni per Roma e successivamente per Gubbio (PG).

Se si arriva dalla statale E45 (Orte-Cesena) uscire a Bosco se si arriva da Orte oppure a Umbertide zona industriale se si arriva da Cesena.

Coordinate per Navigatore
Latitudine: 43.324069000000000
Longitudine: 12.472250000000000

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Dal 10 al 30 agosto

IV Edizione
Laboratorio internazionale e permanente di alta formazione

IL CLOWN-ATTORE _ ALLA SCOPERTA DELLA FORZA DELLA CREATIVITÀ

Laboratorio intensivo e residenziale diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY _ dal Cirque du Soleil

In questi 21 giorni di laboratorio intensivo e residenziale, a numero chiuso, gli allievi apprenderanno e svilupperanno i principi e i metodi delle tecniche del clown-attore, formeranno il carattere del proprio clown e creeranno un repertorio individuale.

Per partecipare è necessario inviare la propria candidatura entro il 15 aprile 2015 allegando il curriculum vitae e due foto. Successivamente è previsto un colloquio con Vladimir Olshansky.

L’arte della clownerie si basa su un elemento fondamentale: il clown-attore.
Figura eccentrica, spesso grottesca, il clown spazia dalla pantomima al teatro di parola, fondendo tecniche e stili diversi. Il nostro laboratorio ha lo scopo di far avvicinare gli attori a questa affascinante disciplina, di far scoprire e comprendere, attraverso una metodologia originale e di alto spessore tecnico le proprie risorse e il proprio talento comico. Si articolerà in tre settimane e terminerà con la presentazione dei lavori migliori emersi durante il percorso sotto forma di classe aperta, uno spettacolo-clown.
Spesso mi chiedono : a cosa serva l’arte del clown e come è possibile approfondirla?
La clownerie ci permette di stimolare la nostra creatività, di “trovare” inusuali soluzioni drammaturgiche, di ampliare il nostro repertorio e di arricchirlo di nuove idee e materiali originali.

Una master class intensiva e prolungata nel tempo è un’occasione unica per poter assaporare e comprendere profondamente quest’arte antica, sorprendente e dinamica.

“Alla fine degli anni Settanta, quando vinsi un premio a Mosca per le Arti dello Spettacolo, il mio sogno era quello di fondare un Teatro di Clown. Mi sono laureato alla Scuola del Circo di Mosca. Le mie idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov. Mentre studiavo arti circensi ho avuto modo di incontrare lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, dal cui talento sono stato completamente sedotto. E’ stato il primo clown a combinare insieme l’Arte del Circo e il teatro. Me ne tornai, allora, a Pietroburgo con l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista. Insieme a un clown ora conosciutissimo e molto dotato, Slava Polunin, fondammo il Gruppo Clown “Lizidei”. Nel frattempo io misi in piedi il mio primo “one man show”, uno spettacolo con me unico attore clown, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson. Nel 1997 sono stato invitato da Slava a recitare la parte del principale “clown giallo” nel suo “Snow show” al teatro Old Vic di Londra. I nostri rapporti non si sono mai interrotti. Alla fine degli anni 1990 con mio fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, abbiamo fondato “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit per attività artistiche e sociali. Abbiamo fatto esperienza come “hospital-clown” e lanciato questa nuova professione in Italia. Ho cominciato a lavorare al Cirque du Soleil come “guest -actor” in “Allegria” nel 2000. Ho lavorato con loro nelle tournées in Australia e Nuova Zelanda. Dopo una pausa la collaborazione è ripresa nel 2004 a New York, Philadelphia e Toronto. Il lavoro insieme al Cirque du Soleil mi ha indotto a inventarmi un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”, in cui ho potuto in parte mettere in pratica alcune mie idee sulla clownérie. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.”

Vladimir Olshansky

STRUTTURA DEL LABORATORIO

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’essere comico.
Slapstic, Buffonata, Excentrica, ecc…
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego.
I Tre centri del corpo umano.
Le Cinque fasi del lavoro.
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo.
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale.
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni.
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: lavoro sull’impulso.
I principi del lavoro con un oggetto.
Lavoro solo.
“Offerta”(comunicazione con il partner).

Vladimir Olshansky
Ha ricevuto vari riconoscimenti per la sua attività tra i quali il Raul Wallemberg Humanitarian Award, New York ,USA; il Michelangelo Award, Firenze, Italia; l’Award come miglior show ed artista dall’Entratainment Festival di Mosca, Russia.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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T E A T R O V A L D O C A

tornare al cuore
laboratorio
Ciò che ci rende umani

Laboratori residenziali e selettivi per attori, performer e danzatori

Primo laboratorio 27 giugno/1 luglio 2015
Secondo laboratorio 4/8 luglio 2015
presso Centro Teatrale Umbro

direzione Cesare Ronconi
parole Mariangela Gualtieri
movimento Lucia Palladino

INFORMAZIONI

I due laboratori costituiranno momento di incontro per la costituzione di un gruppo di lavoro in vista di un nuovo progetto di Teatro Valdoca.
Saranno privilegiati i candidati che stanno iniziando il proprio percorso e sono desiderosi di una forte esperienza formativa.

Temi del lavoro

parola/ascolto poetico
1. potenza acustica della parola
2. partire dal silenzio e tornare ad esso
3. il verso come struttura ritmica e poetica

corpo/movimento
1. esercitare il corpo all’abbraccio e all’ascolto
2. perfezionare la fluidità delle sequenze ritmiche di movimento
3. percepire il suono nello spazio in cui si agisce
4. sentire l’assenza
5. ascoltare ciò che vive tra le cose e le persone

testi del lavoro
poesie d’amore

giuramenti

Da me la sola passione
puoi imparare.
Dal mondo impara
tutto l’arco del sole
e lo splendore
la grandezza dei gesti
in che consiste crescere,
finire.
Impara dalle madri
il silenzio provvido, gentile,
dalle tombe la morte,
e dal morire ogni giorno
l’esame impara a svolgere.
Medita quando l’ombra
ti cade d’ogni sera sulla fronte:
è passato, mio amore,
un altro giorno

Giovanni Testori Opere Bompiani

L’amore è il nome della fine infinita quando segue la logica del buon infinito. In esso il compimento non consiste nella produzione, ma, in un certo senso, nella riproduzione, nella ripetizione, o meglio nella ripetizione insistente di un incommensurabile: l’amore, appunto, come assegnazione (attribuzione, attestazione, dichiarazione, creazione: sarebbe necessario analizzare tutte queste modalità) di un valore assoluto – addirittura, in un certo senso, quasi senza “valore”, o meglio valutabile come “non valutabile”.

Jean-Luc Nancy L’amore, dopodomani da Prendere la parola, Moretti & Vitali

“Il bello è lo splendore del vero”: questa formula, sempre attribuita a Platone, così alla lettera non compare da nessuna parte nella sua opera (neppure in Plotino, al quale pure talvolta la si attribuisce), ma dice una cosa giusta. Il bello è l’esplosione di cui brilla il vero eccedendo così la sua verità.

Jean-Luc Nancy L’amore, dopodomani da Prendere la parola, Moretti & Vitali

Qualunque lingua si usi in poesia, è una lingua che cela un segreto, in quanto entra in rapporto con un ritmo intraducibile. Ma nella poesia si realizza anche una ricomposizione tra un suono che cela un mistero e la comunicazione linguistica.

Brunella Antomarini La preistoria acustica della poesia Aragno

Modalità d’iscrizione
Gli interessati dovranno inviare via email:
due foto, una in primo piano e una a figura intera in formato jpg o tif dal peso complessivo massimo di 800 KB
un CV sintetico (in formato word) in cui siano indicate le esperienze artistiche e teatrali
una breve lettera motivazionale indirizzata a Cesare Ronconi
La mail dovrà pervenire all’indirizzo info@centroteatraleumbro.it entro e non oltre il 7 giugno 2015, specificando a quale dei due laboratori si intende iscriversi.

In base ai CV ricevuti Cesare Ronconi selezionerà i 16 partecipanti per ogni sessione.
L’esito della selezione sarà comunicato ai candidati entro il 15 giugno 2015.

Per informazioni: info@centroteatraleumbro.it; www.centroteatraleumbro.it;
+39 075 9258072; +39 338 9788533

Cesare Ronconi / Teatro Valdoca
Nasce nel 1983 a Cesena dal sodalizio fra il regista Cesare Ronconi e la drammaturga e poeta Mariangela Gualtieri e da allora persegue con rigore e raffinatezza una ricerca a ridosso della parola poetica e del lavoro d’attore, creando grandi produzioni corali, o concentrandosi sul lavoro di pochi interpreti, in una scrittura scenica che fonde danza, arti visive e musica dal vivo. La scrittura registica di Cesare Ronconi ha due elementi fondanti: l’attore, inteso come corpo glorioso e fonte prima di ispirazione, e il verso poetico affidato a Mariangela Gualtieri. Il ruolo centrale dell’attore porta in primo piano il magistero pedagogico di Ronconi, che per ogni spettacolo forma gli interpreti, portando così a maturità professionale molti giovani esordienti.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 13 al 22 luglio

PENSARE LA SCENA

I Paradisi Perduti

Laboratorio residenziale e intensivo diretto da

CESAR BRIE

Per partecipare è necessario inviare CV e 2 foto entro il 25 maggio.

Nel seminario si affronteranno, in diverse fasi, tutti i temi principali alla base della poetica di César Brie, con l’obiettivo di applicare un metodo che si propone di formare un
attore-poeta nel senso etimologico del termine: colui che crea e fa.

Pensare la scena
Cerco di far riflettere attraverso esercizi, sugli elementi che formano la scena e la presenza di uomini, oggetti e tempo sulla stessa.
Insegno a improvvisare, cioè, a stare in scena in modo sereno, calmo. A osservare e dialogare con gli altri. A raccontare, trovare le proprie parole per dire quello che si vuole dire. A dialogare con l’altro.

Il laboratorio sarà articolato in diverse fasi:
lavoro fisico (l’impulso e la forma, percezione, azione e composizione)
l’improvvisazione (lo spazio e le relazioni)
il coro (l’intimo e il plurale)
l’immagine (la creazione di metafore e immagini sceniche)
il montaggio (rapporto immagine e testo)

César Brie nasce a Buenos Aires, Argentina. Arriva in Italia a 18 anni con la Comuna Baires, gruppo teatrale di cui è cofondatore, recitando in più produzioni, dirette da Renzo Casali e Liliana Duca. Con questo gruppo ha cominciato a sviluppare un’arte apolide, a stretto contatto con le molte realtà incontrate in una vita passata per scelta in esilio. Dopo il 1975 crea a Milano il Collettivo teatrale Tupac Amaru, tra gli spettacoli prodotti A Rincorrere il Sole, Ehi, in collaborazione con Danio Manfredini e E tentavano infine di scappare. Dal 1981 al 1990 lavora insieme a Iben Nagel Rasmussen nel Gruppo Farfa e poi nel Odin Teatret nelle vesti di autore, regista e attore. Tre, tra i titoli di questi anni: Matrimonio con Dio e Talabot con la regia di Eugenio Barba e Il Paese di nod, regia e drammaturgia di César Brie. Poi da solo Il Mare in Tasca, Torneranno i miei figlie e con Naira Gonzalez Romeo e Giulietta. A seguito di queste esperienze nel 1991, fonda in Bolivia il Teatro de Los Andes col quale crea spettacoli che partono dalla storia o dai classici, ma calati profondamente nell’attualità: una serie di lavori esemplari destinati a girare il mondo (Ubu in Bolivia, Solo gli ingenui muoiono d’amore, I Sandali del Tempo, Dentro un sole giallo, Fagile, Otra vez Marcelo… l’Iliade, L Odisea). Su L’Iliade hanno scritto “Ci sono spettacoli – pochi, imprevedibili – che incantano e s’imprimono nella memoria come un’esperienza irripetibile. Gli spettatori se li raccontano a distanza di anni alimentandone il mito. L’Iliade del Teatro de Los Andes è uno di questi (….). Presentato in mezzo mondo, ha ovunque trascinato pubblico e critica in un consenso unanime, facendo gridare al capolavoro. Quasi duecento repliche in due anni. Tutti i temi del teatro di Brie sembrano fondersi qui in una profonda riflessione sulla violenza e sul tempo, nel tentativo di rivedere la tragedia antica alla luce della propria storia”. (Fernando Marchiori).
César Brie partecipa anche ad altre produzioni, come autore o regista: Il cielo degli altri, realizzato in Italia con gli attori del Teatro Setaccio; Zio Vanja di Anton Cechov, di cui cura la regia insieme a Isadora Angelini; Todos los ausentes, realizzato a Santiago del Cile con l’attore Hector Noguera del Teatro Camino; scrive I clienti, con la regia di Giancarlo Gentilucci per Arti e Spettacolo.
Dal 2010 in Italia crea Albero senza Ombra e 120 chili di jazz, Karamazov, Indolore, Il Vecchio Principe, La Mite, Viva l’Italia testo di R. Scarpetti di cui cura la regia. Nel 2015 debutta con lo spettacolo Ero.

Info e Iscrizioni:
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I L C A N T O D E L C A P R O
Sulla funzione del coro nell’opera teatrale

Atelier di creazione teatrale condotto da Alessandro Serra
Compagnia Teatropersona

1 | 2 | 3 | 4 | 5 agosto 2015

Quando si recita una parte non si è mai un io, bensì sempre un tu.
Ingmar Bergman

La forza ritmica non si limita a cantare nell’intimo di ogni essere;
la sua manifestazione più percettibile è costituita dall’irraggiamento
che, solo, può farcene percepire il suono.
M. Schneider

PREMESSA
La tragedia greca è stata la più sublime forma di teatro: quello dell’immobilità.
Ma cosa è rimasto?
Non certo il senso del tragico, né tantomeno l’idea e la pratica di una collettività.
Non resta traccia di sacro e le cerimonie si sono trasformate in serate di gala.
Abbiamo dimenticato cosa celebrare e poi come, o viceversa.
Restano delle opere di inestimabile bellezza ma soprattutto restano dei dispositivi.
Com’è fatta una tragedia ma soprattutto, e sarà oggetto d’indagine, che cos’è un coro?
Vale forse per la tragedia la regola dell’arte sacra la cui essenza non risiede nel tema religioso, bensì nella disposizione delle forme nello spazio. Ed è proprio sulle forme del coro tragico che ci concentreremo, cercando di analizzare non le parole del coro ma la forma e la sua origine:
il canto, la danza, lo spazio, il tempo.
Nelle messe in scena il coro canta e danza insieme. E tuttavia la pratica dimostra che tanto più semplice è il gesto e il suono, tanto più visibile la voragine che ci separa dagli altri. Verrebbe da pensare che si moltiplichino i gesti e si saturi l’aria di parole solo per nascondere la difficoltà di attingere alla forza ritmica che canta dentro di noi.
Una forza che si manifesta nel respiro collettivo. Unica interiore energia che non è in nessuno ed è in tutti.
Non si tratta di andare a tempo o di seguire il ritmo ma di ripensare il tempo e il ritmo in termini non più aritmetici. Lo stesso per lo spazio scenico, non delimitato da decori o luci, quanto dalle relazioni che intercorrono tra chi è chiamato ad abitarlo.
Nel corso di cinque giorni cercheremo di delimitare il campo d’azione per poterci permettere il lusso di cadere in trappola. Senza ricorrere ad apparati o, men che meno, alla letteratura.
Che cos’era il coro se non un unico personaggio assurto a collettività? In questo senso ogni opera teatrale è opera di un coro. Farsi coro significa divenire spazio, scolpire il tempo, respirare ed essere respirati, trasportati dalla magia impersonale del pensiero collettivo.
Studiare e indagare i meccanismi del coro equivale a scandagliare gli abissi della persona restituendo al teatro le proprie origini sacre di rito collettivo.
Il coro ci insegna a riconoscersi nell’altro ma soprattutto a star soli in scena.
Soli.
Con la propria ferita segreta.
Ma soli come un tu,
mai come un io.

FASE PREPARATIVA

Ogni attore dovrà leggere L’Edipo Re di Sofocle, quindi dovrà portare con sé:

1. Indumenti comodi per il training
2. Quaderno per gli appunti
3. Una gonna nera ampia e lunga, una maglia senza scritte e di colore neutro e uno scialle nero.
4. Una fonte luminosa.

L’ATELIER

Il training
Relazione tra il bacino e la colonna vertebrale: gestione e direzione dell’energia
Scrivere con il corpo, esercizi di scomposizione
Gestione del peso e dell’equilibrio

la danza
Traghikē orkhēsis | figure della danza tragica
Composizione e costruzione di partiture per la danza
Qualità del movimento | danza emmelèia e cordace

il canto
Riscaldamento ed esercizi vocali
Gamma del riso e del pianto
Canto e polifonia

lo spazio
Rettangolo, triangolo, cerchio
Stasis, metastasis

gli oggetti
Oggetto materia
Oggetto accessorio e requisito
Rapporto tra attore, oggetto e spazio scenico

la drammaturgia
Elementi di drammaturgia
Lamento, attesa, preghiera
Drammaturgia dell’immagine: comporre e costruire la scena
Relazione carnale tra attore e fonti luminose

ALESSANDRO SERRA si avvicina giovanissimo al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman e la pratica delle arti marziali. Studia come attore inizialmente avvicinandosi alle azioni fisiche e ai canti vibratori di Grotowski, per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejercho’ld e Decroux. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena i propri spettacoli che scrive e dirige, creandone le scene, i costumi, le luci e i suoni. Negli ultimi anni il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si è concretizzato nella creazione di una “trilogia del silenzio”, in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di Samuel Beckett, Bruno Schulz e Marcel Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l’infanzia, “Il Principe Mezzanotte”, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all’estero. Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Germania, Russia, Polonia.
Negli ultimi anni collabora come regista ospite con la compagnia Accademia Arte della Diversità/ Teatro la Ribalta di Bolzano.
Creazioni: 2000 Nella città di K | 2003 Cechov non ha dimenticato | 2005 Theresienstadt | 2006 Beckett Box (Premio europeo Beckett & Puppet) | 2008 Il Principe Mezzanotte (Premio dell’Osservatorio critico degli studenti al Premio Scenario Infanzia) | 2009 Trattato dei manichini (Premio ETI Nuove Creatività; Premio Lia Lapini di scrittura di scena) | 2011 AURE | 2013 Il Grande Viaggio (Premio del pubblico al FIT Festival di Lugano)| 2014 MACBETTU (studio vocale) | 2015 L’ombra della sera; H.G. con la compagnia Teatro la Ribalta\ Accademia Arte della Diversità di Bolzano.

Info e iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
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INTERPRETANDO COMPRENDO

Stage residenziale e intensivo diretto da Giuliana MUSSO

Dal 25 al 29 luglio

“Ripetere per molti anni e molte repliche le stesse parole, gli stessi gesti, gli stessi personaggi mi ha regalato l’opportunità di verificare come la meccanica stessa interna al gesto e alla parola possa essere ogni sera un nuovo accesso all’emozione e quindi alla “comprensione” del senso di ciò che sto recitando. Si potrebbe quindi dire che io interpretando comprendo.
Durante questi cinque giorni vorrei condividere alcuni approcci tecnici molto personali che riguardano il testo scritto, con particolare attenzione all’uso del suono della parola e del ritmo della frase. Partendo da queste consegne e concentrandosi su un lavoro individuale, cercheremo anche di indagare la dimensione del piacere, dell’intuizione e dell’autenticità. Vi invito a portare almeno due monologhi a memoria a vostra scelta, tratti dal repertorio classico, e un brano di narrativa per adulti da leggere a voce alta. Io porterò il resto. Come sempre, abbigliamento comodo.”
_Giuliana

Giuliana Musso
E’ attrice ed autrice teatrale, diplomata alla Civica Accademia D’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano. Ha iniziato il suo percorso nel teatro comico, nella Commedia dell’Arte e nell’ Improvvisazione Teatrale. Dopo alcune brevi esperienze nel teatro contemporaneo, dal 2001 si è dedicata quasi esclusivamente alla scrittura e all’interpretazione di spettacoli che coniugano il teatro di narrazione al teatro d’indagine: Nati in casa, Sexmachine, Tanti Saluti, La fabbrica dei Preti, Wonder Woman. Ha scritto testi per altre compagnie e diretto un gruppo di bravissimi attori nel progetto Medea. La città ha fondamenta sopra un misfatto.

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BIOMECCANICA DELLA COMMEDIA DELL’ARTE:

LA LUCILLA COSTANTE

Di Silvio Fiorillo (1609)

Condotto da Michele Monetta

dal 10 al 13 settembre

Esiste una tecnica della Commedia dell’Arte? Cosa è rimasto di una trasmissione di saperi a partire dalla famiglia Andreini sino a Fiorillo ed a Scaramouche, per arrivare poi a Biancolelli, Molière, Marivaux, Sacchi, Deburau, Petito, Scarpetta, Petrolini, de Curtis, Govi, Baseggio, Viviani, i Maggio, i De Filippo, Strehler, De Simone, Mnouchkine e, a sorpresa, persino Kantor? Chi oggi dice di insegnare la Commedia dell’Arte ha veramente un bel coraggio ad affermarlo. C’è di sicuro una tradizione “tradita”! E’ questo tradimento che la rende ancora vitale (e non come sta da tempo accadendo in Italia e che ha un sapore turistico-folcloristico),ma occorre individuarne gli strumenti certi, o comunque non aleatori. Quali? Il corpo, l’iconografia teatrale, le partiture musicali, la Danza Rinascimentale e Barocca, i trattati di recitazione tra ‘600 e ‘700, i canovacci e, soprattutto, le commedie distese. Quest’anno si andrà a lavorare su La Lucilla Costante straordinaria commedia distesa ricchissima di maschere, profondamente barocca, dell’attore e autore Silvio Fiorillo (creatore della maschera di Capitan Mattamoros ed il primo che ha dato dignità di ruolo a Pulcinella), scritta nel 1609.Il lavoro del mattino si baserà su training, tecnica, maschera e improvvisazione relativi alla Commedia dell’Arte; il pomeriggio sarà tutto dedicato al gioco, allo studio e all’interpretazione di alcune scene tratte dall’opera LA LUCILLA COSTANTE.

Esercizi di biomeccanica

Passi, marce e andature

Combattimento con bastoni

Corpo grottesco e focus della maschera

I 12 ruoli e le 4 maschere

Iconografia teatrale e les attitudes

Corpo-Maschera e fissità (o fissazione)

Raccolta Fossard (comici, musici, acrobati e cantatrici)

I Balli di Sfessania (danzatori pantomimi) e il Tuba catubba dello Sgruttendio

Le maschere e la Luna

Partitura del movimento

Recitazione, gioco e messinscena dal testo “La Lucilla costante”

Elementi di letteratura, regia e storiografia: Sgruttendio di Scafati, Hoffmann, Mejerchol’d

Il corso è rivolto ad attori, mimi, danzatori, registi, clown, cantanti, pedagogisti, drammaturghi, studenti di università ed accademie, animatori.

Ogni partecipante dovrà munirsi di: abbigliamento comodo e neutro per il movimento, bastone in legno o manico di scopa, cinghia in cuoio, scarpette da ritmica o danza jazz. Portare oggetti vari e a scelta, ad esempio: ventaglio, lanterna, grande pezzo di stoffa nero, rosso oppure verde, cloche e campanellini, fiasco di vino impagliato, gonne lunghe sino alle caviglie per le donne…etc

Michele Monetta Regista, Attore e Insegnante di Mimo Corporeo tecnica Decroux, Maschera e Commedia dell’Arte, Specializzato in Pedagogia Teatrale. Allievo del M° Etienne Decroux. Docente di Maschera e Mimo Corporeo all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico e all’Ecole Atelier Rudra di Maurice Béjart.

ICRA Project raccoglie, coordina e sviluppa attività nel campo del teatro, della musica, della pedagogia nell’arte drammatica e dei linguaggi multimediali. Fonda nel 1985 e dirige tutt’ora la scuola biennale di Mimo Corporeo a Napoli e l’Atelier di Commedia dell’Arte a Roma.

Info e Iscrizioni:
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LABORATORIO TEATRALE

a cura di Danio Manfredini

dal 23 al 27 settembre

Contenuti e obiettivi del laboratorio

Un laboratorio a partire da Danio Manfredini e dalla sua personale esperienza artistica che si basa sulla ricerca delle possibilità espressive dell’attore, figura che egli concepisce come creatore, come materia viva il cui estro nasce da un profondo lavoro su di sé, dalla sua intimità e consapevolezza.Il corpo come luogo fondamentale di ascolto ed espressione, esplorazione della vocalità, esplorazione della memoria emotiva come aspetti del training preparatorio dell’attore. Considerazione delle fondamentali convenzioni appartenenti all’arte del teatro e consapevolezza del disegno complessivo che conduce alla recitazione di un’opera teatrale.

Ogni partecipante dovrà portare un monologo estrapolato da testi pubblicati di teatro classico o contemporaneo (autori pubblicati entro l’anno 2000).
Si richiede inoltre a ogni partecipante la conoscenza della parabola degli accadimenti dell’opera di cui fa parte il monologo. I brani di recitazione saranno materiale di studio per gli allievi e verranno utilizzati come mezzo d’approccio alle opere teatrali, in un processo di scoperta che contempli la pratica del “non conosciuto”, intesa come avvicinamento all’atto della creazione scenica.

Info e Iscrizioni:
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Paolo Rossi

“L’importante è non cadere dal palco”
Laboratorio intensivo d’improvvisazione

2 | 3 | 4 | 5 | 6 SETTEMBRE

“Da sempre sostengo che per fare teatro sia necessario fin da subito rendersi conto delle proprie caratteristiche personali e peculiari. Se sul palco convivono attore, persona e personaggio, allora ogni persona ha delle capacità intrinseche che, se riconosciute e affinate con la tecnica dell’attore, porteranno allo sviluppo di un personaggio che esprime caratteri e singolarità di chi lo porta in scena.

Comprendere il proprio centro nevralgico, il proprio personale motore verso il lavoro e le proprie risorse immediate è la base per improvvisare.

Oggi si è persa l’urgenza di fare certe cose: non ci sono più – se non rari casi fortunati – compagnie itineranti che vivono di teatro di emergenza; ed è proprio nell’emergenza che tutto viene a galla. Improvvisare sul momento, teatralizzare una barzelletta oppure far esplodere un canovaccio di sole cinque parole, apparentemente sconnesse perché dette a caso da uno tra il pubblico, richiede una grande disciplina e una notevole consapevolezza di se: al volo, all’impronta, bisogna buttare sul palco ciò che si possiede, sia di tecnica sia di spirito. C’è quel che c’è. E di quel che c’è non manca niente, in poche parole.

Non bisogna neppure dimenticare la regola fondamentale per qualsiasi attore che intenda cimentarsi nell’improvvisazione: l’ascolto. Ascoltare il proprio compagno, i propri compagni attori, è fondamentale; sono loro che suggeriscono a noi cosa succederà dopo e come noi dovremo reagire alla proposta, che sia una battuta o un calcio. Spesso affermo che, se dovessi decidere di affrontare la docenza di un corso pluriennale accademico di improvvisazione, per tutto il primo anno costringerei tutti alla sola pratica dell’ascolto e dell’osservazione dell’altro. Ci sono mille e mille strade per ottenere lo stesso risultato, o meglio, per ottenere un ottimo risultato sempre diverso, e l’ascolto è quella guida che permette di percorrerle tutte, prima o poi.

Nei mie spettacoli questo aspetto è fondamentale: innanzi tutto è il pubblico a fare gran parte del lavoro in questo senso; una volta crollata la quarta parete, è proprio il pubblico che mi trasmette tutto se stesso, e fin dal brusio prima dello spettacolo, posso reagire di conseguenza e regolare, con la mia tecnica di attore, la mia performance. Questo lavoro coinvolge anche i musicisti che lavorano con me, che sono la mia compagnia e la mia famiglia, anche loro ormai abituati a sentire la platea e a controllare la propria esecuzione in base al tipo di pubblico che anno davanti e ad assorbire al volo le mie indicazioni o i miei segnali nascosti. E’ solo per questo che i miei spettacoli possono davvero essere considerati un unicum sempre diverso.

Vorrei anche sottolineare la necessità di sviluppare la percezione del ritmo. Lo si sente dire spesso dei grandi comici e improvvisatori, che hanno appunto un grande ritmo, che non è solo più veloce o più lento, ma è intrinsecamente legato a ciò che si vuole comunicare. La scelta del tempo comico alle volte è il perfetto discriminante tra una battuta perfetta, o la stessa battuta venuta male. Chi non sa dire le barzellette spesso pecca proprio in questo aspetto, fateci caso…

Anche in una barzelletta, che il mio maestro Dario Fo definisce una sintesi drammaturgia perfetta – e mi trova pienamente d’accordo – il tempo è tutto. Per questo spesso io mi affianco a musicisti, essenziali in tutti i miei lavori; la musica che mi accompagna aiuta a dare un andamento di un certo tipo a ciò che dico sul palco e fornisce quello che i musicisti jazz chiamano mood.

Per imparare il ritmo della comicità non bisogna fare altro che contare; sembra la cosa più stupida, o troppo matematica, ma è così. Per fare un esempio sul genere matematico della risata, il mio maestro Giorgio Strehler riusciva a prevedere l’arrivo o meno di una risata del pubblico, durante una commedia dove recitavo anche io, in base al rumore che faceva una porta della scenografia che ad un certo punto veniva fatta cadere. Sarebbe una normale gag, con conseguente risata, certo… se non fosse che la risata arrivava o meno, a seconda del suono forte o leggero della caduta, circa un minuto dopo…

In questo laboratorio quindi si cercherà di trasmettere ai partecipanti questa attenzione, questa cura, questa apertura verso il compagno attore/persona/personaggio che ci affianca sul palco e l’attenzione verso l’ascolto e il ritmo; lo faremo attraverso molti esercizi che pratico io stesso personalmente da anni. Molti di questi sono presi dai manuali dei commedianti dell’arte settecenteschi e ottocenteschi, dove sono raccolti i lazzi, i trucchi e i modi con cui i maestri di Commedia dell’Arte si potevano permettere di mettere in scena vicende magnifiche con pochissime risorse e con brevissimo tempo a disposizione. Tra questi vi sono molti esercizi appunto che si basano sull’osservazione degli altri, delle loro caratteristiche, se vogliamo anche dei loro difetti, che è di certo alla base del principio di ascolto di cui parlavo prima. La caricatura dell’altro, l’imitazione, lo sberleffo a volte sono un ottimo mezzo di conoscenza dell’altro.

Un’ultima cosa: vorrei fare una mia piccola riflessione sull’improvvisazione. Ad un certo punto della sua carriera Goldoni si era accorto che c’era qualcosa che non andava; spesso gli attori di Commedia del’Arte usavano additivi, diciamo, per salire sul palco e sostenersi e quindi l’improvvisazione spesso prendeva una piega esagerata e preponderante. Per questo propose con la sua riforma la scrittura intera del testo e l’abolizione totale dell’improvvisazione, almeno nelle sue commedie. Oggi, ogni tanto, mi pare che il tasso alcolico sia un po’ più alto in platea che sul palco, per cui recuperare queste pratiche è quasi un dovere morale. Purtroppo c’è qualcuno – quelli che io chiamo mediocri – che si è già accorto da tempo di queste debolezze diffuse tra il popolo e ha contribuito a renderlo più pubblico che popolo, soprattutto attraverso la televisione. I mediocri sono vigili e attenti, si svegliano tre ore prima di quelli di talento solo per avere più tempo per pensare a come metterla in quel posto a quelli di talento, appunto.

I mediocri hanno anche rovinato l’arte della barzelletta, che è un patrimonio nazionale oserei dire. I mediocri provano a diventare nostri colleghi sbagliando, perché cercano subito il finale, l’orgasmo della chiusa. Imparare le vecchie tecniche da commediante, i trucchi e i lazzi dei maestri passati, costringersi a riconoscere i propri limiti e a sfruttarli è sempre un modo per combattere questa regressione che coinvolge tutto e tutti, e che, se non controllata, porterà ad un futuro di totale superficialità, soprattutto nel campo dell’arte”.

PAOLO ROSSI

Breve biografia.

Nato nel 1953 a Monfalcone, milanese d’adozione, Paolo Rossi spazia da trent’anni dai club ai grandi palcoscenici, dal teatro tradizionale al cabaret, dalla televisione al tendone da circo: ovunque ha proposto il suo personale modo di fare spettacolo che, pur immergendosi nelle tematiche contemporanee, non prescinde dall’insegnamento dei classici antichi e moderni, da Shakespeare a Molière, dalla Commedia dell’Arte a Brecht.

Esordisce come attore nel 1978 in Histoire du Soldat regia di Dario Fo.

Alla fine degli anni ’80 si impone sulla scena con uno stile personale e riconoscibile con gli spettacoli Recital, Chiamatemi Kowalski (1987), The Times They Are a-Changin’… Un’altra Volta … Again!, cui seguono spettacoli dalla struttura originale definiti antimusical sociali, tutti con la regia di Giampiero Solari: tra questi Le Visioni di Mortimer (1988) e La Commedia da due lire (1990).

Nel 1992 approda alla televisione con Su la Testa su Rai 3. Nel 1994-1995, Rossi partecipa alle molte puntate di Il Laureato di Piero Chiambretti su Rai 3; nel 1997-98 conduce Scatafascio, trasmesso su Italia1. Nel 2007 è ospite fisso della trasmissione Che tempo che fa di Fabio Fazio.

E’ del 1995 Il Circo di Paolo Rossi, spettacolo itinerante che si sposta – con una carovana e una serie di tendoni per tutta Italia – con un gruppo di 18 persone tra musicisti e attori/mimi. Seguono Rabelais (1996), liberamente tratto dal Gargantua e Pantagruel di François Rabelais; Romeo & Juliet – Serata di Delirio Organizzato (1998); Questa Sera si Recita Molière – Dramma da ridere in due atti (2003). Tra il 2002 e il 2004 è in tournée con Il Signor Rossi e la Costituzione – Adunata Popolare di Delirio Organizzato. E’ del 2004-2005 Il Signor Rossi contro l’Impero del male, progetto multiculturale a cui ha contribuito un cast di artisti italiani e internazionali provenienti dalle più diverse esperienze sceniche.

Nella primavera del 2007, porta in teatro I Giocatori, uno spettacolo liberamente ispirato al romanzo Il Giocatore di Dostoevskij. E’ del 2008 il ritorno sulla scena con uno spettacolo intimo, Sulla strada ancora, in cui Rossi racconta al pubblico le sue vicende personali e creative di un anno difficile.

Nel 2009 ha inizio il percorso di studio e ricerca che porterà nel 2010 al debutto di Il Mistero Buffo di Dario Fo, in tournée nella stagione 2010-2011 e a seguire nel 2011-2012 con il titolo Il Mistero Buffo, nella versione pop 2.0, lo spettacolo ha registrato oltre 200 repliche.

A settembre 2010 dirige Il Matrimonio segreto di Domenico Cimarosa che ha inaugurato la sessantaquattresima Stagione Lirica del Teatro Sperimentale A. Belli di Spoleto. A dicembre 2011, per il Teatro San Carlo di Napoli, firma la regia di Il marito disperato di Domenico Cimarosa.

A maggio 2012 recita in Confessioni di un cabarettista di m., tre puntate di uno spettacolo televisivo registrato alla Corte Ospitale di Rubiera, all’interno di un tendone del circo Togni e trasmesse su Sky Tv.

A novembre 2013 debutta con il suo nuovo spettacolo L’amore è un cane blu, la conquista dell’Est, scritto dallo stesso Paolo Rossi, con Stefano Dongetti, Alessandro Mizzi con la supervisione di Riccardo Piferi; musiche originali composte da Emanuele Dell’Aquila ed eseguite dal vivo da I Virtuosi del Carso (Emanuele Dell’Aquila, Alex Orciari, Stefan Bembi, Denis Beganovic, Mariaberta Blašković, David Morgan), produzione La Corte Ospitale.

Nel settembre 2014 realizza la regia lirica per Alfred, Alfred di Franco Donatoni e Gianni Schicchi di Giacomo Puccini, con la direzione di Marco Angius e la produzione del Teatro Lirico Sperimentale A. Belli di Spoleto. Le due opere circuivano in Umbria, con la presenza di Rossi anche come attore sulla scena.

Nel 2014 intraprende una collaborazione con il CRT – Teatro dell’Arte che si realizza nello spettacolo Arlecchino. Saltimbanchi si muore, per la stagione 2014/2015. Sempre nella stessa stagione approda in diverse piazze italiane con due spettacoli contenitori del meglio del suo repertorio, L’importante e non cadere dal palco e Delirio organizzato col pubblico, prodotti da La Corte Ospitale.

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Dal 16 al 20 settembre

IL CLOWN-ATTORE

Laboratorio intensivo e residenziale diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY _ dal Cirque du Soleil

STRUTTURA DEL LABORATORIO

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’essere comico.
Slapstic, Buffonata, Excentrica, ecc…
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego.
I Tre centri del corpo umano.
Le Cinque fasi del lavoro.
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo.
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale.
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni.
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: lavoro sull’impulso.
I principi del lavoro con un oggetto.
Lavoro solo.
“Offerta”(comunicazione con il partner).

Vladimir Olshansky
Laureato alla Scuola del Circo di Mosca, le sue idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov.
Dall’incontro con lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, sviluppa l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista.
Insieme a Slava Polunin fonda il Gruppo Clown “Lizidei” e allestisce il suo primo “one man show”, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson.
Nel 1997 sotto la regia di Slava Polunin interpreta la parte principale del “clown giallo” nel “Snow Show” tenuto al teatro Old Vic di Londra.
Alla fine degli anni 1990 con suo fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, fonda “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit di “hospital-clown”che lavora con i bambini e le loro famiglie e di cui oggi è direttore artistico.
Nel 2000 inizia la sua collaborazione al Cirque du Soleil nello spettacolo “Allegria” (con tournées in Australia, Nuova Zelanda, Stati Uniti e Canada).
La collaborazione con il Cirque du Soleil lo ha portato ad ideare ed interpretare un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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I PARADISI PERDUTILaboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Domenica 26 luglio 2015

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CIO’ CHE CI RENDE UMANI – 27 giugno/1 luglio – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Venerdì 31 luglio 2015

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CIO' CHE CI RENDE UMANI – 4/8 luglio – Laboratori 2015 Festival "Di umanità si tratta" VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Venerdì 31 luglio 2015

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Giuliana Musso – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Martedì 11 agosto 2015

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Alessandro Serra / Compagnia Teatropersona – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Mercoledì 19 agosto 2015

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Foto Laboratorio Vladimir Olshansky dal Cirque du Soleil – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Mercoledì 9 settembre 2015

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Foto Laboratorio Paolo Rossi – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Venerdì 11 settembre 2015

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Foto Laboratorio Michele Monetta – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Martedì 29 settembre 2015

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Foto Laboratorio Vladimir Olshansky – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Lunedì 12 ottobre 2015

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Foto Laboratorio Danio Manfredini – Laboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Lunedì 12 ottobre 2015

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Venerdì 12 febbraio ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

VANIA

ideazione e regia Stefano Cordella

drammaturgia collettiva

con Francesca Gemma, Vanessa Korn, Umberto Terruso, Fabio Zulli

ass. regia Daniele Crasti, Francesco Meola

organizzazione Giulia Telli

una produzione Oyes

“Tutti, finché siamo giovani, cinguettiamo come passeri sopra un mucchio di letame. A vent’anni possiamo tutto, ci buttiamo in qualsiasi impresa. E verso i trenta siamo già stanchi, è come dopo una sbornia. A quarant’anni poi siamo già vecchi e pensiamo alla morte. Ma che razza di eroi siamo? Io vorrei solo dire alla gente, in tutta onestà, guardate come vivete male, in che maniera noiosa. E se lo comprenderanno inventeranno sicuramente una vita diversa, una vita migliore, una vita che io non so immaginare.”

Così scriveva Anton Cechov in una delle sue lettere. E così abbiamo deciso di raccontare le paure, il senso di vuoto, la difﬁcoltà di sognare della nostra generazione attraverso una drammaturgia originale che pone le sue fondamenta sui temi e i personaggi principali di “Zio Vanja”.

Biglietti:
INTERO 10,00 €
RIDOTTO studenti under 25: 8,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 18,00 €

PREVENDITE PRESSO:
I.A.T. SERVIZIO TURISTICO ASSOCIATO
06024 Gubbio (PG) Via della Repubblica, 15
Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

Info e Prenotazioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 3474509248
info@centroteatraleumbro.it

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Sabato 20 febbraio ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

ARLECCHINO SERVITORE DI DUE PADRONI

tratto dalla commedia

Il servitore di due padroni

di Carlo Goldoni

Drammaturgia e regia Carlo Boso

Con

Davide Anzalone

Francesca Berardi

Marco Chiarabini

Erika Giacalone

Teo Guarini

Andrea Milano

Michele Pagliaroni

Arianna Primavera

Guido Targetti

Scene

Erica Marchetti

Luca Giombi

Erika Giacalone

Costumi

Sonja Signoretti

Maschere

Stefano Perocco

Produzione

Centro Teatrale Senigalliese

Comune di Senigallia

La commedia si svolge a Milano nel 1947 in casa di un vecchio imprenditore senza scrupoli dove si sta assistendo alla promessa di matrimonio tra sua figlia, Clarice, e Silvio, figlio di un politico romano. I due sono innamorati ed è una fortuna che possano promettersi, dato che Calogero Vizzini, notorio mafioso siciliano cui Clarice era destinata, è morto in una lite a causa della sorella di lui, Beatrice. Inaspettatamente, nella scena irrompe proprio Calogero Vizzini, venuto a Milano per incontrare la sua futura sposa. In realtà, colui che si presenta in casa degli allibiti personaggi è Beatrice Vizzini, sorella del defunto in vesti da uomo per poter andare in cerca di Lucky Lucania, boss della mala italoamericana e suo amante, fuggito a Milano in seguito al colpo mortale inferto di sua mano proprio a Calogero e che lei sta inseguendo. Tutti i personaggi saranno vittime delle bugie, dell’ingordigia e della scaltrezza dell’abile servitore Arlecchino, un reduce della campagna di Russia, che per svincolarsi da situazioni critiche, non fa altro che creare guai su guai. Arlecchino soffre la fame, mente, corteggia, ama, serve contemporaneamente due padroni, pasticcia la trama e la risolve, in un carosello fatto di lazzi, trovate di spirito e colpi di scena. La commedia è accompagnata da canti e musiche che spaziano dal blues, allo swing e ai grandi successi della tradizione italiana per il più grande coinvolgimento e divertimento del pubblico.

Lo spettacolo è adatto a tutta la famiglia.

Biglietti:
INTERO 10,00 €
RIDOTTO studenti under 25: 8,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 18,00 €

PREVENDITE PRESSO:
I.A.T. SERVIZIO TURISTICO ASSOCIATO
06024 Gubbio (PG) Via della Repubblica, 15
Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

Info e Prenotazioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 3474509248
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Sabato 27 febbraio ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

SIN AIRE

regia Silvana Pirone

con Sara Scarpati, Maria Teresa Vargas, Giovanni Granatina

costumi Gina Oliva

Finirà, prima o poi.

L’aria.

Quanto ne resta?

Senz’aria…

I contorni si dissolvono.

Entro in uno spazio più mio.

Ma chi c’è, qui con me?

Senz’aria…

Ma senz’aria forse stavo prima.

Prima di immergermi.

Prima di toccare il fondo di me.

Prima.

Quando ero al mio posto.

Quando ero in quello che dicevano era il mio posto.

Quando ero in quello che dicevano era il mio sogno.

Ma il mio sogno è questo? E’ davvero questo?

Bocca chiusa trattieni il fiato si va più in fondo.

Ho paura.

Devo tornare indietro.

A prendere un respiro.

Ma se torno indietro, avrò il coraggio di scendere di nuovo in fondo?

E guardarmi? Finalmente guardarmi?

Senz’aria.

Apnea necessaria.

Una donna. Una valigia. Un lino bianco e… polvere foglie sabbia. Le hanno chiesto di aspettare: ma il sorriso di quella speranza si dissolve in un respiro interrotto. C’è qualcuno con lei?

Sembra assurdo: la risposta è davanti ai nostri occhi, e non la vediamo.

C’è qualcuno con lei?

“ Shhh! Non puoi uscire… C’è troppo rumore…”

Biglietti:
INTERO 10,00 €
RIDOTTO studenti under 25: 8,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 18,00 €

PREVENDITE PRESSO:
I.A.T. SERVIZIO TURISTICO ASSOCIATO
06024 Gubbio (PG) Via della Repubblica, 15
Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

Info e Prenotazioni:
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Domenica 14 febbraio ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

OUT

Compagnia:

UnterWasser

Con:

Valeria Bianchi
Aurora Buzzetti
Stefan Andrei Balan

Ideazione, drammaturgia, regia, costruzione pupazzi, scene, costumi, suoni: Valeria Bianchi, Aurora Buzzetti, Giulia De Canio

Finalista Premio SCENARIOinfanzia2014

MENZIONE SPECIALE OSSERVATORIO STUDENTESCO

Selezione Visionari Kilowatt Festival 2015.

“Uno spettacolo bello e poetico, dove l’arte del teatro di figura può agevolmente uscire dalla tradizione per incamminarsi, come il bimbo protagonista della storia, verso nuovi orizzonti.” (M.Bianchi, EOLO)

OUT è il viaggio di iniziazione e formazione di un bambino che viene e-ducato (dal latino educere) cioè condotto fuori dalla sua casa, metafora delle sue certezze, e messo in relazione col mondo e con i suoi inevitabili contrasti. Il protagonista vive in un universo rassicurante, fatto di bianchi e di grigi, ha un petto-gabbia, dove tiene rinchiuso il suo cuore-uccellino, per paura che possa ferirsi o smarrirsi. Un giorno, però, il suo cuore decide di fuggire, costringendo il bambino ad uscire di casa per cercarlo.

OUT parla del passaggio dalla chiusura emotiva all’abbattimento delle barriere create da noi stessi per sentirci “al sicuro”. Questo tema è legato soprattutto al percorso di definizione della personalità che caratterizza il periodo di passaggio dall’infanzia all’adolescenza e ritorna continuamente, a diversi livelli e con diverse intensità, nel corso della vita di ognuno di noi.

OUT è uno spettacolo muto e visuale la cui estetica trae ispirazione da artisti come Mondrian, Calder, Rotkho, Folon, Steinberg, Escher. Utilizza la musica, i suoni e le onomatopee come amplificatori del sentimento e del significato. Il linguaggio poetico delle diverse tecniche utilizzate trasporta il pubblico in una dimensione onirica, trasmettendo il suo messaggio universale attraverso l’uso di archetipi

Biglietti:
INTERO 5,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 10,00 €

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Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

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Domenica 21 febbraio ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

GIU’ LE MANI DA NONNO TOMMASO

ispirato a “Nonno Tommaso”

scritto e illustrato da Stěpán Zavřel

ed. Bohem Press Italia s.r.l.

Regia: Fabiano Fantini

Attori: Roberto Pagura e Marta Riservato

Produzione: Molino Rosenkranz

Con Nonno Tommaso il tempo volava, persino durante le grigie giornate di pioggia. I passerotti del giardino diventavano uccelli tropicali e il pesce dell’acquario un drago fantastico e la vasca da bagno una nave che attraversa mari tempestosi. Il tempo scorreva felice, finchè non arrivarono gli Acchiappanonni…

Due attori, immagini e “pupazzi” per una storia magica e avventurosa, che tra le righe ci racconta del legame che unisce nonni e nipoti.

Stěpán Zavřel nato a Praga nel 1932, grande artista del ‘900 ha lasciato un segno profondo non solo nella Mitteleuropa, ma anche in Italia, in Friuli, in Veneto e in particolare a Sarmede, dove nel 1983 ha dato il via alla Mostra Internazionale dell’illustrazione per l’infanzia.

Biglietti:
INTERO 5,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 10,00 €

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Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

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Tel. 075 9258072 | Cell. 3474509248
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Domenica 28 febbraio ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

IL LIBRO DELLE OMBRE

Spettacolo di teatro d’attore, teatro d’ombre, lanterna magica

Prodotto da Teatro di Carta e Ombre Bianche Teatro

di e con Chiara Carlorosi, Marco Vergati

tecnico luci Martina Serpa

regia e drammaturgia Chiara Carlorosi e Marco Vergati

ispirato a “Storia straordinaria di Peter Schlemihl” di Adalbert von Chamisso

SPETTACOLO FINALISTA PLAYFESTIVAL 1.0 DI ROMA

La rappresentazione procede sospesa tra la fisicità del teatro d’attore e la magia del teatro d’ombre, strumento funzionale alla narrazione e integrato allo sviluppo drammaturgico del racconto. Al centro della scena l’enorme “Libro delle ombre” da cui i personaggi fuoriescono dando vita alla storia. La trama è ispirata al romanzo di Adalbert von Chamisso “Storia straordinaria di Peter Schlemihl”, in cui il protagonista scambia la propria ombra con una borsa prodigiosa da cui non si finisce mai di estrarre denaro.

L’ombra, per definizione attaccata alla persona, può rappresentare ciò che ognuno di noi ha di unico e irripetibile, vale a dire la propria individualità, la propria essenza, la personalità. La cessione dell’ombra del protagonista della storia è legata all’abbandono della sua passione, la scrittura, e della sua aspirazione, quella di diventare uno scrittore.

Al termine del percorso il giovane avrà imparato che non bisogna mai perdere di vista la strada dei propri sogni e che non si deve cedere alla tentazione di scorciatoie troppo facili.

Biglietti:
INTERO 5,00 €
ABBONAMENTO 3 SPETTACOLI: 10,00 €

PREVENDITE PRESSO:
I.A.T. SERVIZIO TURISTICO ASSOCIATO
06024 Gubbio (PG) Via della Repubblica, 15
Tel. 075 9220693 | info@iat.gubbio.pg.it

Info e Prenotazioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 3474509248
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Dal 1 al 21 agosto

V Edizione
Laboratorio internazionale e permanente di alta formazione

IL CLOWN-ATTORE _ ALLA SCOPERTA DELLA FORZA DELLA CREATIVITÀ

Laboratorio intensivo e residenziale diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY _ dal Cirque du Soleil

In questi 21 giorni di laboratorio intensivo e residenziale, a numero chiuso, gli allievi apprenderanno e svilupperanno i principi e i metodi delle tecniche del clown-attore, formeranno il carattere del proprio clown e creeranno un repertorio individuale.

Per partecipare è necessario inviare la propria candidatura entro il 15 aprile 2016 allegando il curriculum vitae e due foto. Successivamente è previsto un colloquio con Vladimir Olshansky.

L’arte della clownerie si basa su un elemento fondamentale: il clown-attore.
Figura eccentrica, spesso grottesca, il clown spazia dalla pantomima al teatro di parola, fondendo tecniche e stili diversi. Il nostro laboratorio ha lo scopo di far avvicinare gli attori a questa affascinante disciplina, di far scoprire e comprendere, attraverso una metodologia originale e di alto spessore tecnico le proprie risorse e il proprio talento comico. Si articolerà in tre settimane e terminerà con la presentazione dei lavori migliori emersi durante il percorso sotto forma di classe aperta, uno spettacolo-clown.
Spesso mi chiedono : a cosa serva l’arte del clown e come è possibile approfondirla?
La clownerie ci permette di stimolare la nostra creatività, di “trovare” inusuali soluzioni drammaturgiche, di ampliare il nostro repertorio e di arricchirlo di nuove idee e materiali originali.

Una master class intensiva e prolungata nel tempo è un’occasione unica per poter assaporare e comprendere profondamente quest’arte antica, sorprendente e dinamica.

“Alla fine degli anni Settanta, quando vinsi un premio a Mosca per le Arti dello Spettacolo, il mio sogno era quello di fondare un Teatro di Clown. Mi sono laureato alla Scuola del Circo di Mosca. Le mie idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov. Mentre studiavo arti circensi ho avuto modo di incontrare lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, dal cui talento sono stato completamente sedotto. E’ stato il primo clown a combinare insieme l’Arte del Circo e il teatro. Me ne tornai, allora, a Pietroburgo con l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista. Insieme a un clown ora conosciutissimo e molto dotato, Slava Polunin, fondammo il Gruppo Clown “Lizidei”. Nel frattempo io misi in piedi il mio primo “one man show”, uno spettacolo con me unico attore clown, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson. Nel 1997 sono stato invitato da Slava a recitare la parte del principale “clown giallo” nel suo “Snow show” al teatro Old Vic di Londra. I nostri rapporti non si sono mai interrotti. Alla fine degli anni 1990 con mio fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, abbiamo fondato “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit per attività artistiche e sociali. Abbiamo fatto esperienza come “hospital-clown” e lanciato questa nuova professione in Italia. Ho cominciato a lavorare al Cirque du Soleil come “guest -actor” in “Allegria” nel 2000. Ho lavorato con loro nelle tournées in Australia e Nuova Zelanda. Dopo una pausa la collaborazione è ripresa nel 2004 a New York, Philadelphia e Toronto. Il lavoro insieme al Cirque du Soleil mi ha indotto a inventarmi un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”, in cui ho potuto in parte mettere in pratica alcune mie idee sulla clownérie. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.”

Vladimir Olshansky

STRUTTURA DEL LABORATORIO

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’essere comico.
Slapstic, Buffonata, Excentrica, ecc…
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego.
I Tre centri del corpo umano.
Le Cinque fasi del lavoro.
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo.
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale.
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni.
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: lavoro sull’impulso.
I principi del lavoro con un oggetto.
Lavoro solo.
“Offerta”(comunicazione con il partner).

Vladimir Olshansky
Ha ricevuto vari riconoscimenti per la sua attività tra i quali il Raul Wallemberg Humanitarian Award, New York ,USA; il Michelangelo Award, Firenze, Italia; l’Award come miglior show ed artista dall’Entratainment Festival di Mosca, Russia.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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Dal 3 al 12 giugno 2016
I NAUFRAGI
Personali, collettivi, simbolici. Sociali, reali.

Laboratorio residenziale e intensivo diretto da
CESAR BRIE

Per partecipare è necessario inviare CV e 2 foto entro il 30 aprile 2016.

Nel seminario si affronteranno, in diverse fasi, tutti i temi principali alla base della poetica di César Brie, con l’obiettivo di applicare un metodo che si propone di formare un attore-poeta nel senso etimologico del termine: colui che crea e fa.

“Cerco di far riflettere attraverso esercizi, sugli elementi che formano la scena e la presenza di uomini, oggetti e tempo sulla stessa.
Insegno a improvvisare, cioè, a stare in scena in modo sereno, calmo. A osservare e dialogare con gli altri. A raccontare, trovare le proprie parole per dire quello che si vuole dire. A dialogare con l’altro.”

Il laboratorio sarà articolato in diverse fasi:
lavoro fisico (l’impulso e la forma, percezione, azione e composizione)
l’improvvisazione (lo spazio e le relazioni)
il coro (l’intimo e il plurale)
l’immagine (la creazione di metafore e immagini sceniche)
il montaggio (rapporto immagine e testo)

César Brie nasce a Buenos Aires, Argentina. Arriva in Italia a 18 anni con la Comuna Baires, gruppo teatrale di cui è cofondatore, recitando in più produzioni, dirette da Renzo Casali e Liliana Duca. Con questo gruppo ha cominciato a sviluppare un’arte apolide, a stretto contatto con le molte realtà incontrate in una vita passata per scelta in esilio. Dopo il 1975 crea a Milano il Collettivo teatrale Tupac Amaru, tra gli spettacoli prodotti A Rincorrere il Sole, Ehi, in collaborazione con Danio Manfredini e E tentavano infine di scappare. Dal 1981 al 1990 lavora insieme a Iben Nagel Rasmussen nel Gruppo Farfa e poi nel Odin Teatret nelle vesti di autore, regista e attore. Tre, tra i titoli di questi anni: Matrimonio con Dio e Talabot con la regia di Eugenio Barba e Il Paese di nod, regia e drammaturgia di César Brie. Poi da solo Il Mare in Tasca, Torneranno i miei figlie e con Naira Gonzalez Romeo e Giulietta. A seguito di queste esperienze nel 1991, fonda in Bolivia il Teatro de Los Andes col quale crea spettacoli che partono dalla storia o dai classici, ma calati profondamente nell’attualità: una serie di lavori esemplari destinati a girare il mondo (Ubu in Bolivia, Solo gli ingenui muoiono d’amore, I Sandali del Tempo, Dentro un sole giallo, Fagile, Otra vez Marcelo… l’Iliade, L Odisea). Su L’Iliade hanno scritto “Ci sono spettacoli – pochi, imprevedibili – che incantano e s’imprimono nella memoria come un’esperienza irripetibile. Gli spettatori se li raccontano a distanza di anni alimentandone il mito. L’Iliade del Teatro de Los Andes è uno di questi (….). Presentato in mezzo mondo, ha ovunque trascinato pubblico e critica in un consenso unanime, facendo gridare al capolavoro. Quasi duecento repliche in due anni. Tutti i temi del teatro di Brie sembrano fondersi qui in una profonda riflessione sulla violenza e sul tempo, nel tentativo di rivedere la tragedia antica alla luce della propria storia”. (Fernando Marchiori).
César Brie partecipa anche ad altre produzioni, come autore o regista: Il cielo degli altri, realizzato in Italia con gli attori del Teatro Setaccio; Zio Vanja di Anton Cechov, di cui cura la regia insieme a Isadora Angelini; Todos los ausentes, realizzato a Santiago del Cile con l’attore Hector Noguera del Teatro Camino; scrive I clienti, con la regia di Giancarlo Gentilucci per Arti e Spettacolo.
Dal 2010 in Italia crea Albero senza Ombra e 120 chili di jazz, Karamazov, Indolore, Il Vecchio Principe, La Mite, Viva l’Italia testo di R. Scarpetti di cui cura la regia. Nel 2015 debutta con lo spettacolo Ero.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
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TEATRO VALDOCA

Laboratori residenziali e selettivi

per attori, performer e danzatori

primo laboratorio 22/26 giugno 2016

secondo laboratorio 29 giugno/3 luglio 2016

direzione Cesare Ronconi

parole Mariangela Gualtieri

movimento Lucia Palladino

I due laboratori costituiranno momento di incontro per la costituzione di un gruppo di lavoro in vista di un nuovo progetto in progress di Teatro Valdoca. Saranno privilegiati i candidati che stanno iniziando il proprio percorso e sono desiderosi di una forte esperienza formativa.

RIVOLTATE LE INGIURIE FATENE PEZZI SERENI

RIVOLTATE LO SGUARDO IL

PENTIMENTO, RIVOLTATE LE BRACCIA

I PARAMENTI LE INSEGNE

SPEZZATE LE OSSA

NON TRANGUGIATE NON DORMITE

TENETEVI ALL’ERTA

CERCHIATE LA VITA. FATECI UN SEGNO.

…TORNATE. TORNATE TUTTI, NON SI PUÒ

STARE MORTI PER SEMPRE.

Mariangela Gualtieri da ‘Antenata’ _1992

Temi del lavoro

parola / ascolto poetico

la qualità del respiro
la capacità d’ascolto
potenza acustica della parola pronunciata
potenza acustica del silenzio all’interno del testo poetico
la mente alleata, la mente che intralcia
uso del microfono
studio dei poeti
il canto

corpo / movimento

sequenze

il riscaldamento e il risveglio del corpo fino a percepire l’architettura e l’energia del proprio movimento
la ricerca del movimento corale
esercitare il corpo all’abbraccio e all’ascolto
perfezionare la fluidità delle sequenze ritmiche di movimento
percepire il suono nello spazio in cui si agisce
ascoltare ciò che vive tra le cose e le persone

testi del lavoro

poesie d’amore

«L’attore, nel suo duplice darsi come singolarità e come coro, è sempre al di qua o al di là dell’azione, al di qua o al di là della parola, lontano dalla norma della vita e della lingua corrente, fra sub-umano – fatto di animalità e deformità – e sovrumano, in oracolarità e spirito eroico. L’attore non obbedisce ad un progetto ma con il suo allerta, con la sua attenzione, deve portarsi in salvo continuamente, trovare in ogni istante una via d’uscita: uscita da sé, nel vuoto che è chiamato ad abitare, come uno spossessato, in trasfigurazione. Allora il trucco con cui ritualmente segno sempre viso e corpo dell’attore, è manovra di semplificazione della fisionomia, guida al cancellamento dei connotati, alla trasfigurazione. È il trucco che usa la fisionomia dell’attore. Il trucco non si appone come aggiunta o mascheramento, ma risulta essere l’ultima membrana fra l’attore e il proprio silenzio, fra l’attore e il proprio niente, la propria totale nullità. Il trucco è sempre un velo da cui, sotto una certa angolatura, si sprigiona una nudità nella quale lo spettatore può vedere rispecchiato l’umano.

Ciò che l’attore incarnerà sulla scena, non si dà per aggiunta ma è cosa che giace nelle profondità dell’attore stesso, nel remoto del suo sangue. Da quelle profondità, da quella sepoltura, regista e attore chiamano un modo dell’essere, come si chiama uno spettro e di nuovo l’attore gli dà voce, sangue e respiro. L’attore può divagare continuamente ma non può evitare il combattimento.»

(Cesare Ronconi per Culture Teatrali n.25)

Modalità d’iscrizione

Gli interessati dovranno inviare via email:

• due foto, una in primo piano e una a figura intera in formato jpg o tif dal peso complessivo massimo di 800 KB

• un CV sintetico (in formato word) in cui siano indicate le esperienze artistiche e teatrali

• una breve lettera motivazionale (sempre in formato word), indirizzata a Cesare Ronconi

La mail dovrà pervenire all’indirizzo info@centroteatraleumbro.it entro e non oltre il 15 maggio 2016, specificando a quale dei due laboratori si intende iscriversi.

In base ai CV ricevuti Cesare Ronconi selezionerà i 16 partecipanti per ogni sessione.

L’esito della selezione sarà comunicato ai candidati entro il primo giugno 2016

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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Dal 2 al 11 settembre 2016
LABORATORIO TEATRALE
a cura di DANIO MANFREDINI

Per partecipare è necessario inviare CV e 2 foto entro il 15 luglio 2016.

Contenuti e obiettivi del laboratorio

Un laboratorio a partire da Danio Manfredini e dalla sua personale esperienza artistica che si basa sulla ricerca delle possibilità espressive dell’attore, figura che egli concepisce come creatore, come materia viva il cui estro nasce da un profondo lavoro su di sé, dalla sua intimità e consapevolezza.Il corpo come luogo fondamentale di ascolto ed espressione, esplorazione della vocalità, esplorazione della memoria emotiva come aspetti del training preparatorio dell’attore. Considerazione delle fondamentali convenzioni appartenenti all’arte del teatro e consapevolezza del disegno complessivo che conduce alla recitazione di un’opera teatrale.

Ogni partecipante dovrà portare un monologo estrapolato da testi pubblicati di teatro classico o contemporaneo (autori pubblicati entro l’anno 2000).

Si richiede inoltre a ogni partecipante la conoscenza della parabola degli accadimenti dell’opera di cui fa parte il monologo. I brani di recitazione saranno materiale di studio per gli allievi e verranno utilizzati come mezzo d’approccio alle opere teatrali, in un processo di scoperta che contempli la pratica del “non conosciuto”, intesa come avvicinamento all’atto della creazione scenica.

Danio Manfredini (Casalbuttano, 1957)
Si è formato con César Brie e Iben Nagel Rasmussen, è cresciuto nell’ambiente dei centri sociali, ha lavorato a lungo anche in strutture psichiatriche. Nel corso di quasi vent’anni ha prodotto rari e preziosi spettacoli, dove spesso recita solo, costruiti attraverso un feroce lavoro su di sé, un maniacale perfezionismo, una grammatica drammaturgica e gestuale complessa e raffinata ma di immediata comunicatività ed efficacia: tra di essi, La crociata dei bambini da Brecht (1984), Miracolo della rosa da Genet (1988), La vergogna (1990), Tre studi per una crocifissione (1997), nume tutelare Francis Bacon, e Al presente, più scopertamente autobiografico, che ha debuttato al Festival di Santarcangelo nel 1999. Di recente ha collaborato con Raffaella Giordano (alla drammaturgia) e con Pippo Delbono (come attore e cantante).
Nel teatro italiano rappresenta una luminosa eccezione. Il suo è un percorso artistico eccentrico, i suoi lavori non sono prodotti più o meno riusciti, ma organismi viventi, che nascono, crescono e poi – forse – muoiono, quando il loro autore percepisce che l’energia che li animava si è spenta, oppure ha preso un’altra direzione e ha bisogno di una nuova forma. Il suo non è solo teatro, o meglio la scoperta – quasi il “miracolo” – di uno dei teatri possibili. E’ pittura, perché nei suoi gesti minimi e ineluttabili si condensano insieme la traiettoria della mano che traccia il segno e il segno stesso. E’ danza, nel ritmo e nella concatenazione dei movimenti, nell’occupazione dello spazio. E’ poesia, nella riflessione sulla marginalità e sul diverso che costituisce forse il filo rosso di tutto il suo percorso: sofferta e mai esibita, che rifugge da ogni sentimentalismo e banalità.
Li mostra di rado, i suoi spettacoli, perché sono viaggi nell’amore e nel dolore, scavi dentro di sé e dentro la propria ricerca dell’altro, e avvilirli nella routine delle repliche e delle tournée sarebbe un inutile spreco, quasi un oltraggio.
Se però parlate con molti degli artefici e degli appassionati del nuovo teatro italiano, scoprirete che Danio è un maestro segreto, che nei suoi seminari ha segnato numerose carriere artistiche: con il suo rigore, la sua esperienza, la sua saggezza, e ovviamente una competenza acquisita attraverso anni di prove, di improvvisazioni e di ricombinazioni drammaturgiche. Ma è soprattutto la sua integrità di artista a offrire un esempio e un punto di riferimento importante per tutti.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 6 al 10 luglio 2016
GLI DEI. GLI UOMINI. IL TEATRO.
Laboratorio teatrale per attori e drammaturghi
a cura di ANDREA DE ROSA

Per partecipare è necessario inviare il materiale richiesto entro il 5 giugno 2016.

Il laboratorio sarà incentrato sul rapporto teatrale tra gli uomini e gli Dei. Fin dalla nascita del teatro, infatti, gli Dei sono stati una presenza costante, ingombrante, necessaria della nostra storia teatrale e culturale. Ma come osserva giustamente Nietzsche, gli Dei della Grecia sono immortali ma non eterni. A differenza del Dio del monoteismo essi sono nati. Possiedono una vita, tutt’altro che statica e indifferente. Non soffrono ma sono travolti dalle passioni. Sono a fianco a noi ma nello stesso tempo irreparabilmente lontani. Il teatro greco ha avuto bisogno di questi personaggi, li ha messi in scena per provare a comprenderli, ma soprattutto per provare a comprendere, attraverso di loro, il mistero degli uomini, il loro stare al mondo senza spiegazioni. Quanto a questo grande mistero, purtroppo, ancora oggi siamo nella stessa condizione dei greci. Dio è morto, per sempre. Eppure la risposta al grande mistero della vita non è stato neppure sfiorato. Il teatro non può far resuscitare i morti, neanche se sono Dei, ma può continuare a interrogare quei personaggi e quei testi, alla ricerca di qualcosa che valga.

Il materiale drammaturgico sarà suddiviso nelle seguenti categorie:

Gli dèi:

– Dèi gelosi di Dèi. (Era, Afrodite, etc.)

– Dèi gelosi degli uomini (Atteone, etc.)

– Dèi che non tollerano la tracotanza degli uomini. (Prometeo, etc.)

– Il terrore come manifestazione del divino. Uomini che non riescono a

sostenere la vista degli dèi (Semele, Tiresia, etc.).

– La meraviglia, lo stupore come manifestazione del divino. Forme che gli dèi

assumono per entrare in contatto con gli uomini: cigno (leda), toro (europa),

pioggia d’oro (danae), etc

– Il rito come manifestazione del divino. Dioniso. Lontano dalla terra ma non

abbastanza da sparire dall’orizzonte degli uomini. Il monte Olimpo.

– L’invocazione del divino. La potenza negativa della parola. La maledizione

(Teseo maledice Ippolito, Edipo maledice Polinice, Ecuba “maledice” Zeus

(nelle Troiane), etc.)

Il Dio unico:

–   Il Dio creatore (la Genesi)
–   Il Dio che scrive (Mosè)
–   Il Dio che muore (“La ricotta” di Pasolini)
–   Il Dio che non parla (“Il grande Inquisitore” di Dostoevskij)
–   Il Dio dell’estasi (santa Teresa d’Avila)

Risvolti comici:
– Il miracolo. La preghiera. La “grazia”. (lo sketch in cui Massimo Troisi chiede la

grazia a San Gennaro per vincere al lotto)

I partecipanti riceveranno preventivamente dei testi da studiare.

Per la selezione si richiede:
– curriculum vitae
– due fotografie (primo piano e figura intera)
– eventuale presentazione video (gradita ma non obbligatoria – di durata non

superiore al minuto)

Il materiale richiesto è da inviare a info@centroteatraleumbro.it entro il 5 giugno.

Si prega di specificare in modo dettagliato se si è in grado di leggere la musica, di suonare uno strumento musicale o di cantare.

INVIARE LA PROPRIA CANDIDATURA ENTRO E NON OLTRE IL 5 GIUGNO 2016

ANDREA DE ROSA

Laureato in Filosofia nel 1994, ha cominciato la sua attività di regista dirigendo vari cortometraggi tra i quali Appunti per una fenomenologia della visione, premiato al Festival Internazionale Cinema Giovani di Torino. Nel 2014 realizza con Idomeneo di Mozart la sua prima regia operistica e da allora alterna costantemente il suo lavoro fra prosa e opera lirica. In campo operistico ha spaziato dal Novecento con Curlew river di Britten,Satyricon di Maderna e un trittico per il Sao Carlos di Lisbona (Sancta Susanna,Erwartung e, in prima mondiale assoluta, Il dissoluto assolto di Azio Corghi su libretto di José Saramago) al melodramma ottocentesco con Macbeth, L’elisir d’amore a Copenhagen, Maria Stuarda al San Carlo di Napoli e Don Pasquale, disponibile in DVD, nato nel 2006 a Piacenza e ripreso a Madrid nel 2013, sempre sotto la direzione Riccardo Muti con il quale collabora ancora al Festival di Pentecoste di Salisburgo 2008 con Il matrimonio inaspettato di Paisiello. Nel campo della prosa le sue prime produzioni sono caratterizzate da un grande interesse per i personaggi tragici: Encomio di Elena tratto dal testo del filosofo sofista Gorgia da Lentini, Le Troiane di Euripide, Il decimo anno da Euripide ed Eschilo, Elettra di von Hofmannsthal, Maria Stuart di Schiller, Molly Sweeney di Brian Friel, La Tempesta e Macbeth di Shakespeare. Dal Dicembre del 2008 al maggio 2011 è stato direttore del Teatro Stabile di Napoli per il quale, oltre alla Tempesta, ha messo in scena Tutto ciò che è grande è nella Tempesta, sull’opera di Martin Heidegger, il maggiore filosofo del Novecento. Nel giugno del 2011, per il Teatro Stabile e il Teatro Regio di Torino, ha curato la regia di Manfred di G.G.Byron, nell’edizione teatrale completa, con le musiche di R. Schumann dirette da Gianandrea Noseda e ancora a Torino per lo Stabile ha diretto Macbeth, con il quale è stato in tournèe nel 2012 e 2013 nei maggiori teatri italiani. Successivamente ha diretto Norma per l’Opera di Roma alle Terme di Caracalla e Studi sul Simposio di Platone per il Teatro di Modena. Tra i suoi impegni recenti e futuri: la ripresa di Studi sul Simposio al Franco Parenti di Milano, l’inaugurazione della Stagione a Sao Paulo con Il trovatore,Falstaff allo stabile di Torino (un suo adattamento dall’Enrico IV ed Enrico Vshakespiriani), l’inaugurazione della Stagione alla Fenice con Simon Boccanegrasotto la direzione di Myung Whun Chung, il dittico Goyescas e Suor Angelica al Regio Torino in coproduzione con il Comunale di Firenze e il San Carlo di Napoli,Luisa Miller a Napoli e Fedra di Seneca a Modena, Reggio Emilia, Bologna e Torino, Simon Boccanegra a Genova e a San Pietroburgo.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
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IL GIARDINO DEI CILIEGI

Nella stanza dei bambini

Atelier di creazione teatrale condotto da Alessandro Serra

Compagnia Teatropersona

25 | 26 | 27 | 28 | 29 agosto 2016

“Ipoeti sostengono che noi ritroviamo in un attimo ciò che siamo stati un tempo rientrando in quella tal casa,

in quel tale giardino dove eravamo vissuti da giovani.

Si tratta di pellegrinaggi molto rischiosi e a seguito dei quali si contano altrettante delusioni che successi.”

Marcel Proust

PREMESSA

La Camera che ancora oggi è chiamata dei bambini.

Così inizia il giardino dei ciliegi ed è già l’indicazione fondamentale. Tra poco arriveranno gli abitanti di quella stanza: hanno viaggiato molto, hanno vissuto e dissipato la loro vita, sono invecchiati, ma restano pur sempre bambini.

Il sentimento che pervade l’opera non ha a che fare con la nostalgia o con i rimpianti quanto piuttosto con qualcosa di indissolubilmente legato all’infanzia quanto certi organi che non esistono più nell’uomo adulto.

Cechov non è un attore, è un medico. Avvezzo a curare persone e non personaggi. Non scrive copioni ma partiture musicali per anime.

Il giardino dei ciliegi è una danza di anime, un valzerino allegro.

Non vi è alcun tono elegiaco, è vita condensata: si dice, si agisce. Non c’è trama, non accade nulla, tutto è nei personaggi.

Un teatro musicale la cui partitura è iscritta nelle azioni e nelle parole.

I dialoghi sono monologhi interiori che si intrecciano e si attraversano. Tutto è dialogo, ogni parola possiede i colori di chi la dice ma anche quelli di colui al quale è rivolta.

I gesti e le voci degli attori che agiscono e parlano si nutrono degli altri. Un unico respiro, un’unica voce. Affinché lo spettatore arrivi a chiedersi nel segreto: ma chi è che parla? Come la voce che accompagna la magia di Charlotta che, scrive Cechov, proviene da sotto il pavimento e non da lei.

Infondere densità alla scena, allo sfondo.

Ascoltare. Non fingere di.

Stare come attore e come personaggio, nello stesso momento.

Per fare ciò occorre risvegliare la memoria fisica, quella involontaria delle membra.

Ciò che il corpo non sa di sapere.

Distillare la vita.

In coro.

Nel teatro di Anton Cechov non si interpretano personaggi ma moltitudini.

FASE PREPARATIVA

Ogni attore dovrà leggere Il giardino dei Ciliegi di Anton Cechov possibilmente nella traduzione di Angelo Maria Ripellino o di Clara Strada Janovic, e impararne a memoria una piccola parte.

Quindi dovrà portare con sé:

1. Indumenti comodi per il training

2. Quaderno per gli appunti

3. Un abito completo con accessori per vestire uno dei personaggi della commedia

4. Una vecchia valigia di qualsiasi dimensione

5. Un oggetto preso dalla propria stanza d’infanzia che non sia un giocattolo.

6. Una fonte luminosa

L’ATELIER

Allenamento

Riscaldamento fisico

Relazione tra il bacino e la colonna vertebrale: gestione e direzione dell’energia

Scrivere con il corpo, esercizi di composizione.

Gestione del peso e dell’equilibrio

La voce: canto e polifonia

Il coro

Creazione

Analisi del testo

Costruzione e composizione: rapporto fra attore, personaggio e figura

Gli oggetti: rapporto tra attore, oggetto e spazio scenico

Drammaturgia dell’immagine: comporre e costruire la scena

La luce: relazione carnale tra attore e fonti luminose

ALESSANDRO SERRA si avvicina giovanissimo al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman e la pratica delle arti marziali. Studia come attore inizialmente avvicinandosi alle azioni fisiche e ai canti vibratori di Grotowski, per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejercho’ld e Decroux. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena i propri spettacoli che scrive e dirige, creandone le scene, i costumi, le luci e i suoni. Negli ultimi anni il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si è concretizzato nella creazione di una “trilogia del silenzio”, in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di Samuel Beckett, Bruno Schulz e Marcel Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l’infanzia, “Il Principe Mezzanotte”, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all’estero. Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Germania, Russia, Spagna, Polonia.

Negli ultimi anni collabora come regista ospite con la compagnia Accademia Arte della Diversità di Bolzano e con il Teatro di Sardegna.

Creazioni: 2000 Nella città di K | 2003 Cechov non ha dimenticato | 2005 Theresienstadt | 2006 Beckett Box (Premio europeo Beckett & Puppet) | 2008 Il Principe Mezzanotte (Premio dell’Osservatorio critico degli studenti al Premio Scenario Infanzia) | 2009 Trattato dei manichini (Premio ETI Nuove Creatività; Premio Lia Lapini di scrittura di scena) | 2011 AURE | 2013 Il Grande Viaggio (Premio del pubblico al FIT Festival di Lugano)| 2014 MACBETTU (studio vocale) | 2015 L’ ombra della sera; H+G con gli attori dell’Accademia Arte della Diversità.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Da 13 al 17 luglio 2016
CARLO BOSO
L’ARTE DELLA COMMEDIA

Il laboratorio della durata di cinque giorni si rivolge a tutti coloro che intendano approfondire la conoscenza sia teorica che attoriale della Commedia dell’Arte.
La Commedia dell’Arte si appoggia su uno stile di rappresentazione totale, sul gioco d’ensemble, sul virtuosismo e l’istinto drammaturgico dell’attore. Ad un attore di Commedia si richiedono qualità d’interprete, mimo, musico, acrobata, ballerino e improvvisatore.

Struttura del laboratorio:
Introduzione storica alla Commedia dell’Arte
Studio e pratica delle tecniche espressive della Maschera
Principi di drammaturgia
Improvvisazione
Attitudini dei tipi della Commedia

Carlo Boso
Nato a Vicenza nel 1946, Carlo Boso si è diplomato alla scuola del Piccolo Teatro di Milano. Ha partecipato alla realizzazione di opere teatrali dirette da diversi registi, tra i quali Massimo Castri, Peppino de Filippo, Dario Fo, Giorgio Strehler, Ferruccio Soleri. Fondatore del TAG Teatro, in qualità di drammaturgo e regista ha scritto e diretto spettacoli, che sono stati rappresentati nei principali Festival internazionali. Ha curato inoltre la regia di testi di Brecht, Shakespeare, Goldoni, Molière, Racine, Genet, Büchner, Dario Fo, Carlo Gozzi. È stato direttore artistico del Festival di Montmartre a Paris, del Festival di Carcassonne, del Carnevale di Venezia e di Milano Aperta. Nel 2004 ha fondato l’AIDAS (Académie Internationale Des Arts du Spectacle) che ha sede a Versailles.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
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Dal 20 al 24 Luglio

ELENA BUCCI
VIAGGIO IN ITALIA
NEL CUORE DEL TEMPO DEL SOGNO
pensando a William Shakespeare
Stage residenziale e intensivo con Elena Bucci – Compagnia Le belle bandiere
Non mi abituo all’ampiezza e alla profondità dell’opera di Shakespeare e ogni volta trovo nuove ispirazioni che mi dimostrano quanto importante sia per le comunità la funzione del teatro, quando la si tenga cara e nella giusta considerazione: trasforma il coro spesso inespresso delle molte voci della storia in materiale poetico sempre vivo che ci aiuta a comprendere il presente, ma non solo. E siamo alla prima trasformazione del tempo in sogno: attraverso i testi e la scia di emozione che hanno lasciato nell’aria gli attori, i secoli passati diventano un ponte verso palcoscenici lontani nei quali possiamo incontrare chi non è più, sentire il profumo di altre epoche e studiare quello che siamo.
Questa ricca raccolta di materiali, realizzata attraverso il lavoro e il talento di un poeta e di un uomo di teatro che sapeva ascoltare e raccogliere la voce di molti e registrare la sapienza della scrittura scenica dei suoi attori – in teatro si è a volte ladri inoffensivi che rubano per restituire – sarà la nostra sala dei giochi nella quale approfondire la questione del tempo e del sogno, tanto importante in scena, ma forse anche nella vita:
come diventarne padroni, quanto si possa annullare, espandere e contrarre il tempo, come il sogno possa guidarci alla ricerca di materiali autobiografici, come possano entrambi danzare con la nostra azione e diventare ritmo e testo.
Nel cuore del tempo e del sogno, il tempo e il suo scorrere, il sogno e il suo sparire non ci sgomentano ma ci guidano.
Si metterà a punto una forma di riscaldamento fisico e vocale adatto ai partecipanti per recuperare concentrazione e capacità di creazione.
Si lavorerà poi sui testi e sulla loro libera elaborazione, passando dalla lettura, all’improvvisazione e alla riscrittura con l’intento di arrivare alla realizzazione di una sequenza il cui montaggio risulterà dal lavoro collettivo del gruppo stesso.
Si consiglia:
di leggere o rileggere qualche parte dell’opera di Shakespeare, con molta libertà,
di portare abiti comodi ma non sportivi che comprendano pantaloni e gonne, sia per le signore che per i signori,
di avere con sé carta e penna.

Elena Bucci

Regista, attrice, autrice, Elena Bucci ha fatto parte del nucleo storico del Teatro di Leo di Leo de Berardinis partecipando a tutti gli spettacoli, da King Lear a Il ritorno di Scaramouche. Ha lavorato tra gli altri con Mario Martone e Claudio Morganti. Fonda con Marco Sgrosso la compagnia Le Belle Bandiere con sede a Bologna e a Russi (Ra), per la quale creano spettacoli, progetti e rassegne per la comunicazione tra le arti e contribuiscono con eventi alla riapertura di nuovi spazi e del Teatro Comunale di Russi. Cura regia, drammaturgia e allestimento di spettacoli distribuiti nei più importanti teatri nazionali (dal Teatro di Roma al Teatro dell’Elfo di Milano alla Pergola di Firenze) e all’estero (recente il passaggio dal Teatro Nazionale di Pechino e Mosca) e nei quali è spesso in scena. Spazia da riletture di testi classici in chiave contemporanea – tra gli altri: Macbeth, Hedda Gabler, Locandiera, Antigone, L’Amante, Delirio a due, Santa Giovanna dei Macelli fino al cechoviano Svenimenti e al più recente La Canzone di Giasone e Medea – a drammaturgie basate sulla commistione dei codici artistici spesso in musica – come: Bambini, azioni di teatro pittura e luce (ideato con Davide Reviati e Claudio Ballestracci, Santarcangelo dei Teatri) Smemorantide, Colloqui con la Cattiva Dea (musiche di Simone Zanchini, Ravenna Festival) – e a scritture originali – tra le quali: Non sentire il male/dedicato a Eleonora Duse, Barnum, In canto e in veglia (vincitore I Teatri del Sacro 2013), La pazzia di Isabella/vita e morte dei Comici Gelosi (con Marco Sgrosso), Bimba/inseguendo Laura Betti, Vite altrove/maestre dentro e fuori scena (produzione Radio 3) – molti dei quali realizzati in collaborazione con Teatri Nazionali come ERT, Teatro della Toscana, Teatri di Rilevante Interesse Culturale (in particolare il Centro Teatrale Bresciano, ma anche Mercadante di Napoli e Metastasio di Prato), Festival, Fondazioni, Università e altre compagnie. Cura regìe per Ravenna Festival, collaborando con Nevio Spadoni e Luigi Ceccarelli come Galla Placidia, Francesca da Rimini e Byron e Teresa (con Chiara Muti), Le Apocalissi (con Massimo Cacciari), recita in Tenebrae, opera di Adriano Guarnieri per la regia di Cristina Mazzavillani Muti, scrive e interpreta Folia Shakesperiana (con Chiara Muti). E’ stata la prima interprete italiana di Medea di Benda, progetto e direzione musicale di Manlio Benzi per il quale dirige anche Tempesta e Sogno di una notte di mezz’estate. Si occupa anche di formazione presso scuole e accademie e cura progetti speciali di trasmissione dell’arte teatrale. Attraversa cinema (Corsicato, Guadagnino, Pretolani, Valli, Sordillo) e radio nazionali. Si aggiudica, tra gli altri, il premio Ubu, il premio Eti Olimpici per il teatro, il premio Hystrio Altre Muse.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
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I PARADISI PERDUTILaboratori 2015 Festival “Di umanità si tratta” VIII Edizione
Posted by Centro Teatrale Umbro on Domenica 26 luglio 2015

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Dal 14 al 18 settembre

LA NOTTE OSCURA DELL’ANIMA
Laboratorio per attori professionisti a cura di
PIERPAOLO SEPEC’è un volo, un sogno, un lontano da sè dove andare. Create qualcosa che ancora non esiste. Raggiungete le vette più alte e pericolose. Ed io sarò lì a tenervi la mano.
Un lavoro intensivo e residenziale, un incontro ravvicinato con un regista che ha fatto della sperimentazione il suo tratto distintivo.

Bando di selezione – scadenza 7 AGOSTO 2016

per partecipare inviare curriculum aggiornato e n° 2 foto a:

info@centroteatraleumbro.it
indicando nell’oggetto: selezione stage Sepe.
Pierpaolo Sepe inizia la sua attività di regista teatrale nel 1991, e da allora ha firmato oltre cinquanta regie. Nel 1997 inizia una collaborazione artistica con il centro di produzione teatrale Nuovo Teatro Nuovo di Napoli, in atto ancora oggi. Nel 2005 vince il Premio Flaiano come miglior regista teatrale; nel 2012 l’Associazione Nazionali dei Critici di Teatro gli assegna il Premio della Critica 2012 per la regia de “Le Cinque Rose di Jennifer”; vincitore, sempre nel 2012, del MArteAwards, premio italiano all’innovazione artistica, per la regia di Anna Cappelli con Maria Paiato. Nella stagione 2013/2014 i teatri italiani ospitano le sue ultime due regie: SIK SIK di Eduardo de Filippo, con Benedetto Casillo – presentato al Festival Benevento Città Spettacolo – e MEDEA di Seneca, con Maria Paiato, che apre in prima assoluta la stagione del Piccolo Teatro di Milano. Firma negli ultimi anni:, ZIO VANJA di Cechov, CRAVE di Sarah Kane per il Napoli Teatro Festival 2015 e IL SERVO di Robin Maugham per il Napoli Teatro Festival 2016. Amante ed esploratore della drammaturgia contemporanea, propone un teatro con evidenti finalità politiche e sociali, alla continua ricerca di nuovi linguaggi espressivi. Convinto sostenitore della centralità dell’attore, auspica un teatro figlio di una reale collaborazione tra i ruoli.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Sabato 12 novembre ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

IO, MAI NIENTE CON NESSUNO AVEVO FATTO.

scritto e diretto da Joele Anastasi
con Joele Anastasi, Enrico Sortino, Federica Carruba Toscano
scene e costumi Giulio Villaggio
disegno luci Joele Anastasi
aiuto regia Nicole Calligaris
foto Dalila Romeo
video Davide Maria Marucci Giuseppe Cardaci
graphic designer Giuseppe Cardaci
ufficio stampa leStaffette
produzione Progetto Goldstein
co-produzione Vuccirìa Teatro

Un paesino di Sicilia, fine anni ‘80. Due cugini tentano di combattere il loro destino per sognare, lei di lasciare quell’isola che li culla e li affoga, lui di amare liberamente un uomo. Come in una tragedia antica va espiata la colpa di chi si ribella e il giovane puro è sporcato dallo spettro dell’Hiv. Lui che ‘mai niente con nessuno aveva fatto’ s’infetta d’amore.

San Diego International Fringe Festival 2014. Roma Fringe Festival 2013. Stazioni D’Emergenza Teatro Stabile D’Innovazione Galleria Toledo Napoli. Festival Direction Under 30 Teatro Sociale Gualtieri.

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
info@centroteatraleumbro.it
Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Sabato 19 novembre ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

NIENTE PANICO.

*vaneggiamenti di un patafisico involontario

spettacolo, testo, canzoni e voci varie di Luca Avagliano

luci a cura di Marco Santambrogio

scena a cura Eva Sgro’

elaborazione audio Tommaso Andreini

confronto in amicizia sul testo Astutillo Smeriglia

la canzone “Filumè” è stata musicata da Michele Maione

residenza, sostegno organizzativo Simone Martini per Kanterstrasse (Terranuova B.ni – AR)

ospitalità per la residenza torinese Piattaforma Co.H (Torino)

“Un incontenibile flusso d’incoscienza spazia dalla poesia al catechismo, dalla scienza alla saggezza popolare, dalla psicanalisi all’equitazione, dall’amore a… gli alieni, forse unica via d’uscita e di salvezza, anche se, restando fermo immobile in attesa di un raggio traente, è facile farsi prendere dal panico… magari basterebbe correre per non farsi prendere, e, uscendo, potrebbe anche accorgersi di non essere così solo nell’universo.”

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
info@centroteatraleumbro.it
Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Sabato 26 novembre ore 21,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

DUE PASSI SONO.

di Carullo-Minasi

regia, testi ed interpretazione di Giuseppe Carullo e Cristiana Minasi

scene e costumi Cinzia Muscolino

disegno luci Roberto Bonaventura

aiuto regia Roberto Bitto

produzione Carullo-Minasi e Il Castello di Sancio Panza

“…Essi si sarebbero svegliati e si sarebbero affrettati a baciarsi l’un l’altro,

affrettandosi ad amare, avendo coscienza che i giorni sono brevi,

che era tutto quello che rimaneva loro.

Si sarebbero affrettati ad amare

per spegnere la grande tristezza che era nei loro cuori (…)”

F. Dostoevskij

“Un uomo e una donna si ritrovano sul grande palco dell’esistenza, nascosti nel loro mistero di vita che li riduce dentro uno spazio sempre più stretto, dall’arredamento essenziale, stranamente ingigantito, alla stregua dell’immaginario dei bimbi in fase febbricitante. Sembrano essere chiusi in una scatoletta di metallo, asettica e sorda alle bellezze di cui sono potenziali portatori, ma un “balzo” aprirà la custodia del loro carillon.”

Premio Scenario per Ustica 2011 / Premio In-Box 2012 / Premio Internazionale T. Pomodoro 2013

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
info@centroteatraleumbro.it
Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Domenica 13 novembre ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

DOTTOR JEKYLL E MISTER HYDE. i buoni lo pensano, i cattivi lo fanno

uno spettacolo comico senza parole di Francesco Niccolini

molto liberamente ispirato
al romanzo di Robert Louis Stevenson “Lo strano caso del Dottor Jekyll e Mister Hyde”
agli omicidi di Benjamin Barker, meglio noto come Sweeney Todd
e al cattivo effetto del caffè sulla popolazione anglosassone

con Dario Cadei e Fabrizio Pugliese

drammaturgia e regia: Francesco Niccolini

musiche originali Leone Marco Bartolo

scene Pamela Giunco e Stefania Giunco

costumi Cristina Mileti

luci Otto Marco Mercante

consulenza alla regia Giuseppe Semeraro

“Jekyll è un medico grigio, annoiato, ossessionato dai sensi di colpa, pieno di inibizioni, eppure colmo di ogni tipo di desiderio vietato. Fa esperimenti e genera un altro se stesso, mister Hyde, che mette in pratica tutto ciò che il dottore vorrebbe fare. Il risultato è una storia dove si ride con gusto di ciò che è vietato ridere.”

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
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Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Domenica 20 novembre ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

IL PRINCIPE MEZZANOTTE.

di Alessandro Serra

con Andrea Castellano, Massimiliano Donato, Silvia Valsesia

regia, scene, luci: Alessandro Serra

Realizzazione ombre: Chiara Carlorosi

Produzione: Compagnia Teatropersona | Accademia Perduta Romagna Teatri

“C’è una volta un principe, dico c’è perché mica è morto poveretto, un principe di nome Mezzanotte, nato a mezzanotte e perdutamente innamorato del buio e delle stelle… Non ci resta che entrare nel castello se vogliamo sapere come andrà a finire, sì, proprio attraverso il comò, ve l’ho detto che è magico, non temete, il principe è molto ospitale…”

SPETTACOLO FINALISTA PREMIO SCENARIO INFANZIA 2008 / PREMIATO COME MIGLIOR SPETTACOLO DALL’OSSERVATORIO CRITICO DEGLI STUDENTI

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
info@centroteatraleumbro.it
Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Domenica 27 novembre ore 17,00

Teatro comunale di Gubbio “LUCA RONCONI”

CHENDITRI’. L’albero delle caramelle

Regia: Obsoleta Teatro Drammaturgia: Greta Marzano

In scena: Natasha Czertok, Greta Marzano, Martina Pagliucoli

Musiche dal vivo: Enrico Scavo

Scenografie: Obsoleta Teatro con la collaborazione di Guerrino Guerra e di Giulia Osti per le animazioni grafiche.

"Langmann, mercante di caramelle, viaggia  per collaudare la sua ultima invenzione: la Caramellina, un seme che in pochissimo tempo fa nascere gigantesche piante caramellose; il governo di Balalla lo autorizza a impossessarsi di tutte le terre del paese per piantare i suoi “ChendiTree”. Che ne sarà delle antiche piantagioni di Idrissa? Langmann riuscirà a trasformare l'intero paese in una fabbrica di caramelle?"

Biglietti:
TEATRO CONTEMPORANEO € 10,00
Ridotto per studenti e fino a 25 anni € 8,00
In abbonamento 3 spettacoli € 18,00

FAMIGLIE A TEATRO BIGLIETTO UNICO € 5,00
Per la Rassegna Famiglie a Teatro i posti non sono numerati.
Per lo spettacolo IL PRINCIPE MEZZANOTTE è previsto un pubblico massimo di 100 persone.

PREVENDITA PRESSO:
I.A.T. Servizio Turistico Associato
06024 Gubbio Via della Repubblica, 15
0759220693 – info@iat.gubbio.pg

INFO E PRENOTAZIONI:
info@centroteatraleumbro.it
Tel./Fax 0759258072
Cell. 3389788533 – 3477161585

FUORI TRACCIA è una tappa del progetto triennale denominato URA _ Umbria Residenze Arte, è realizzato con il sostegno del Mibact, della Regione Umbria e del Comune di Gubbio. La Seconda Edizione è patrocinata dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Gubbio.

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Dal 6 al 26 agosto

VI Edizione
Laboratorio internazionale e permanente di alta formazione

IL CLOWN-ATTORE _ ALLA SCOPERTA DELLA FORZA DELLA CREATIVITÀ

Laboratorio intensivo e residenziale diretto da

VLADIMIR OLSHANSKY _ dal Cirque du Soleil

In questi 21 giorni di laboratorio intensivo e residenziale, a numero chiuso, gli allievi apprenderanno e svilupperanno i principi e i metodi delle tecniche del clown-attore, formeranno il carattere del proprio clown e creeranno un repertorio individuale.

Per partecipare è necessario inviare la propria candidatura allegando il curriculum vitae e due foto.

L’arte della clownerie si basa su un elemento fondamentale: il clown-attore.
Figura eccentrica, spesso grottesca, il clown spazia dalla pantomima al teatro di parola, fondendo tecniche e stili diversi. Il nostro laboratorio ha lo scopo di far avvicinare gli attori a questa affascinante disciplina, di far scoprire e comprendere, attraverso una metodologia originale e di alto spessore tecnico le proprie risorse e il proprio talento comico. Si articolerà in tre settimane e terminerà con la presentazione dei lavori migliori emersi durante il percorso sotto forma di classe aperta, uno spettacolo-clown.
Spesso mi chiedono : a cosa serva l’arte del clown e come è possibile approfondirla?
La clownerie ci permette di stimolare la nostra creatività, di “trovare” inusuali soluzioni drammaturgiche, di ampliare il nostro repertorio e di arricchirlo di nuove idee e materiali originali.

Una master class intensiva e prolungata nel tempo è un’occasione unica per poter assaporare e comprendere profondamente quest’arte antica, sorprendente e dinamica.

“Alla fine degli anni Settanta, quando vinsi un premio a Mosca per le Arti dello Spettacolo, il mio sogno era quello di fondare un Teatro di Clown. Mi sono laureato alla Scuola del Circo di Mosca. Le mie idee sulla clownérie nascono dai Maestri del cinema muto: Charlie Chaplin, Max Linder e Buster Keaton, oltre ai leggendari registi russi Mejerchol’d e Vachtangov. Mentre studiavo arti circensi ho avuto modo di incontrare lo straordinario clown russo Leonid Engibarov, dal cui talento sono stato completamente sedotto. E’ stato il primo clown a combinare insieme l’Arte del Circo e il teatro. Me ne tornai, allora, a Pietroburgo con l’idea di un Teatro di Clown, con un clown-attore come protagonista. Insieme a un clown ora conosciutissimo e molto dotato, Slava Polunin, fondammo il Gruppo Clown “Lizidei”. Nel frattempo io misi in piedi il mio primo “one man show”, uno spettacolo con me unico attore clown, in cui possono riconoscersi le influenze artistiche sia di Beckett che di Robert Wilson. Nel 1997 sono stato invitato da Slava a recitare la parte del principale “clown giallo” nel suo “Snow show” al teatro Old Vic di Londra. I nostri rapporti non si sono mai interrotti. Alla fine degli anni 1990 con mio fratello Yury, regista ed attore, e Caterina Turi-Bicocchi, abbiamo fondato “Soccorso Clown”, un’organizzazione no-profit per attività artistiche e sociali. Abbiamo fatto esperienza come “hospital-clown” e lanciato questa nuova professione in Italia. Ho cominciato a lavorare al Cirque du Soleil come “guest -actor” in “Allegria” nel 2000. Ho lavorato con loro nelle tournées in Australia e Nuova Zelanda. Dopo una pausa la collaborazione è ripresa nel 2004 a New York, Philadelphia e Toronto. Il lavoro insieme al Cirque du Soleil mi ha indotto a inventarmi un nuovo spettacolo come clown-attore, “Strange Games”, in cui ho potuto in parte mettere in pratica alcune mie idee sulla clownérie. Poesia e commedia filosofica, comédie humaine e gioia della vita ne sono le fonti ispiratrici.”

Vladimir Olshansky

STRUTTURA DEL LABORATORIO

Sezione A:

L’arte del clown le sue origini e il suo utilizzo nel processo creativo personale.
Il significato dell’essere comico.
Slapstic, Buffonata, Excentrica, ecc…
Scoprire in se stessi le sorgenti nascoste della creatività:
L’Ego.
I Tre centri del corpo umano.
Le Cinque fasi del lavoro.
Cosa significa il Conflitto Comico e come crearlo.
Creazione del proprio carattere di clown.
Tre tipi di caratteri di clown: bianco, augusto, hobo. Il costume e il trucco

Sezione B:

Creazione del repertorio personale.
Utilizzo della commedia fisica: linguaggio del corpo e emozioni.
La sorgente della improvvisazione e il suo utilizzo: lavoro sull’impulso.
I principi del lavoro con un oggetto.
Lavoro solo.
“Offerta”(comunicazione con il partner).

Vladimir Olshansky
Ha ricevuto vari riconoscimenti per la sua attività tra i quali il Raul Wallemberg Humanitarian Award, New York ,USA; il Michelangelo Award, Firenze, Italia; l’Award come miglior show ed artista dall’Entratainment Festival di Mosca, Russia.

Info costi e iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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TEATRO VALDOCA

MAPPE PER L’INVISIBILE
seminari selettivi per la seconda fase di GIURAMENTI

Teatro Valdoca organizza due laboratori residenziali e selettivi per attori, danzatori, performer e musicisti presso il Centro Teatrale Umbro
all’interno della X edizione del Festival “Di umanità, si tratta”

primo laboratorio 28 giugno/2 luglio 2017
secondo laboratorio 5/9 luglio 2017

direzione Cesare Ronconi
parole Mariangela Gualtieri
movimento Lucia Palladino
guida del canto Elena Griggio

Cesare Ronconi e le sue collaboratrici proseguono il cammino di GIURAMENTI, verso un affinamento di ciò che fino ad ora lo ha determinato: resa orale del verso poetico, movimento atletico e danzato, canto singolo e corale, riflessione teorica. Si aprirà con questi nuovi seminari un capitolo più decisamente rivolto al suono, alla musica e al canto. Si auspica anche l’incontro con musicisti/e, strumentisti/e, compositori e compositrici, disegnatori e disegnatrici del suono.

Rendere visibile l’invisibile e udibile l’inaudibile, questo forse il compito dell’arte. E questo è l’intento del teatro di Cesare Ronconi, lontano dalla narrazione, teso piuttosto verso la parola verticale della poesia, tenuta alta e leggera dalla poesia del movimento, dal canto, dall’intreccio di suono e silenzio, dall’andamento ritmico dell’insieme dei corpi in scena, dentro quell’organismo vitale e animale che è il coro. Si tende all’apertura e all’affinamento dei canali percettivi, di quelle porte attraverso cui il mondo arriva a noi, in noi, per meglio accogliere la forza ispirante, quella stessa che presiede il nascere di ogni arte. Per poi arrivare all’espressione, a dare forma ad un gesto, ad un suono che abbia il semplice, stupefacente ardore di una nuova nascita, di una antica consegna.

Temi del lavoro
parola / ascolto poetico

la qualità del respiro
la capacità d’ascolto
potenza acustica della parola pronunciata
potenza acustica del silenzio all’interno del testo poetico
la mente alleata, la mente che intralcia
uso del microfono
studio dei poeti
il canto

corpo / movimento
sequenze

il riscaldamento e il risveglio del corpo fino a percepire l’architettura e l’energia del proprio movimento
la ricerca del movimento corale
esercitare il corpo all’abbraccio e all’ascolto
perfezionare la fluidità delle sequenze ritmiche di movimento
percepire il suono nello spazio in cui si agisce
ascoltare ciò che vive tra le cose e le persone

suono e canto
i temi specifici verranno comunicati in seguito

INFORMAZIONI
Il laboratorio costituirà un momento di selezione in vista della seconda parte di GIURAMENTI di Teatro Valdoca.

Modalità d’iscrizione
Gli interessati dovranno inviare via email – mettendo nell’oggetto il proprio nome e specificando a quale dei due laboratori si intende iscriversi: due foto, una in primo piano e una a figura intera in formato jpg dal peso complessivo massimo di 800 KB, un CV sintetico (in formato word) in cui siano indicate le esperienze artistiche e teatrali, una breve lettera motivazionale (sempre in formato word), indirizzata a Cesare Ronconi.

facoltativi, con link da inserire tassativamente nel corpo della mail:
un breve video o audio con un saggio del proprio lavoro vocale o di composizione musicale, o di danza, recitazione, performance…

La mail dovrà pervenire all’indirizzo info@centroteatraleumbro.it entro e non oltre il 15 maggio 2017.
In base ai CV ricevuti Cesare Ronconi selezionerà i 16 partecipanti per ogni sessione.

L’esito della selezione sarà comunicato ai candidati entro l’1 giugno 2017.

Per informazioni e costi:
+39 075 9258072;
+39 338 9788533
info@centroteatraleumbro.it
www.centroteatraleumbro.it

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Dal 29 luglio al 2 agosto

FAMILIE FLÖZ

MASKS IN THEATER PRACTICE

Stage with Michael Vogel

Masks are poetic, archaic and archetypal. Masks disclose more than they conceal. They make the emotions in our body visible. Masks carry a secret and reveal it at the same time. They let us sense what moves us inside before making our exterior move. Masks spur our imagination. They help us use our memories creatively. And masks make us play. When a mask plays, it awakens to life.

“We will wear masks and see what happens then. We will transform and notice how the masks transform, too. Precisely because masks are rigid, they articulate vitality and thus show that nothing stays and everything is in motion. We will follow these movements. They will lead us to figures, to little situations and moments from which stories might evolve. Stories about us humans”
Michael Vogel

The project will also offer an insight into the theatre work of Familie Flöz. Over the last 20 years, Michael Vogel has co-developed and staged an individual form of mask theatre. A form of theatre understood in the entire world – without words (www.floez.net).

FAMILIE FLÖZ

LE MASCHERE NELLA PRATICA DEL TEATRO

Stage condotto da Michael Vogel

Le maschere sono poetiche, arcaiche e archetipiche. Le maschere rivelano più di quanto nascondano. Rendono visibili le emozioni nel nostro corpo. Le maschere portano con sè un segreto e lo rivelano allo stesso tempo. Ci fanno sentire cosa ci muove dentro prima di fare il nostro movimento esterno. Le maschere spingono la nostra immaginazione. Ci aiutano ad usare creativamente i nostri ricordi. E le maschere ci fanno giocare. Quando una maschera gioca, si risveglia alla vita.

“Indosseremo maschere e vedremo cosa succede. Ci trasformeremo e noteremo come si trasformano anche le maschere. Proprio perché le maschere sono rigide, generano vitalità e dimostrano quindi che nulla rimane statico e tutto è in movimento. Seguiremo questi movimenti. Ci porteranno a figure, a piccole situazioni e momenti da cui le storie possono evolvere. Storie di noi umani”
Michael Vogel
Lo stage offrirà anche una panoramica sul lavoro teatrale dei Familie Flöz. Negli ultimi 20 anni, Michael Vogel ha sviluppato e realizzato una forma personale di teatro con la maschera. Una forma di teatro intesa in tutto il mondo – senza parole (www.floez.net).

Michael Vogel

Born in Naila in 1962, now resides in Berlin. Director, actor, mask builder and artistic director of the international theatre group Familie Flöz. Director, co-author and actor in the theatre productions of Familie Flöz (1996): Ristorante Immortale (1998), TWO% homo oeconomicus (2001), Teatro Delusio (2004), Infinita (2006), Hotel Paradiso (2008), Garage d’Or (2012), Haydi! (2014). As a director, Michael Vogel has also worked for numerous artists, companies and theatres – including Bremer Shakespeare Company, Schauspielhaus Bochum, Theater Strahl Berlin and Gardi Hutter. The development of topics in joint authorship with ensembles is an important aspect of his work. His experience here ranges from the editing of literary and drama texts right through to visual theatre and the clown. Michael Vogel taught at the University of the Arts Berlin and the Ernst Busch Academy of Dramatic Art, among others. Michael himself studied at the Folkwang University of the Arts in Essen.

Nato nel 1962 a Naila in Germania, vive oggi a Berlino. Studiò presso la Folkwang University of Arts di Essen. Ha lavorato come regista e coreografo per vari artisti e insieme a diverse compagnie teatrali e teatri, tra cui la Bremer Shakespeare Company, il Teatro Bochum, il Teatro di Wuppertal, il Teatro Strahl di Berlino e Gardi Hutter. Ha inoltre insegnato alla University of the Arts di Berlino e presso la Ernst Busch Academy of Dramatic Art a Berlino. Della Familie Flöz é direttore artistico e regista, nonchè attore, scenografo e costruttore di maschere.

What to bring: comfy clothes as well as items of clothing for dressing up. Also great are wigs, glasses, headgear and shoes.

I partecipanti dovranno portare: vestiti comodi e vari capi di abbigliamento. Anche grandi accessori come parrucche, occhiali, copricapi e scarpe.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 27 settembre al 1 ottobre
APPROCCIO A UNA DRAMMATURGIA DELL’ATTORE

LABORATORIO CONDOTTO DA LUCIA CALAMARO
SI TRATTA DI IDENTIFICARE E RAFFORZARE LA POSSIBILITA DI UNA VOCE INTERIORE NARRANTE DOMINANTE, CHE CONFIGURI QUELLO CHE SI POTREBBE DEFINIRE UNO STILE PERSONALE

Lucia Calamaro

Dall’Uruguay alla Francia fino all’Italia, è una corsa tra due continenti la carriera di Lucia Calamaro, drammaturga, regista e attrice. Nata a Roma, a tredici anni si trasferisce a Montevideo, seguendo il padre diplomatico. Laureata in Arte e Estetica alla Sorbona di Parigi, oltre all’insegnamento presso l’Universidad Catolica de Montevideo, ha preso parte come attrice e regista in molti spettacoli nella stessa città, e poi a Parigi e soprattutto a Roma, dove dagli inizi collabora ed è sostenuta dalla struttura indipendente Rialto Sant’Ambrogio. Fonda l’associazione Malebolge nel 2003 e attraverso di essa dà corpo alla propria scrittura scenica, allestendo i seguenti spettacoli: nel 2003 “Medea, tracce, di Euripide” (adattamento e regia di Lucia Calamaro) e “Woyzeck” (adattamento e regia di Lucia Calamaro); “Guerra” (scritto e diretto da Lucia Calamaro), nel 2004; “Cattivi maestri” (scritto e diretto da Lucia Calamaro), 2005; “Tumore, uno spettacolo desolato” (scritto e diretto da Lucia Calamaro) nel 2006; “Magick, autobiografia della vergogna” (scritto e diretto da Lucia Calamaro ) nell’ambito del progetto “giovani talenti del Teatro di Roma”, Teatro India, 2008. Nel 2011 realizza lo spettacolo “L’origine del mondo, ritratto di un interno” con cui ha vinto 3 premi UBU tra cui miglior nuovo testo italiano o ricerca drammaturgica. Nel 2012 vince il Premio Enriquez per regia e drammaturgia. Nello stesso anno esce il libro “Il ritorno della Madre”, a cura di Renato Palazzi con Editoria e Spettacolo che raccoglie tre testi: “Tumore, uno spettacolo desolato”, “Magick, autobiografia della vergogna” e “L’Origine del mondo, ritratto di un interno”. Nel 2014 ha debuttato a Roma, al Teatro India, lo spettacolo “Diario del tempo, l’epopea quotidiana”, rimasto incompiuto, prodotto dallo Stabile dell’Umbria e dal Teatro di Roma in collaborazione col Teatro Franco Parenti. “La vita ferma: sguardi sul dolore del ricordo”, attualmente in tournée, è la sua ultima creazione. Ha debuttato a settembre 2016 al Festival di Terni, una produzione Stabile della Sardegna, Stabile dell’Umbria, Angelo Mai Occupato in collaborazione con Théâtre National de l’Odeon, Parigi e Teatro di Roma. Lucia Calamaro insegna drammaturgia alla scuola Civica Paolo Grassi di Milano dal 2014. I suoi testi sono di prossima pubblicazione (novembre 2017) con la prestigiosa editoriale francese Actes Sud.
I partecipanti dovranno portare:
– un pc
– la playlist per ballare preferita
– una tuta
– una borsa con vestiti vecchi (incluse scarpe borse e parrucche) che si possano distribuire tra i partecipanti allo stage senza rimpianto.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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19 | 20 | 21 | 22 | 23 LUGLIO 2017 KING LEAR
Atelier di creazione teatrale condotto da Alessandro Serra
Compagnia Teatropersona

Il carattere di uno uomo è il suo destino
Eraclito

Onora il volto del vecchio Levitico

PREMESSA Un tema e due parole

Re Lear è forse la più grande opera di Shakespeare, attraversata da un’infinità di piani e per questo forse la più complessa. Il rischio è di raccontare la storia di un vecchio rimbambito che divide il regno tra le figlie e poi ci ripensa. In Lear non c’è traccia di senilità. Non è un vecchio ma un uomo pieno di forza e di violenza e tutt’altro che stupido che vuole, e lo dice, prevenire ogni disputa futura. Tuttavia i tiranni, come i poeti, non abdicano mai. Quando la professione coincide col destino non si lascia. Da qui nasce la tragedia: non si eredita dai vivi, ma dai morti. Così gli allievi non possono davvero ereditare finché non si scrollino di dosso l’ombra del maestro.
Perciò lo Zen ammonisce: se incontri il Buddha, uccidilo!

Il tema è la caduta.
Sin dal primo atto nel Re Lear si assiste a un’inesorabile degradazione: politica, spirituale, fisica, fino ad arrivare alla fine in cui, come in nessun’altra tragedia di Shakespeare, non c’è più speranza. Tale principio è sublimato nella scena in cui Edgard accompagna suo padre sul bordo di un finto precipizio e gli spettatori assistono alla scena di un vecchio cieco che cade in ginocchio e chiede al figlio:

Ma sono caduto, o no?

La prima parola radiante che ritorna e tesse la storia è proprio la vista ovvero la sua mancanza, la cecità. Chi ha gli occhi, in Re Lear, non è capace di vedere. Gloucester, cui sono stati cavati gli occhi, solo nella cecità vedrà. Come Edipo guidato da Antigone egli sarà condotto sul bordo di un inesistente precipizio da suo figlio mascherato da matto.
Sciagurati quei tempi in cui i matti guidano i ciechi.
La storia di Lear, come quella di Edipo, riguarda l’acquisizione della visione interiore.
È un’iniziazione alla vecchiaia.

La seconda parola che illumina il testo e su cui ci soffermeremo nel corso dei cinque giorni è verità.
In questa tragedia senza speranza e senza futuro i ciechi vedono e i matti dicono la verità.
Cordelia e il matto dicono la verità, e forse sono la stessa persona.
Lear dovrà giungere al fondo della disperazione perché impari a vedere la verità, fido ad allora sarà il matto a vedere per lui.

LEAR: Mi dai del matto ragazzo?
MATTO: Tutti gli altri titoli li hai dati via. Con quello ci sei nato.

FASE PREPARATIVA

Ogni attore dovrà leggere il Re Lear di Shakespeare e imparare a memoria un brano di un personaggio a scelta. Quindi dovrà portare con sé:
1. Indumenti comodi per il training
2. Quaderno per gli appunti
3. Un abito completo di accessori e scarpe per vestire il personaggio scelto.
4. Un oggetto che sia al contempo accessorio e requisito del personaggio scelto.
5. Una fonte luminosa

L’ATELIER

Allenamento
Riscaldamento fisico
Relazione tra il bacino e la colonna vertebrale: gestione e direzione dell’energia
Gestione del peso e dell’equilibrio
Scrivere con il corpo, esercizi di composizione
La voce e l’ascolto. Canto e polifonia
Il coro

Creazione
Studio dello spazio in relazione alla forma e al tempo
Rettangolo, triangolo, cerchio
Analisi del testo
Costruzione e composizione: rapporto fra attore, personaggio e figura
Potere evocativo e narrativo degli oggetti
Relazione fra attore, oggetto e spazio scenico
Drammaturgia dell’immagine: comporre e costruire la scena
Relazione carnale tra attore e fonti luminose

Alessandro Serra
Si avvicina al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman. Si forma come attore a partire dallo studio delle azioni fisiche e dei canti vibratori nel solco della tradizione di Grotowski per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejercho’ld e Decroux. Integra la sua formazione teatrale con le arti marziali che pratica sin da giovanissimo. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Fondamentale, negli ultimi anni di formazione, l’incontro con Yves Lebreton e il suo metodo del Teatro Corporeo. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena le proprie creazioni che scrive e dirige, curandone scene, costumi, luci e suoni. Tra il 2006 e il 2011 il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si concretizza nella creazione di una “trilogia del silenzio” (Beckett Box, Trattato dei Manichini e AURE), in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di S.Beckett, B. Schulz e M. Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l’infanzia, Il Principe Mezzanotte, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all’estero. Nel 2013 crea Il Grande Viaggio opera tout public sul tema dell’immigrazione. Nel 2015 la sua ricerca teatrale si accosta al linguaggio della danza e crea L’ombra della sera, dedicato alla vita e alle opere di Alberto Giacometti. Nello stesso anno, in collaborazione con gli attori dell’Accademia Arte della diversità crea H+G. Nel 2017 ritorna al teatro di prosa e crea MACBETTU inspirato all’opera di Shakespeare e recitato in lingua sarda. Con Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Russia, Spagna, Bulgaria, Polonia, Germania.

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Calendario

Sabato 26 ottobre 2019 ore 21:30 Teatro Mestica, Corso Vittorio Emanuele, Apiro – MC

Mercoledì 23 ottobre 2019 ore 20:45 Teatro Polivalente, Via Appia Monterosso,31, Abano Terme – PD

Sabato 12 gennaio 2019 ore 21.00 Teatro San Fedele, Corso Garibaldi, 43 Montone PG

Sabato 1 dicembre 2018 ore 21.00 e domenica 2 dicembre ore 17.00 Nuovo Teatro Sanità, Piazzetta San Vincenzo, 1 Napoli

Sabato 21 e domenica 22 ottobre 2017 ore 21.00 Teatro dei Limoni, Via Giardino 21, Foggia

Venerdì 21 luglio 2017 alle 21.00 Oculis San Pietro al Natisone – UD

Sabato 3 giugno 2017 ore 21.30 Teatro Julio Cortazar Ferrara

Venerdì 31 marzo 2017 ore 20.45 OFF-side Vol.4 Diritti&Rovesci Rovereto

Sabato 30 luglio 2016 ore 22.00 Sementerie Artistiche, Via Scagliarossa 1171, 40014 Crevalcore

Domenica 8 maggio 2016 ore 21.30 Auditorium Comunale di Urgnano – BG

Venerdì 6 maggio 2016 ore 21.00 Teatro Cinema “C” di Concordia Sagittaria – VE

Sabato 12 marzo 2016 ore 21.00 Auditorium Rosetum Via Pisanello Milano

Sabato 27 febbraio 2016 ore 21.00 Teatro Due Mondi di Faenza – RA

Venerdì 25 settembre 2015 ore 17.00 Paesaggi di Grafite Ex Cimitero di Bagnarola – PN

Sabato 11 e domenica 12 aprile 2015 ore 21.00 Nostos Teatro di Aversa – CE

Sabato 17 luglio 2014 ore 21.00 Cortile Coi Pagura Castions di Zoppola – PN

Venerdì 1 agosto 2014 ore 22.15 Collinarea Festival Teatro Comunale di Lari – PI

Sabato 5 aprile 2014 ore 21.00 Associazione Ossigeno di Velletri – RM

Venerdì 21 marzo 2014 ore 21.15 Teatro Clitunno Trevi -PG

Venerdì 22, sabato 23, domenica 24 febbraio 2013 ore 21.00 CampoTeatrale Milano

Sabato 20 ottobre 2012 ore 21.00 Teatro del Cerchio di Parma

Sabato 4 agosto 2012 ore 21.30 Festival Tra il Sole e la Luna Montone – TE

Sabato 21 luglio 2012 ore 22.15 Kilowatt Festival San Sepolcro – AR

Venerdì 23 marzo 2012 ore 21.00 Teatro delle Maddalene – PD

Mercoledì 11 gennaio 2012 Teatro Titano Repubblica di San Marino

Sabato 5 novembre 2011 Segnali-Experimenta Urgnano – BG

Martedì 5 luglio 2011 ore 21.00 Festival dei Casoni e dell’acqua Barchessa Villa Roberti di Brugine – PD

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6 | 7 | 8 | 9 | 10 SETTEMBRE 2o17

SEMPLICE

giorni di studio intorno alla semplicità complessa delle arti del teatro guidati da Elena Bucci

Semplice non vuole dire facile
complesso non significa difficile
difficile non sempre è prezioso
prezioso spesso ha un essenza semplice
e il semplice apre la porta a tutti
e più si imparano le tecniche e si assommano le esperienze
più sembra facile e difficile allo stesso tempo stare sulla scena
più si ha voglia di saltare nel vuoto, provare, rischiare

Questo è il regalo del tempo: nonostante ogni scelta necessiti di sempre maggiore riflessione, nonostante si siano svelate le difficoltà in tutta la loro magnificente necessità e saggezza, ancora di più si cercano naturalezza e semplicità, sia che ci si occupi di scrittura, che di recitare, che di dirigere, che di guardare o di tutte quante le cose insieme.

Questi giorni di studio, incontri, vicinanza, saranno dedicati ad una ricerca intorno alla preziosità dell’arte del teatro e agli strumenti di espressione e libertà che essa offre.

Anche senza trucchi speciali, anche senza scene e senza costumi, anche nella semplicità di un paesaggio o di una stanza, quando il teatro si manifesta lascia stupefatti ed emozionati, rivelando ciò che ci rende simili e vicini.

In quest’epoca di inebrianti velocità e di moltiplicazione dei mezzi di informazione e comunicazione, il teatro più che mai si dimostra un’arte anacronistica e futura, il luogo di un patto dal vivo tra gli umani che non smette mai di offrire occasioni di conoscenza e mutamento. Ci insegna a pensare altre vie da quelle che ci vengono quotidianamente offerte dal mondo delle compravendite.

Perché di fronte ad un gesto, ad una voce, ad un suono restiamo incantati e come trasportati altrove, proiettati in un viaggio nel tempo insieme a tutti coloro con i quali diventiamo un pubblico? Per quale magia, trovandoci sulla scena, siamo noi e non più noi e riusciamo ad attingere ad un patrimonio di suggestioni e visioni che non sapevamo di avere?

Da queste domande semplici partirà questo tempo insieme, nel quale attraverseremo elementi di tecnica, improvvisazione, scrittura, messa in scena, recitazione, tutte le parti insomma che camminano insieme a formare quel tutto che è il teatro.

Si consigliano abiti comodi ma non sportivi. Sarebbe interessante se, indipendentemente dal genere, ogni partecipante si dotasse di abiti maschili e femminili.

Saranno utili carta e penna, dipinti, fotografie, musiche.

Elena Bucci

Elena Bucci, regista, attrice, autrice, si è formata nel Teatro di Leo di Leo de Berardinis partecipando a tutti gli spettacoli: Re Lear, Amleto, Tempesta, Macbeth, Delirio, I giganti della montagna, Novecento e Mille, Quintett, Metamorfosi, L’Impero della ghisa, Il ritorno di Scaramouche, King Lear n.1, Lear Opera. Ha fondato con Marco Sgrosso la compagnia Le Belle Bandiere con sede a Bologna e a Russi di Romagna, dove crea spettacoli che circuitano su tutto il territorio nazionale e all’estero, rassegne, un Laboratorio di teatro permanente e progetti per la comunicazione tra le arti (La Città del Sonno, Sonhos, Smemorantide), la diffusione del teatro, la formazione e il recupero di spazi abbandonati attraverso azioni teatrali, contribuendo alla riapertura del Teatro Comunale, di chiese, palazzi e luoghi di lavoro dismessi. Le linee poetiche della compagnia spaziano dalla creazione di scritture originali all’indagine sulla drammaturgia contemporanea, da percorsi di rilettura di testi classici a progetti per la commistione dei diversi codici artistici e il confronto con studiosi e scienziati. Uno stabile e aperto di attori, musicisti, tecnici e collaboratori garantisce sia l’approfondimento dei progetti che la possibilità di avere un repertorio, secondo una pratica duttile sospesa tra commedia dell’arte e presente. La compagnia ha solidi rapporti con enti pubblici e privati che ne sostengono la progettualità. La sua natura nomade si propone di realizzare progetti di ampio respiro sia nelle città che in luoghi marginali, nel confronto tra pubblici di diverse estrazioni, culture ed etnie.

Fra i riconoscimenti si ricordano il Premio Ubu 2016 come migliore attrice per diversi spettacoli da lei creati, il Premio Eleonora Duse 2016, il Premio Ubu 2000 per Riccardo III e Le regine di Morganti, il Premio ETI Olimpici del Teatro 2007 per Le Smanie della villeggiatura di C. Goldoni, il Premio Hystrio Altre Muse 2007 per l’attività della Compagnia, che si aggiudica anche il Premio Viviani Città di Benevento, il Premio Scenari Pagani. Ha lavorato tra gli altri con Mario Martone (Edipo a Colono, Teatro di Roma), Claudio Morganti (Riccardo III, Le regine – Teatro di Roma, Biennale di Venezia – e il recente La recita dell’attore Vecchiatto di Celati), Valter Malosti (Il giardino dei ciliegi, Teatro Stabile di Torino).

Cura regia, scene e costumi di spettacoli nei quali è spesso in scena – come Macbeth di Shakespeare, Hedda Gabler di Ibsen, La Locandiera di Goldoni (al Teatro Nazionale di Pechino nel 2015), Antigone di Sofocle, Svenimenti da A. Cechov, La Canzone di Giasone e Medea, Le relazioni pericolose da Laclos – tutti prodotti con il CTB Centro Teatrale Bresciano – Prima della pensione (Emilia Romagna Teatro Fondazione), Santa Giovanna dei Macelli di Brecht (Metastasio di Prato). E’ autrice di drammaturgie originali come Non sentire il male – dedicato a Eleonora Duse (a Mosca nel 2015, registrato per Radio3, Rai2 e presentato al Museo Duse della Fondazione Cini di Venezia), Barnum – Autobiografie di ignoti (musiche di Dimitri Sillato), Regina la Paura (Mercadante di Napoli), Bimba-inseguendo Laura Betti (con ATER), Vite altrove-maestre dentro e fuori scena (prodotto per Radio3Rai), Colloqui con la cattiva dea 1914-2014 (musiche di Simone Zanchini, Ravenna Festival), In canto e in veglia (I teatri del Sacro 2013), Shakespeare in solo, La Paura (Astiteatro, registrato per Radio3), Juana de la Cruz o le insidie della fede (musiche di Andrea Agostini, Ravenna Festival), Bambini (con Davide Reviati, Claudio Ballestracci, Rose Selavy, L’Arboreto di Mondaino, Festival di Santarcangelo 2003), Chopin, Sand e l’isola (al piano Joanna Trzeciak, produzione ERF Emilia Romagna Festival), Canti per elefanti, Quando a morire è musica e donna (La Fenice di Venezia), Naufraghi dal Bar Calypso (Sagra Musicale Malatestiana, Serra Teatro).

Con Marco Sgrosso dirige e cura scene, costumi e interpreta L’Amante di Pinter e mettono in scena Mythos, dall’Orestea e Tartufo di Molière con un cast di giovani attori (sempre con CTB), Gli occhi dei matti, da L’Idiota di Dostoevskj, Le relazioni pericolose, da Laclos, Cavalieri erranti, da Cervantes, (Amat e Teatro Sanzio di Urbino), La Pazzia di Isabella-vita e morte dei Comici Gelosi (consulenza drammaturgica del professore Gerardo Guccini e sostegno del Centro di Promozione Teatrale La Soffitta di Bologna), Delirio a due (con Fondazione Teatro Piemonte Europa), La Morte e la Fanciulla di A. Dorfman, Una Passione. Ridere così tanto – Musica e teatro nei luoghi dell’Olocausto (musiche di Dimitri Sillato e Felice del Gaudio, con ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione), Macbeth Duo. La vita è un’ombra – una lettura in musica (musiche di Dimitri Sillato) e con la compagnia Diablogues, realizzano, nel corso di un importante progetto di rilettura dei classici Il Berretto a sonagli, Anfitrione, il Mercante di Venezia, Le smanie per la villeggiatura.

Realizza a Bologna con altri artisti Molti pensieri vogliono restare comete, dedicato a Leo de Berardinis.

Collabora con Radio3 per la realizzazione di sue scritture e di progetti speciali come E non potrete dimenticarmi mai più, dedicato ad A. Artaud con Sandro Lombardi e Roberto Latini. Partecipa a progetti particolari come Guerra e pace di Lombardi-Tiezzi e Focus Jelinek curato da Elena Di Gioia. Collabora come attrice con Mario Giorgi autore e regista di Koppia ed è autrice e regista con Ivano Marescotti (Bagnacaval, Il migliore dei mondi possibili), Maurizio Cardillo (La deriva) e con Guido Leotta e il gruppo musicale Faxtet.

Per il teatro musicale cura regie per Ravenna Festival, collaborando con Nevio Spadoni e Luigi Ceccarelli: da Galla Placidia, Francesca da Rimini e Teresa e Byron (questi ultimi con Chiara Muti), Le Apocalissi (con la partecipazione di Massimo Cacciari), fino al più recente Folia Shakespeariana (ancora insieme a Chiara Muti). E’ voce recitante in Tenebrae di Adriano Guarnieri (regia di Cristina Muti).

E’ stata la prima interprete italiana di Medea di Benda, direzione di Manlio Benzi per il quale realizza anche Tempesta di Sibelius e Sogno di una notte di mezz’estate di Mendelssohn. Per ERF Emilia Romagna Festival è attrice nel concerto La Chanson de Bilitis in ‘Omaggio a Claude Debussy’ e in Lectura Dantis (musiche di Roberto Ciammarughi). Presenta la lettura della Divina Commedia nell’ambito dell’International Art Festival ‘Garden of Geniuses’ Leo Tolstoy Museum-Estate, Yasnaya Polyana, Russia.

Ha lavorato in cinema tra gli altri con Pappi Corsicato (La voce umana di J.Cocteau), Tonino de Bernardi (Lei, Accoltellati), Luca Guadagnino (A bigger splash), Michele Sordillo (Acquario), Raul Ruiz (Il viaggio clandestino), Massimiliano Valli e Luisa Pretolani (Tizca, Berbablu), lo scrittore Mario Giorgi e Michele Fasano (Koppia).

Crea progetti di alta formazione presso scuole, accademie e altri enti (Accademia Nico Pepe di Udine, Civica Paolo Grassi di Milano, Scuola del Teatro Stabile di Torino, Napoli Teatro Festival) e cura progetti speciali di trasmissione dell’arte teatrale, dalla creazione del gruppo Smemorantes alla partecipazione al progetto Scena Solidale nelle terre emiliane del terremoto (Emilia Romagna Teatro Fondazione), alla creazione di un evento per ‘I cantieri dell’immaginario’, progetto per la città dell’Aquila, e molti altri.

Premi

2000 premio UBU come migliore attrice per gli spettacoli Le regine e Riccardo III di Claudio Morganti

tre volte finalista, per Il ritorno di Scaramouche, King Lear n.1 e Lear Opera di Leo de Berardinis

2006 compagnia Teatro di Leo per Il ritorno di Scaramouche premio Viviani – Festival di Benevento direzione Ruggero Cappuccio

2007 compagnia Le Belle Bandiere premio Hystrio – Altre muse per la sua attività

2007 spettacolo Le smanie per la villeggiatura regia e interpretazione Elena Bucci, Marco Sgrosso, Stefano Randisi, Enzo Vetrano premio Eti Olimpici del Teatro – migliore spettacolo di prosa

2008 compagnia Le Belle Bandiere premio Scenari Pagani

2012 premio Lions Club Melvin Jones Fellow

2012 premio Walter Chiari

2015 spettacolo Svenimenti finalista al premio Hystrio Twister

2016 premio Eleonora Duse, assegnato all’attrice di teatro che si è distinta particolarmente nella stagione di prosa

2016 premio Ubu come migliore attrice per gli spettacolo La Locandiera, La Canzone di Giasone e Medea, Macbeth Duo, Bimba. Inseguendo Laura Betti

In Romagna

2006 premio Hesperia – Meldola di Forlì

2007 premio Confesercenti – Città di Ravenna per il teatro

2008 premio Città di Imola per il teatro

2011 premio Città di Russi per il teatro Artoran a Ross

Info e Iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
www.centroteatraleumbro.it | info@centroteatraleumbro.it

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Dal 15 al 24 Settembre

Laboratorio intensivo e residenziale per attori professionisti a cura di

PIERPAOLO SEPE

“Non vi sono confini netti tra reale e irreale né tra vero e falso. Una cosa non è necessariamente vera o falsa, può essere, contemporaneamente, sia vera che falsa.” Harold Pinter

Mi piacerebbe poter esplorare la drammaturgia di Harold Pinter assieme ad un gruppo di attori curiosi e attenti. Misurarci con la sua complessità e cercare di trovare risposte, far luce nell’enigma dei suoi raggiri e costruire traiettorie percorribili. Raggiungere ipotesi interpretative e accedere al confronto e alla verifica con il palcoscenico e con il pubblico. Un processo investigativo accorto che ci consenta di comprendere la straordinaria intensità dei temi e delle relazioni raccontati dall’autore e imparare a gestirli, immaginando una possibilità di formalizzazione capace di restituirli affilati e leggibili. Un percorso di studio e di approfondimento di una poetica che ha influenzato intere generazioni di drammaturghi, di registi e di attori che trovi il suo culmine e la sua soluzione nella rappresentazione di quanto saremo riusciti a scoprire, a raggiungere.

Un lavoro di dieci giorni intensivo e residenziale, un incontro ravvicinato con un regista che ha fatto della sperimentazione il suo tratto distintivo.

per partecipare inviare curriculum aggiornato e n° 2 foto a: info@centroteatraleumbro.it indicando nell’oggetto: selezione stage Sepe.

Pierpaolo Sepe inizia la sua attività di regista teatrale nel 1991, e da allora ha firmato oltre cinquanta regie. Nel 1997 inizia una collaborazione artistica con il centro di produzione teatrale Nuovo Teatro Nuovo di Napoli, in atto ancora oggi. Nel 2005 vince il Premio Flaiano come miglior regista teatrale; nel 2012 l’Associazione Nazionali dei Critici di Teatro gli assegna il Premio della Critica 2012 per la regia de “Le Cinque Rose di Jennifer”; vincitore, sempre nel 2012, del MArteAwards, premio italiano all’innovazione artistica, per la regia di Anna Cappelli con Maria Paiato. Nella stagione 2013/2014 i teatri italiani ospitano le sue ultime due regie: SIK SIK di Eduardo de Filippo, con Benedetto Casillo – presentato al Festival Benevento Città Spettacolo – e MEDEA di Seneca, con Maria Paiato, che apre in prima assoluta la stagione del Piccolo Teatro di Milano. Firma negli ultimi anni:, ZIO VANJA di Cechov, CRAVE di Sarah Kane per il Napoli Teatro Festival 2015 e IL SERVO di Robin Maugham per il Napoli Teatro Festival 2016.

Amante ed esploratore della drammaturgia contemporanea, propone un teatro con evidenti finalità politiche e sociali, alla continua ricerca di nuovi linguaggi espressivi. Convinto sostenitore della centralità dell’attore, auspica un teatro figlio di una reale collaborazione tra i ruoli.

Info costi e iscrizioni:
CENTRO TEATRALE UMBRO
Fraz. Goregge, 4 | 06024 Gubbio (PG)
Tel. 075 9258072 | Cell. 338 9788533
info@centroteatraleumbro.it

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